Anti-críticas de cine y tv (llevando la contraria)

Eva: Drama cibernético

2011-12-05T17:07:00.007+01:00

Hola, amigos, después de todo este tiempo alejada del mundo de los blogs, aquí estoy, escribiendo sobre una de las pelis más originales y emotivas que he visto últimamente en el cine, y que, como muchas de las que me gustan, parece que no ha tenido mucho éxito de público. Esta vez estamos en el año 2041, en el futuro, pero no es un futuro apocalíptico, sino una sociedad como la de I.A. o Yo, robot. La tecnología permite construir robots de apariencia humana y animal, que acompañan a los humanos y realizan todo tipo de tareas. Álex, un brillante ingeniero cibernético, regresa a su ciudad, Santa Irene, después de diez años fuera, dedicado a la investigación. Ha sido contratado por la Facultad de Robótica para llevar a cabo un proyecto revolucionario: construir un niño robot. A su llegada se reencuentra con su hermano, David, que se ha casado con la antigua novia de Álex, Lana. Ellos también son ingenieros cibernéticos, pero no tenían tantas ambiciones como Álex y se “conforman” con dar clase en la Facultad. Álex necesita un niño que sirva de modelo para su proyecto, y elige a Eva, la hija de David y Lana, una niña muy especial con la que pronto surge una gran relación de amistad y complicidad.

Eva es el primer largometraje de Kike Maíllo. Se trata de una película española de ciencia ficción, un género apenas tratado en nuestro cine, así que se agradece que aparezca un título de estas características en el panorama patrio; yo pertenezco al grupo de espectadores que no odia el cine español, al contrario, me gusta bastante, pero a veces está bien descansar de dramas sociales, comedias descerebradas y relatos de la Guerra Civil. Además, es una de estas películas que no parecen españolas, a pesar de que su reparto, equipo y producción son de aquí. Tampoco parece una cinta hollywoodiense. No esperéis escenas de acción; sí hay efectos especiales e imágenes visualmente impactantes que nos muestran una sociedad de tecnología avanzada, con hologramas, superordenadores, y emociones fabricadas artificialmente. También hay bonitos paisajes nevados y un ambiente melancólico. Porque esta película, francamente, es un drama romántico y sentimental. Más que nada tiene estilo de cine europeo, con ritmo pausado (pero no lento ni aburrido, o a mí no me lo pareció), factura elegante y descripción de sentimientos. El prota, Álex, es el muy carismático Daniel Brühl, fantástico, como siempre, y muy creíble como un genio introvertido, melancólico y enamorado. Los otros dos vértices del triángulo amoroso, Lana y David, son Marta Etura, que se luce bastante en un papel de científica-brillante-madre-sufridora-heroína-atractiva y también enamorada, un personaje completito, aunque un poco secundario; y Alberto Amman, que por desgracia, aquí no tiene mucha oportunidad de demostrar su talento, ya que su personaje es un poco flojito, creo yo, y sirve más que nada de apoyo para la trama sentimental. También se agradece la presencia de Lluís Homar, uno de los actores más camaleónicos que hay en el cine español, genial en el rol de un entrañable robot-mayordomo (o algo así), y que incluso llega a eclipsar al mismísimo Daniel Brühl en las escenas que comparte con él. La que no me convenció mucho fue Eva, no porque la actriz que la interpreta, Claudia Vega, lo haga mal, al contrario, está muy acertada, sobre todo en las escenas dramáticas. Lo que no me convence es el propio personaje; se supone que tiene que ser una niña con una personalidad magnética, arrolladora, compleja, y muy madura para su edad, pero a mí me pareció una cría un poco repelente, y entonces me costó más trabajo empatizar con ella. Esta peli no está durando mucho en los cines (en Madrid o Barcelona no sé, pero en mi modesta ciudad provinciana sólo ha estado unas dos semanas). Yo os recomiendo que la veáis, si queréis sumergiros en un relato futurista, intimista, con fotografía espectacular, ambiente gélido y paisajes invernales, máquinas que son más humanas que las personas, y un gato robot. Muy bonita.

Juego de tronos: Mundos medievales

2011-09-24T21:51:00.009+02:00

Esta historia transcurre en una época indefinida, que se parece mucho a la Edad Media, y en un lugar llamado Poniente, un continente formado por siete reinos, donde las estaciones pueden durar años y el invierno es muy crudo y terrorífico. Poniente está separado de los territorios del Norte por un enorme muro de hielo, vigilado por la Guardia de la Noche, para proteger a sus habitantes de los peligros del exterior. Se dice que al otro lado viven los Otros, unos seres espectrales y feroces que caminan por la nieve y devoran a todo el que pillan a su paso (una especie de zombies de leyenda), y que cada vez están más cerca del muro. Pero no es esa la única amenaza que se cierne sobre Poniente. Se avecina una guerra por el gobierno de los Siete Reinos y el poder de sentarse en el Trono de Hierro. Hace 15 años, en una guerra civil, Robert Baratheon expulsó a la familia real, los Targaryen, y se proclamó rey de Poniente. Ahora, el heredero exiliado Viserys Targaryen, prepara un plan para recuperar el trono. Para ello, ha casado a su hermana, la joven y angelical Daenerys, de largos cabellos plateados, con Khal Drogo, el líder de los Dothrakis, una tribu de bárbaros muy bárbaros y muy brutos, para formar una alianza y conquistar Poniente. Al mismo tiempo, dentro de los reinos, se desarrollan numerosas intrigas, luchas de poder, y conspiraciones, en un ambiente de política y violencia, donde para que no te maten se necesita saber manejar la espada tanto como usar el cerebro y medir las palabras.

Juego de tronos es la adaptación a la pequeña pantalla de la primera novela de Canción de hielo y fuego, una saga literaria escrita por George R. R. Martin, que contará con siete libros, de los cuales se han publicado cinco por el momento. Lo que hemos visto hasta ahora es la primera temporada, compuesta por diez capítulos. En abril del año que viene, al parecer, se estrenará en USA la segunda, Choque de reyes, y mientras tenga éxito, se seguirá haciendo una temporada por cada novela, supongo (en el mundo de las audiencias nunca se sabe). Esta primera etapa ha tenido mucho éxito, y no es para menos; las palabras con las que mejor puedo definir esta serie son dos: adictiva y fascinante. Desde el principio me enganchó (a mí y a casi todo el mundo que la ha visto, creo yo), esta historia épica y de fantasía, un relato de caballeros y princesas donde la mayoría de los personajes muestran su naturaleza más oscura y ambigua. Porque la ambigüedad es lo que domina en el comportamiento de los protagonistas (como en la vida misma). Aquí no hay maniqueísmo y cada personaje tiene su historia, traumas y secretos confesados o inconfensados; hay patriarcas honorables, guerreros salvajes, reyes lujuriosos, reinas maquiavélicas, chicas que quieren ser princesas, niñas que juegan con espadas, príncipes psicópatas, prostitutas y damas valerosas. Hay un bastardo atormentado (y muy guapo, todo hay que decirlo), un enano cínico y carismático y una chica dragón. Hay héroes oscuros, muchos personajes ambiciosos, y algunos totalmente perturbados. Entre los protas yo destacaría a Lord Stark, que se come la pantalla con su imponente presencia; Viserys Targaryen, odioso, irascible y guapísimo; Joffrey, el niño príncipe más hijo de puta que se haya visto en la pantalla, impresionante; y el que todos estabais esperando: Tyrion Lannister, el Gnomo, interpretado por el maravilloso Peter Dinklage.

El estudio de los caracteres es tan importante como las escenas de acción y los paisajes de leyenda. Los diálogos son tan poéticos como contundentes. La fotografía, espectacular, y la música te envuelve desde los títulos de crédito iniciales. Pero aún hay más. ¿Queréis violencia, sexo y palabras malsonantes pronunciadas en los momentos más oportunos? También los hay. ¿Queréis una historia inteligente, con conspiraciones, fantasía y aventuras? Estáis de enhorabuena. Esta vez no llevo la contraria a la mayoría y me uno a las legiones de fans de Juego de tronos. Bienvenidos a Invernalia.

Cisne negro: La bailarina obsesionada

2011-09-05T19:02:00.006+02:00

Nina Sayers es una brillante bailarina de una compañía de ballet de Nueva York, que vive totalmente obsesionada con la perfección. La compañía va a representar una nueva versión de El lago de los cisnes, y el director, Thomas Leroy, está buscando una sustituta para la bailarina principal, Beth Macintyre, que se va a retirar porque tiene ya una cierta edad (y no es que lo acepte muy bien, precisamente). Nina trabaja sin descanso para conseguir el papel protagonista, el de la Princesa Cisne, que tiene la dificultad añadida de que es un doble personaje: el Cisne Blanco, toda candor y pureza, y su reverso oscuro, el Cisne Negro. La disciplina de la bailarina es infinita y su técnica perfecta, pero Thomas opina que le faltan la pasión y la espontaneidad necesarias para interpretar al Cisne Negro, un personaje lleno de sensualidad y lujuria. Sin embargo, Lily, otra bailarina recién llegada a la compañía, sí que parece poseer dichas cualidades, por lo cual se convierte en la principal rival de Nina. Sometida a tanta presión y a la difícil convivencia con su dominante madre, la mente de Nina comienza a jugarle malas pasadas…

Cisne negro (Black swan) es el quinto largometraje de Darren Aronofsky, realizador que, hasta ahora, no sigue reglas muy comerciales y que tiene su estilo propio, por lo cual se ha convertido en director de culto para todos, o casi todos, los cinéfilos. Mi opinión sobre sus obras está dividida: algunas de las películas que he visto de él me han gustado y otras no. Cisne negro pertenece al grupo de sus películas que no me han gustado, junto con Réquiem por un sueño (sí, su obra maestra). Las dos son cintas de gran calidad, con brillantes actuaciones (Ellen Burstyn está inmensa en Réquiem por un sueño), que narran historias duras, sin concesiones, y transmiten emociones radicales y extremas. Y por eso mismo no me gustan: demasiado sufrimiento para mí, demasiado recrearse en el morbo y el drama de forma un poco gratuita (o no). Es cine de alto nivel, pero hay espectadores que no están preparados para esas dosis de la realidad más sórdida, y yo soy una de ellos. Cisne negro tiene un estilo muy parecido a Réquiem por un sueño: ambas comparten una atmósfera claustrofóbica y obsesiva y relatan el descenso a los infiernos, o más bien, la caída en picado, de sus protagonistas, a través de un sendero de locura. La forma de narrar los hechos hace que los espectadores nos veamos inmersos (demasiado inmersos para mi gusto), en ese mundo alucinado de pesadillas, sin posibilidad de vuelta atrás. Réquiem por un sueño nos muestra la caída de sus personajes en el mundo de la drogadicción, en lo que se convierten y a lo que son capaces de llegar por seguir en ese paraíso artificial. En Cisne negro, la autodestrucción de Nina se produce por el deseo de tener éxito y ser la mejor, en un ambiente de estrés y competitividad. Todo eso, unido al carácter autoexigente, autodestructivo y obsesivo-compulsivo de la bailarina, hacen de su cerebro una bomba de relojería que la lanza a la paranoia total. Y en eso se convierte la película a medida que va avanzando el metraje: en una paranoia donde no sabemos lo que es real y lo que es fruto de la mente perturbada de Nina. La cinta está plagada de pesadillas, alucinaciones, alguna escena de sexo morbosillo, otras escenas con autolesiones y objetos punzantes, junto con momentos de gran belleza y estética (sí, también hay bonitas escenas de ballet). Elementos todos que se unen para que el espectador lo pase muy bien y/o muy mal sintiendo la angustia y el desequilibrio de la pobre Nina. Natalie Portman, como sabemos, es la actriz protagonista, y como sabemos, ganó el oscar este año. La verdad es que realiza una actuación impresionante, tanto en el registro de pobre chica nerviosa, disciplinada y reprimida, como en el de alma atormentada, desequilibrada y paranoica. También aparecen Vincent Cassel, Mila Kunis y la ya vieja gloria Barbara Hershey, en papeles que les van como anillo al dedo, pero el alma de la película y la que lleva todo el peso, desde luego, es Natalie. También es de destacar la intervención de otra antigua gloria, Winona Ryder, en el personaje de Beth, la bailarina que se ve obligada a retirarse; un papel breve, pero intenso, que parece guardar algún paralelismo con su propia carrera.

Bueno, pues si queréis disfrutar, sufrir y sumergiros en los desvaríos y excesos de la mente de una pobre chica torturada por la búsqueda de la belleza, os recomiendo que veáis Cisne negro, si no la habéis visto, que seguro que sí. A mí, personalmente, estas cosas no me van, pero reconozco que la peli es original, impactante y no deja indiferente a nadie.

El origen del planeta de los simios: La rebelión de los monos

2011-08-14T00:54:00.011+02:00

Will Rodman, un joven científico, ha fabricado un compuesto químico que cree que puede curar el alzheimer, enfermedad que padece su padre. Al probar el producto con los monos con los que está investigando, comprueba que éstos experimentan una notable evolución en su inteligencia. Ante el escepticismo de Steven Jacobs, el administrador del laboratorio para el cual trabaja, que quiere cancelar los experimentos, Will decide llevarse a su casa a Caesar, un bebé simio nacido en el mismo laboratorio, para protegerlo, y lo adopta como mascota. A medida que pasa el tiempo y Caesar va creciendo, su dueño se da cuenta de que su inteligencia es muy superior a lo normal en su especie.

El origen del planeta de los simios (Rise of the planet of the apes), segunda película dirigida por Rupert Wyatt (la primera, The escapist, no la conozco de nada), es una especie de precuela-remake de El planeta de los simios, la famosísima película de 1968 protagonizada por Charlton Heston y realizada por Franklin J. Schaffner. Este film, adaptación de una también famosa novela de Pierre Boulle, dio lugar, en los 70, a una saga con tres secuelas, dos series de tv (una de ellas de animación), y un remake, dirigido por Tim Burton, en 2001. La peli buena es la primera, según dicen todos; yo no he visto ninguna de las tres secuelas, cuyos originalísimos títulos son: Regreso al planeta de los simios, Huida del planeta de los simios y Batalla por el planeta de los simios (después de todo, ¿cómo se iban a llamar?), pero me imagino que serán de serie B, o Z. En cuanto al remake de Tim Burton, creo que coincido con casi todo el mundo en que es bastante horroroso y aburrido.

El origen… nos cuenta cómo se produjo el salto evolutivo de los primates y cómo comenzó su revolución contra los humanos. Estos acontecimientos les convertirán más adelante en la raza dominante y más inteligente, y a los hombres en una especie de esclavos embrutecidos, tal como se narra en El planeta de los simios. Pero la explicación de estos hechos difiere un poco de la que se da en la peli original y en sus secuelas, por eso pienso que es una precuela-remake.

La cinta ha tenido muy buena acogida, tanto en público como en crítica. Casi todos tienen grandes elogios para ella, y tienen razón: es una película de calidad, en su técnica y su guión. Hay escenas muy emocionantes, en las que vemos cómo Caesar evoluciona psicológicamente, le vemos sufrir, razonar, convertirse en jefe de su grupo, y en lider de su revolución. A mí, aunque la película me gustó, no me ha provocado tanto entusiasmo como a la mayoría, por dos motivos: el primero es que, en mi opinión, hay demasiados momentos de clímax, demasiadas escenas en las que parece que va a explotar la acción, hasta que finalmente explota. Eso hace que no decaiga el ritmo, pero a mí, personalmente, me llegó a cansar un poco. El segundo motivo, la verdad es que es muy estúpido teniendo en cuenta de qué película estamos hablando: hay tantísimos monos que yo acabé un poco saturada. Claro, qué te vas a esperar en un film que trata del planeta de los simios, pero es que a ratos me daba la impresión de que estaba viendo un documental de monos. Es el mismo motivo por el que no me gustó mucho la peli original. Aun sabiendo que es una película muy buena, después de verla me di cuenta de que los primates son animales que no me hacen mucha gracia, qué le vamos a hacer.

Los actores de la película están bastante correctos. Will, el joven científico protagonista, es James Franco, actor que, además de ser guapísimo (lo siento, tenía que decirlo), en 127 horas demostró que es capaz de llevar él solo el peso de una película. Aquí, la verdad es que su personaje no le da para lucirse tanto. Charles Rodman, el padre de Will, es el siempre genial John Lithgow. También sale la guapa Freida Pinto (la prota de Slumdog millionaire), interpretando a Caroline, la novia de Will, un papel básicamente de novia florero. Pero el que está impresionante es Andy Serkis, que interpreta a Caesar, recreado digitalmente y con la técnica de captura de movimientos. Este actor ya prestó su rostro y sus expresiones para los personajes de Gollum en la saga de El señor de los anillos y de King Kong en la peli del mismo nombre de Peter Jackson, así que tiene experiencia en interpretar a seres raros y a monos. Es increíble cómo transmite emociones como ira, compasión, frustración, y poder. Bueno, pues El origen del planeta de los simios es una película que da lo que promete, entretenida, emocionante, con escenas de acción realmente espectaculares (sobre todo la parte de la rebelión definitiva de los monos), que nos presenta el inicio de un futuro apocalíptico y un mensaje de advertencia contra la humanidad, en el sentido de que “nosotros nos lo hemos buscado”, que no por repetido, es menos cierto.

P.D.: Me comenta Raül Calvo que no son tres las secuelas de la peli original, El planeta de los simios, sino cuatro. Entre Huida del planeta de los simios y Batalla por el planeta de los simios (también llamada La conquista del planeta de los simios) se rodó otra más, La rebelión de los simios, uf, qué lío. No pongo los títulos originales porque me voy a enrollar demasiado, pero, para entenderlo mejor, leed los comentarios de Raül. Gracias, Raül, por tu aclaración.

Balada triste de trompeta: Los payasos salvajes / Agua para elefantes: Romance bajo la lona

2011-07-25T11:21:00.023+02:00

Había una vez dos payasos que trabajaban en un circo, a principios de los años 70, y a finales de la dictadura franquista. Javier, el Payaso Triste, es pacífico, romántico, asustadizo. Su infancia y juventud estuvieron marcadas por la separación de su padre, preso en la Guerra Civil y condenado a trabajar en el Valle de los Caídos. Sergio, el Payaso Tonto, es el artista más popular del circo: carismático, con madera de líder, de carácter dominante y desequilibrado, a veces psicópata y violento. Entonces se convierte en el Payaso Feroz. Los dos payasos están enamorados de Natalia, la trapecista, que se mueve como una mariposa veloz, también desequilibrada, en ocasiones con las alas y el alma rota. Ella también los quiere a los dos a su manera. El problema es que Natalia es la mujer de Sergio, el Payaso Tonto / Feroz. Sergio, a veces (muchas veces) vuelca sus frustraciones y su ira sobre Natalia. Los dos se quieren con un amor furioso, destructivo, profundamente doloroso. Natalia, la chica rota, necesita a Sergio, pero también necesita el refugio de Javier, el Payaso Triste y Bueno. Javier podría ser su tabla de salvación. Pero el amor puede transformar y sacar lo mejor y lo peor de cada uno. Y este no es un cuento feliz ni mucho menos convencional, sino una historia oscura y salvaje.

Había una vez un joven estudiante de veterinaria, llamado Jacob, que, tras la muerte de sus padres en un accidente, se encuentra en la pobreza, en los años 30, época de la Gran Depresión americana. Entonces entra a trabajar en un circo como cuidador de los animales. Allí se enamora de Marlena, la amazona que hace equilibrios con la elegancia de una bailarina y la agilidad de una atleta, y cuida a sus caballos con el cariño de una madre. Marlena y Jacob tienen en común su dedicación a los animales, y así surge entre ellos una amistad que pronto se transforma en algo más. Pero Marlena está casada con August, el dueño del circo, un hombre enérgico, entusiasta, capaz de mantener el negocio y a las familias que trabajan en él. Ese es su lado positivo, pero, en sus momentos de bajón, se vuelve inseguro, desequilibrado y tiránico. Quiere con locura a Marlena, pero este amor a veces le trastorna. Marlena le quiere, tiene gran dependencia de él y también le teme. Cuando el circo adquiere a Rosie, una elefanta asustada, los lazos que unían a Jacob y Marlena se hacen más fuertes y el carácter peligroso de August se pone de manifiesto.

Balada triste de trompeta, de Álex de la Iglesia, y Agua para elefantes (Water for elephants), de Francis Lawrence, son dos películas con muchos elementos que las unen y las diferencian. La base argumental es muy parecida, y la hemos visto muchas veces: pobre chica atrapada entre dos amores, con dificultades para elegir entre el chico bueno y el chico malo, desembocando esta situación en un triángulo letal. Además, las dos historias se desarrollan en el mundo del circo, en épocas pasadas y en ambientes de casi pobreza. Sin embargo, el desarrollo de la idea central y los estilos de las dos películas son opuestos. Balada triste de trompeta es una tragicomedia negra, cruda y desmelenada. Álex de la Iglesia, que nunca ha hecho concesiones a la comercialidad (excepto en Los crímenes de Oxford, y no tuvo mucho éxito), se explaya en este film repleto de sus señas de identidad inconfundibles: humor bestia, personajes muy desquiciados, un plantel de secundarios peculiares, y una secuencia de acción en lo más alto de un alto edificio. El resultado es un auténtico deleite para sus fans más fieles; para los que somos un poco fans, pero no tanto, es una cinta interesante y original en principio, que se transforma en un delirio surrealista e hiperviolento, y en mi opinión, un despropósito. Lo mejor son los actores, sobre todo el grandísimo Antonio de la Torre, espectacular en el papel del Payaso Tonto, un villano bipolar, demente y brillante. También están muy bien Juan Carlos Areces, el Payaso Triste, un personaje aparentemente inocente y entrañable, con un lado muy, muy salvaje; y Carolina Bang, la chica guapa, torturada y también muy loca (bueno, aquí es que están todos muy locos). En mi opinión, Antonio de la Torre da un recital de interpretación y es lo mejor de la película.

Agua para elefantes podría definirse como un drama romántico y clásico. Francis Lawrence es uno de estos directores de Hollywood que no se ha distinguido por tener un sello propio ni una personalidad característica en sus películas. De hecho, sus dos largometrajes anteriores, Constantine y Soy leyenda, son films comerciales que no gustaron mucho a los críticos (a mí sí, ya sabéis que soy muy rara). Agua para elefantes sí que tiene un estilo más personal y me ha gustado bastante, ya que no es el pastelón romántico que yo pensaba que sería, sino una cinta con historia, sensibilidad y aire de cine de antaño. En este caso el guión (aunque es una adaptación de una novela) parece estar hecho para el lucimiento de Christoph Waltz, que lo borda interpretando al celoso, maltratador y atormentado August, aunque a mí en ocasiones me llegó a cansar un poco: tiene demasiados monólogos filosóficos e intelectuales a lo largo de la cinta, emulando a su exitoso villano de Malditos Bastardos, el malísimo coronel Hans Landa. También están muy correctos los otros dos protagonistas. Robert Pattinson es Jacob, el chico bueno (es uno de los actores más injustamente odiados de Hollywood, debido a su intervención en la saga Crepúsculo). La guapa y desgraciada Marlena es Reese Witherspoon, actriz con talento y carisma, aunque también ha hecho bodrios como casi todo el mundo.

Balada triste de trompeta y Agua para elefantes son dos visiones opuestas de un mismo tema: triángulos románticos, amores desgraciados que llevan a la locura, ambientados en el mundo del antiguamente mayor espectáculo del mundo. Yo os recomiendo las dos, y que cada uno juzgue por sí mismo; sobre gustos no hay nada escrito.

Midnight in Paris: Sueños de un escritor

2011-07-04T16:08:00.013+02:00

Gil, un joven guionista de Hollywood, que aspira a convertirse en escritor de novelas, se encuentra de viaje por París con su prometida Inez y los pijos padres de ella, John y Helen. El romántico e idealista Gil parece insatisfecho con la vida y el entorno que le rodean, y desearía haber conocido el París de los años 20, paraíso de intelectuales, artistas y escritores, y cuna de la cultura europea y americana. Una noche, paseando por el Barrio Latino, se ve transportado a la época de sus sueños, donde conocerá a personajes como Hemingway, Fitzgerald, Picasso y Dalí. Midnight in Paris es la 42ª película (aproximadamente) del genial Woody Allen, que, como ya sabemos, es uno de estos directores prolíficos que van casi a película por año. Vamos, que hace películas como rosquillas. Muchos opinan (y yo también) que esto lo puede hacer porque sus obras son muy parecidas entre sí, y en ellas se suelen repetir los mismos temas, patrones y obsesiones. Básicamente, yo diría que el cine de Woody Allen se puede agrupar en dos géneros: las comedias de humor más o menos amable, intelectual y con personajes neuróticos; y los dramas psicológicos y obsesivos, con temas recurrentes como las relaciones de pareja (y sus fracasos), el destino y la culpa. Las comedias yo las dividiría también en dos grupos: aquéllas en las que él dirige e interpreta a uno de los personajes (generalmente el protagonista, aunque no siempre, sobre todo últimamente que está mayor); y aquéllas en las que sólo está detrás de la cámara, en cuyo caso el papel del actor protagonista es un alter ego del propio Woody Allen. A mí me suelen gustar las comedias en las que actúa, con su estilo único e inconfundible; me parecen mucho más divertidas que las pelis en las que otro actor hace de él, por muy bueno y conocido que sea éste.

Midnight in Paris pertenece al grupo de las comedias en las que Allen no actúa, y según mi criterio no me debería gustar, pero sí, sí que me ha gustado. El actor que esta vez hace de Woody Allen, interpretando al patoso Gil, es el rubio de gran nariz Owen Wilson, uno de los reyes de la comedia hollywoodiense descerebrada. Normalmente me parece muy histriónico en sus papeles y no lo aguanto mucho, pero aquí lo hace realmente bien, interpretando a un personaje cercano, muy humano, con sus sueños, sus frustraciones, que no acaba de encontrar su lugar en el mundo, alguien con quien todos nos podemos llegar a identificar. Su carácter es totalmente opuesto al de su novia, la muy pija y muy segura de sí misma Inez, interpretada por Rachel McAdams, otra actriz que no me gusta mucho (debe ser porque siempre la identifico con su papel en El diario de Noa, una película que me parece muy cursi y empalagosa). Pero aquí también está muy acertada, sobre todo porque su personaje parece una parodia de sí misma. Los dos componen una pareja extraña, de estas parejas que uno se pregunta cómo pueden estar juntos y a punto de casarse, si son el día y la noche. Gil se encuentra desubicado, tiene la sensación de no pertenecer al mundo de Inez, tal vez ni siquiera a su propio mundo, y busca una vía de escape viajando mágicamente a otras épocas. Como es habitual en los films de Woody Allen, hay bastantes caras conocidas en el reparto, aunque no tantas como otras veces, creo yo. Hay que destacar a la guapa Marion Cotillard, a Kathy Bates, y al camaleónico Michael Sheen, que resulta totalmente creíble en cualquier papel que haga. Aquí realiza un personaje también habitual en el cine de Allen: el del hombre perfecto, que todo lo sabe y todo lo hace bien, y que saca de quicio al protagonista patoso, sobre todo porque amenaza con robarle a la chica. También hay una corta actuación de Adrien Brody, interpretando a un hilarante y surrealista Dalí (como no podía ser de otro modo), obsesionado con los rinocerontes. Y otro pequeño papel para la primera dama francesa, Carla Bruni. Con Midnight in Paris, Woody ha retomado el estilo y el nivel de calidad que tanto nos gusta a sus fans, y que últimamente parecía haber perdido un poco. Es un bonito retrato de la ciudad de París, del mundo del arte y de épocas pasadas. Las paradojas temporales funcionan como una metáfora sobre la nostalgia y la búsqueda de la felicidad. Porque se trata, en esencia, de una comedia romántica, elegante y filosófica, que nos hace preguntarnos: ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor?

X-Men Primera generación: El origen de los mutantes

2011-06-12T15:14:00.006+02:00

En los años 40, Charles Xavier y Erik Lehnsherr son dos niños de orígenes muy distintos, que descubren que no son como los demás: Charles puede leer la mente, e incluso introducirse en el cerebro de cualquier persona y alterar su percepción de la realidad. Erik puede mover cualquier objeto de metal sin tocarlo. Charles es el típico niño solitario de familia adinerada. Erik es víctima del Holocausto judío y se convierte en objeto de estudio de Sebastian Shaw, un ambicioso científico nazi. En los años 60, Charles Xavier es un doctor dedicado a la tarea de encontrar más personas como él, mutantes con una evolución de sus genes que les proporciona extraordinarios poderes. Cuenta con la ayuda de su amiga Raven, cuya mutación le permite adoptar el aspecto de cualquier persona, y que se esconde bajo el físico de una guapa adolescente para no mostrar su piel azul llena de escamas. Erik se ha convertido en un joven poderoso y atormentado, que sólo busca venganza. Los tres, junto con otros mutantes que localizan y reúnen por todo el mundo, son reclutados por la CIA y se ven envueltos en los complots de la Guerra Fría y en la crisis de los misiles de Cuba. Su principal enemigo será, precisamente, Sebastian Shaw, que quiere dominar el mundo en plan científico loco y va acompañado de varios malvados y poderosos mutantes.

X-Men: Primera generación (X-Men: First class), es la 4ª película de Matthew Vaughn, que dirigió el cuento de hadas Stardust y la parodia de súperhéroes Kick-Ass. Ahora que el mercado está saturado de secuelas y remakes (y yo también un poco), la saga de los mutantes de la Marvel se apunta a la moda de las precuelas, las películas que nos cuentan lo que ocurrió antes de todo lo que ya hemos visto. En esta Primera generación los mutantes empiezan a agruparse en bandos opuestos, divididos por el eterno conflicto entre el bien y el mal y por sentimientos enfrentados como el deseo de ser aceptados, la necesidad de integrarse en su entorno, el odio a la raza de los humanos o el intento de ocultar su condición a los demás. Todas estas emociones conviven en cada uno de nuestros protagonistas, y la prevalencia de unas u otras determinará su caída en el lado de la luz o la oscuridad. Vemos cómo iniciaron su camino Charles Xavier, que luego se convertiría en el profesor Xavier, y Erik Lehnsherr, alias Magneto; amigos en su juventud, y convertidos después en rivales. En las demás películas les vemos ya ancianos, eternamente enfrentados y liderando cada uno su propio grupo de X- Men, Xavier con su escuela de jóvenes talentos y Magneto con su hermandad poderosa y oscura. Ambos personajes están interpretados por los carismáticos James McAvoy y Michael Fassbender (revelación en Malditos bastardos y protagonista de la hiperviolenta Centurión), en los papeles que en las demás partes de la saga realizan las viejas glorias Patrick Stewart e Ian McKellen. Aparecen, como adolescentes, algunos de los personajes ya conocidos en las otras películas, aunque no los principales (eso sí, hay un hilarante cameo de Hugh Jackman / Lobezno). La recientemente aclamada Jennifer Lawrence interpreta a Raven, también llamada Mística, personaje ambivalente y condicionado por la necesidad de esconder su verdadera apariencia. El malo malísimo Sebastian Shaw es Kevin Bacon, brillante, como siempre, en su rol de mad doctor con figura de playboy de los 60. Entre su séquito de mutantes villanos destaca la muy poderosa Emma Frost, telépata y Dama de Hielo, interpretada por la gélida January Jones, a quien hemos visto como esposa del Dr. Martin Harris en Sin identidad. Me gustó la película; es entretenida, emocionante, con efectos espectaculares, como era de esperar, y está a la altura de las otras tres de la saga (el spin off de Lobezno ya sabemos que es más flojilla). Pasé un buen rato con las aventuras de los mutantes en los 60, en plan James Bond, con sus conflictos psicológicos, sus cambios de bando y sus luchas internas. No son superhéroes, aunque tengan tantos poderes, y se mueven en la cuerda floja entre el bien y el mal. ¿Y tú de qué lado estás?

Nunca me abandones: Como ovejas al matadero

2011-05-17T21:41:00.007+02:00

En los años 60, en Inglaterra, tres niños, Kathy, Tommy y Ruth, crecen en Hailsham, un internado-orfanato. Allí todos los chicos reciben una buena educación y unos cuidados adecuados, juegan y parecen ser felices. La acción de la película se sitúa en una especie de realidad alternativa, donde la ciencia y la medicina han conseguido enormes avances, las personas viven muchos años más y se pueden curar un gran número de enfermedades. Pero esta existencia idílica y de bienestar tiene un lado oscuro, y Kathy, Tommy, Ruth y sus compañeros forman parte de él. Sus vidas están programadas y el destino que les espera cuando dejen el colegio es bastante escalofriante. Nunca me abandones (Never let me go), no es una película de acción ni terror, ni siquiera es una cinta de ciencia ficción propiamente dicha. De ciencia ficción sólo tiene el argumento, porque en realidad es un drama romántico. Su director, Mark Romanek, realizó en 2002 Retratos de una obsesión, film que tenía el aliciente de mostrar a Robin Williams en un personaje inquietante, solitario y taciturno, muy distinto de los papeles cómicos de cine familiar en los que estábamos acostumbrados a verle. Nunca me abandones está basada en una novela de Kazuo Ishiguro, autor nacido en Japón, pero de nacionalidad británica, que también escribió Lo que queda del día, aquella melancólica y sensible historia de un mayordomo y un ama de llaves en una mansión en los años 30, interpretados por Anthony Hopkins y Emma Thompson en la maravillosa película de 1993. Los dos films (y supongo que las novelas también) comparten un estilo poético y sutil, un ritmo tranquilo y pausado, y una historia de amor frustrada como eje principal del argumento. Además, en sus personajes domina la melancolía y la resignación.

Los tres jóvenes crecen entre la desesperanza del futuro que les aguarda, la aceptación de la función que les ha tocado desempeñar en la sociedad, y los vaivenes de un triángulo amoroso difícil (como todos los triángulos amorosos) que pone a prueba su amistad a lo largo de los años. La nostalgia y la belleza envuelven todas las escenas, apoyadas por una música y una fotografía de un romanticismo clásico. Desde el típico internado inglés de su infancia hasta su juventud en un entorno de libertad vigilada y estética setentera, entre campiñas y ciudades costeras, vemos la evolución de los protagonistas, interpretados, en su edad joven y adulta, por Carey Mulligan, Andrew Garfield y Keira Knightley. Carey Mulligan está muy bien en su papel, muy alejado de la imagen de niña listilla que daba en An education, por la que fue nominada al oscar el año pasado. También está muy acertada la siempre delgadísima Keira Knightley (esta chica debería hacer una dieta a base de potajes), y muy creíble en un papel un pelín desquiciado. El que no me convence mucho es Andrew Garfield, que es un muchacho un poco desgarbado y con cara de buenazo, y no lo veo yo como objeto de enamoramiento de dos chicas tan monas, aunque claro, en las circunstancias de ellos y viviendo en una realidad alternativa, todo es distinto. Bueno, pues me ha gustado mucho Nunca me abandones. Es una historia romántica, intimista y desoladora, con ritmo parsimonioso y contemplativo. No hay lucha, acción o huidas espectaculares. No es La isla, de Michael Bay (que también me gusta, aunque es todo lo contrario). Sí hay crítica social y reflexión sobre la manipulación de las mentes y los peligros de un mundo futuro donde la ciencia choca con la ética. Es una película que ha tenido poca distribución en nuestro país y que merece la pena buscar. Muy bonita.

Sucker punch: Las chicas son guerreras

2011-05-04T20:31:00.009+02:00

Estamos en los años 50. La madre de la joven Baby Doll acaba de morir, y su malvado padrastro, que quiere quedarse con la herencia, la ingresa en un psiquiátrico, donde, en el plazo de cinco días, le van a practicar una lobotomía. El psiquiátrico es un extraño lugar donde la terapia de los pacientes consiste en representar obras de teatro y números musicales en plan Moulin Rouge, y también parece ser una especie de burdel donde las internas ofrecen sus servicios a clientes importantes y adinerados, todo bajo la dirección de la doctora/madam Gorski. Allí Baby Doll conoce a cuatro chicas, Sweet Pea, su hermana Rocket, Blondie y Amber. Juntas preparan un plan para escapar del sanatorio mental, un plan que ha sido revelado a Baby Doll por un extraño hombre sabio que se le ha aparecido en una de sus ensoñaciones-fantasías-delirios, y que consiste en robar cinco objetos que van a ser la llave de su libertad. Al mismo tiempo, nuestra protagonista viaja con la imaginación a mundos de fantasía en los que ella y sus compañeras tienen que luchar contra samurais gigantes, zombies nazis, orcos como los de El señor de los anillos y robots futuristas asesinos.

Un argumento muy surrealista y delirante, ¿verdad? Pues eso es básicamente lo que ha construido Zack Snyder en Sucker punch: un delirio. La cinta tiene un arranque totalmente hipnótico, algo así como un corto con argumento de novela de Charles Dickens, pero rodado en plan videoclip y con una potente versión de Sweet dreams de Eurythmics, interpretada por una cantante que no sé quién es (me vais a perdonar, pero yo de música actual ni idea, desgraciadamente). Todo esto va evolucionando en una historia que resulta difícil de describir sin verla: pobres chicas atrapadas en el psiquiátrico-burdel-cabaret, con doctoras voluptuosas, enfermeros malignos y cocineros abusadores. La heroína se evade de esta terrorífica ¿realidad?, viajando a otras realidades alternativas y también terroríficas, donde luchará junto a sus amigas, en plan videojuego, contra enemigos monstruosos, con sofisticadas armas y en espectaculares escenas de acción, a ritmo de canciones no menos espectaculares, entre cuyos intérpretes sólo reconocí a la emblemática Björk. Esta es la quinta película de Zack Snyder y la primera que no es una adaptación de un comic, una novela o un remake, sino que está basada en un guión propio, coescrito con Steve Shibuya. Esto ha permitido al director crear un mundo propio con total libertad e imaginación, un mundo con universos paralelos, distintos niveles como en un videojuego, y multitud de referencias, lecturas y sub-lecturas. Vamos, que ha mezclado todo lo que se le ha ocurrido, y el resultado es una cinta bizarra, hipnótica y fascinante. Todo un espectáculo visual, con una electrizante banda sonora, escenas adrenalíticas y un argumento bastante simple, pero que se presta a miles de interpretaciones enrevesadas. A mí me ha encantado la peli. Zack Snyder ya dio muestras de su originalidad y buen hacer en las impresionantes Amanecer de los muertos y Watchmen, y sigue estando a la altura, en mi modesta opinión. Baby Doll, Sweet Pea, Rocket, Blondie y Amber están interpretadas, respectivamente, por Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Hudgens y Jamie Chung. Yo sólo conocía a Abbie Cornish, que parece una doble de Nicole Kidman, por la película Candy, una cinta de 2006 sobre los peligros de la droga en una pareja, formada por ella y el desaparecido Heath Ledger. También me suena Vanessa Hudgens porque es la prota de la saga preadolescente High School Musical. Todas están muy acertadas, monísimas y haciendo justo lo que se espera de ellas. La Doctora Madam Vera Gorski es Carla Gugino, y Oscar Isaac es Blue Jones, el enfermero corrupto y malísimo que parece manejar todo el cotarro, y que después de hacer de príncipe Juan sin Tierra en Robin Hood de Ridley Scott, parece que se ha encasillado en los papeles de villano chulesco, y se le da muy bien, la verdad. También sale Scott Glenn en plan David Carradine. Pues yo os recomiendo Sucker punch, un viaje delirante a mundos muy raros, donde la realidad tiene varias caras, y donde cada uno puede extraer su propia interpretación. Para liberar las neuronas.

MEME! Escenas para recordar

2011-04-14T21:35:00.013+02:00

Por fin, después de varios días de convalecencia por mi alergia-conjuntivitis ocular, estoy recuperada y he podido participar en el juego que me propuso T-800, de MEGGIDO. Me lo he pasado muy bien rellenando las categorías de mis escenas preferidas de todos los tiempos, y la verdad es que no me ha costado mucho trabajo, me ha salido casi del tirón. Espero que me perdonéis si no propongo el juego a más bloggeros, es que, como he llegado un poco tarde, creo que ya todos habéis participado, así que, lo único que haré es proponer a quien lea esto, que, si le apetece rellenar alguna categoría y no lo ha hecho, pues adelante. Pues nada, allá voy:

ESCENA MÁS GRACIOSA: La vida de Brian: El senador, o lo que fuera, que no me acuerdo, Pijus Magnificus, delante del centurión, repitiendo: “My name is Biggus Dickus” (en inglés es más gracioso), y el centurión aguantando la risa, hasta que ya no puede más y suelta la carcajada, se lo llevan detenido y no para de reírse. Mira que la he visto veces y nunca dejo de descojonarme…

ESCENA MÁS TRISTE: Campeón: Sé que a todos os parecerá muy pastelosa, y seguro que preferís la peli original de King Vidor, pero a mí se me pone un nudo en la garganta con el pequeño T.J. (impresionante actuación de Ricky Schroder), en la versión de Franco Zeffirelli, llorando a lágrima viva mientras su padre se está muriendo: “¡Campeón, no te mueras!”. Los pelos como escarpias. También me he acordado del final de Cowboy de medianoche, peliculón en el que repite John Voight de protagonista, junto al maravilloso Dustin Hoffman. Ya no digo más, no quiero poner más spoilers.

ESCENA MÁS ALEGRE: De nuevo La vida de Brian, mi comedia favorita. Todos cantando al final en la cruz: “Always look on the bright side of life….la la la la la la la la…” (bueno, silbando)… Toda una metáfora de optimismo.

ESCENA MÁS AGRIDULCE: El cazador: Los amigos reunidos por última vez antes de irse a la guerra de Vietnam, sentados, sin hablar y tocando el piano. Pocas veces he visto una escena que transmita tanto sin decir nada.

ESCENA MÁS RARA: Casi todas las escenas de Asesinos natos, película donde se cambia continuamente de acción real a dibujos, a escenas musicales, o imitando programas de tv (creo recordar), para contar, de forma enloquecida, la historia de los psicópatas Mickey y Mallory.

ESCENA MÁS PERTURBADORA: Las conversaciones entre los padres Merrin y Karras y el Diablo, a través de Regan poseída, en El exorcista (bueno, excepto “Mira lo que ha hecho la guarra de tu hija”). También, todas en las que aparece Hannibal Lecter en El silencio de los corderos.

ESCENA CON MÁS SUSPENSE: El silencio de los corderos: Clarice en esa habitación oscura, sin ver nada, asustadísima, y vemos que el psicópata Buffalo Bill está detrás de ella… ¡qué sustoooo!

ESCENA MÁS ATERRADORA: Muchas de El resplandor, pero me quedo con la de la mujer saliendo de la bañera… Después de verla, estuve años mirando la bañera de mi casa cada noche antes de acostarme (ya sé que estoy muy loca).

ESCENA MÁS ROMÁNTICA: Matrimonio de conveniencia: Georges y Brontë, al final de la peli, mirándose a través de los cristales de la cafetería, sin decir nada, hasta que salen y se encuentran… ¡qué bonito y qué triste!

MEJOR DIÁLOGO: Mejor imposible: Melvin y Carol en el restaurante. Carol le pide al irritante Melvin que le diga un cumplido pero ya, Melvin consigue decírselo y ella se queda fascinada. Esta película tiene frases geniales: “-¿¿Pero por qué no puedo tener un novio normal?? –¿Novio?”; “Entra y procura no fastidiarlo todo siendo tú mismo”, y la mejor: “La primera vez que entraste en el restaurante me pareciste atractivo, pero entonces… hablaste”.

MEJOR ESCENA SIN DIÁLOGOS: Uf, estoy entre la escena final de El último mohicano y la escena casi final de Ghost ship. La de cosas que pueden pasar y se pueden contar en una secuencia sin hablar, llena de acción y con una música muy adecuada de fondo.

MEJOR ESCENA DE PELEA: Espartaco: El combate a muerte entre Espartaco y Antonino, no por el combate en sí, sino por lo que representa. Cada uno quiere matar al otro por amistad, para que no sea crucificado. “-¿Sabes lo que se tarda en morir en la cruz? -¡No me importa!”; “¡No dejaré que te crucifiquen!”. Sublime.

MEJOR ESCENA MUSICAL: Más que musical, es de baile, pero… Footloose. Ren enseña a bailar a su amigo Willard mientras suena de fondo “Let’s hear it for the boy”, de Deniece Williams. Me dan ganas de salir corriendo y dedicarme al baile. Jaja, se nota en qué época era yo adolescente, ¿no?

MEJOR ESCENA DE BAILE: Lo siento, pero sigo con la nostalgia pastelosa-ochentera. El baile final de Flashdance (“What a feeling”), y el baile final de Dirty dancing (“The time of my life”).

MEJOR DISCURSO: Es más bien un monólogo, pero… Una de las parrafadas que suelta Matt Damon (no me acuerdo en qué momento de la película) en El indomable Will Hunting. Sólo por eso se entiende que le dieran, a él y a su colega Ben Affleck, el oscar al mejor guión original.

MEJOR COMIENZO: El de Ghost ship, demoledor. Yo decía: “Si la peli ha empezado así, ¿cómo será el resto?” Y la verdad es que a mí no me defraudó.

MEJOR MUERTE: Quo vadis: El suicidio de Petronio, junto a su esclava y amante Eunice, presenciado por sus amigos, mientras dicta una carta final (y genial) a Nerón (y la cara que pone Nerón cuando la lee, no tiene precio)…

MEJOR CLIMAX: Carrie en la fiesta de graduación, feliz recibiendo junto a Tommy el premio de Reyes del Baile, mientras la mala malísima Chris prepara su macabra broma y Sue se da cuenta e intenta advertir a los profesores. Tres escenas paralelas seguidas del auténtico climax de la peli: la venganza de Carrie. Prodigio de Brian de Palma.

MEJOR FINAL: El de Seven. El resto de la peli no me gusta nada, I’m sorry, pero el final creo que es de los mejores y más adrenalíticos de la historia del cine (bueno, y toda la parte desde que aparece el maravilloso Kevin Spacey también es muy buena).

ESCENA QUE JAMÁS DEBIÓ SER FILMADA: No sé, la del ojo cortado en Un perro andaluz (ya sabéis que no me va lo gore, la verdad es que no he sido capaz de ver la escena, pero sólo la idea)… uf, me estoy mareando…

MEJOR ESCENA DE LA HISTORIA: Pues, para terminar con algo bonito y emotivo: no sé si es la mejor escena, pero a mí me encanta: Qué bello es vivir: El happy end por excelencia: George feliz con su familia, los vecinos han reunido el dinero, todo está arreglado, es Navidad, campanitas y el ángel que consigue sus alas… Con la de veces que la he visto y siempre se me saltan las lágrimas…

THE END. Gracias a T-800 por incluirme en el juego, y hasta pronto, amigos.

P.S.: A petición de mi madre, que es cinéfila como yo, voy a comentar otra escena más como MEJOR FINAL (si no habéis visto la peli, cuidadín, que esto es un SPOILER como una casa): Las amistades peligrosas: La Marquesa de Merteuil ha sido humillada en público. Sus amigos de la nobleza se han enterado de todas sus maldades y la han abucheado en la ópera. Ahora se verá relegada y excluida de los círculos sociales que acostumbraba a frecuentar. Es el peor castigo que puede sufrir una persona como ella, que vive de la imagen y las apariencias. Sentada frente al espejo, se quita el maquillaje con gesto de rabia e impotencia, y una lágrima resbala por su mejilla. Nada de música ni palabras en esta demoledora escena final. Sublime actuación de Glenn Close.

Valor de ley(1969) / Valor de ley (2010): Western de aventuras / Western crepuscular

2011-04-05T01:18:00.007+02:00

Estamos en la época del Lejano Oeste. Frank Ross, un comerciante de algodón, ha sido asesinado por Tom Chaney, un empleado suyo, que ha huido tras dispararle. Su hija, Mattie, contrata a Rooster Cogburn, un sheriff viejo, tuerto y alcohólico, una joyita, vamos, pero con mucho valor y mejor puntería, para que capture a Chaney y lo lleve ante la justicia. Mattie Ross sólo tiene 16 años (versión antigua) / 14 años (versión moderna), pero está decidida a llegar hasta el final. Se ha empeñado en acompañar a Cogburn en la búsqueda del criminal y no hay Dios capaz de impedírselo. También les acompaña LaBoeuf, un ranger de Texas que persigue al fugitivo por el asesinato de un senador. Los tres se adentrarán en territorio salvaje (indio) y se encontrarán con todo tipo de peligros y bandoleros.

Esta historia se cuenta en las dos versiones de Valor de ley (True grit), basadas en una novela de Charles Portis, publicada en 1968. La versión de 1969, dirigida por Henry Hathaway, tiene nada menos que a John Wayne como Rooster Cogburn, papel que repetiría 6 años después, en una especie de secuela, El rifle y la Biblia, acompañado de Katharine Hepburn. Mattie Ross es Kim Darby, y LaBoeuf es Glen Campbell, actores que no conozco de nada, la verdad (Glen Campbell por lo visto fue un famoso cantante country en los 60 y 70). Tom Chaney es Jeff Corey, que tampoco sé quién es, pero en la peli también salen los emblemáticos Robert Duvall y Dennis Hopper, que en esa época no eran muy conocidos. En la versión de 2010, dirigida por los hermanos Coen, tenemos a otro monstruo de la actuación, Jeff Bridges, en el papel del viejo sheriff tuerto. Mattie Ross es la jovencita Hailee Steinfeld, recién llegada de los cortometrajes y la tv, LaBoeuf es el ya polifacético Matt Damon, y Tom Chaney es Josh Brolin, fogueado en papeles de oscuro villano. Las dos películas, en su forma, son muy parecidas, con diálogos y situaciones idénticos, supongo que será porque las dos versiones adaptan fielmente la novela. En su espíritu son algo distintas. La antigua tiene la esencia del cine de aventuras, de las películas del oeste que veíamos en la tv de pequeños, con aires de comedia en la relación entre los tres protagonistas. Rooster Cogburn es el arquetipo de antihéroe con pasado erróneo y no precisamente un modelo de virtudes, pero destinado a resolverlo todo. Mattie Ross, heroína adolescente, cabezota e ingobernable, me recuerda, por el look, a la Jo March de Mujercitas después de cortarse el pelo. LaBoeuf, encarnado por un Glen Campbell que se parece a John Voight en Cowboy de medianoche, también es un personaje peculiar: tejano, que creo que en las películas americanas equivale a “paleto”, charlatán y recto agente de la ley. Henry Hathaway realizó más de 60 películas entre los años 30 y los 60, muchas de ellas en el género del western, pero también en el bélico, de aventuras, cine negro y melodramas. Su True grit es puro cine épico.

La versión moderna, dirigida por los hermanos Joel y Ethan Coen, es un típico western crepuscular. Las praderas luminosas de la peli antigua se sustituyen aquí por bosques tenebrosos y parajes oscuros. El humor, como es habitual en las películas de los Coen, es bastante cínico y negro, y la violencia es algo cruda y explícita. También hay un trasfondo amargo y no te deja tan buen rollito como la versión antigua. El cine de los dos hermanos tiene unas características muy definidas e inconfundibles: además de la violencia y el humor retorcido, los personajes suelen ser perdedores, antihéroes y muy excéntricos, vamos, que a veces parece que están en el límite de la cordura. A menudo hay homenajes al cine negro y ambientaciones en lugares de la América profunda y en caminos desolados. Todos estos elementos están en esta moderna Valor de ley. Jeff Bridges, siempre genial, vuelve a encarnar una de las múltiples variantes de su personaje en El gran Lebowski (casualmente, también de los Coen). Matt Damon hace tiempo que dejó de ser el chico bueno de Hollywood, menos mal. La jovencita Hailee Steinfeld está fantástica en el rol de una Mattie un poco más joven que la Mattie Ross clásica, con sus trenzas en plan Laura Ingalls, una especie de Dorothy en el País de Oz del Salvaje Oeste. Los hermanos Coen son ya un referente en el cine independiente americano, cosechando tanto éxito con la crítica como con el público. A mí no todos sus films me gustan, pero True grit me ha hecho reconciliarme con su obra. Puro homenaje al género del western, pero con el sello propio de estos realizadores, con su verborrea típica, sus guiños a la comedia negra y sus personajes inclasificables.

Me han gustado mucho las dos cintas (y eso que no soy nada fan del western), pero creo que me inclino algo más por la versión moderna, tal vez por estas características que he nombrado, que la hacen reconocible y a la vez diferente. ¿Y a vosotros qué versión os gusta más?

Las seis esposas de Enrique VIII: Amor, poder, y terror en la corte

2011-03-06T21:29:00.008+01:00

Inglaterra, 1509. Enrique VIII es coronado tras la muerte de su padre, el rey Enrique VII. Antes se había casado con Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos de España y cuñada de él, porque era la esposa de su hermano mayor, Arturo, heredero al trono y fallecido 8 años antes a consecuencia de unas fiebres. En el momento de la boda, Enrique tenía 18 años y Catalina 24. Catalina fue la primera de las esposas de Enrique VIII, quien a lo largo de su reinado de 38 años se casó 6 veces, cambió a todo el país de religión, mandó ejecutar a media corte (es un decir, pero sí se llevó por delante a muchos de sus allegados, entre ellos a dos de sus esposas), y en definitiva, provocó importantes cambios a nivel político y religioso, marcando uno de los periodos más convulsos y fascinantes en la historia de Inglaterra y de Europa. Enrique anhelaba tener un heredero varón, pero todos los niños que daba a luz Catalina nacían muertos, morían al poco de nacer, o ni siquiera nacían. La única hija que sobrevivió fue María, la futura María Tudor. Enrique VIII, después de tener varias amantes, se encaprichó de una de las jóvenes de la corte, Ana Bolena, y como el Papa Clemente VII no quería anular su matrimonio con Catalina, decidió anularlo por su cuenta. Fue entonces cuando creó la Iglesia Anglicana, separando a su nación de la religión católica y del poder de Roma. En 1533 se divorció de Catalina, la mandó a un castillo lejos de allí y se casó con Ana Bolena. Ese mismo año nació su hija Isabel (la futura Elizabeth I que fue la que finalmente reinó durante 44 años), pero después Ana no tenía más que abortos y bebés muertos. Así que Enrique, que seguía obsesionado con lo del heredero varón, y ayudado por los intrigantes de su corte, terminó acusándola de adulterio múltiple, traición, brujería, y hasta incesto con su hermano Jorge Bolena, vamos, todo lo que se le ocurrió para quitarla de en medio. Se ha demostrado que todos los cargos eran falsos, pero de poco le sirvió a la pobre Ana, que fue condenada y decapitada en 1536. Enrique, que no paraba, ya se había fijado en otra dama de la corte, Jane Seymour, con la que se casó pocos días después de haber ejecutado a su segunda cónyuge. La tercera mujer de Enrique VIII fue la que le dio por fin un heredero varón, el príncipe Eduardo, que nació en 1537. Fue siempre un niño de frágil salud y murió con sólo 16 años, pero por lo menos le dio tiempo a reinar durante 6 años, tras la muerte de su padre, siendo sucedido por su hermanastra María Tudor. Jane murió dos semanas después de nacer su hijo; fue la esposa a la que más quiso Enrique VIII, ya que le dio su ansiado heredero (además, como murió pronto, tampoco le dio tiempo a cansarse de ella). En 1540, Enrique volvió a casarse, esta vez con Ana de Cleves, una noble alemana. Fue un matrimonio de conveniencia para intentar aliar a Inglaterra con los protestantes alemanes. A Enrique su esposa no le parecía nada atractiva físicamente, y este motivo, unido a la nueva alianza del rey con el emperador Carlos V, hizo que esta unión durara sólo 7 meses. Enrique anuló el matrimonio, Ana, que tenía mucho sentido común, no puso inconveniente, le dieron un montón de títulos nobiliarios y posesiones, y quedaron tan amigos. Vamos, que se libró de una buena, porque a Thomas Cromwell, que había impulsado este matrimonio, sí que lo condenaron a muerte. En 1540, el mismo día de la ejecución de Cromwell (el bueno de Enrique no tenía muchos escrúpulos para estas cosas), el monarca se casó con su quinta esposa, Catalina Howard, que era mucho más joven que él. Enrique ya era viejo, gordo, con gota y úlcera, así que la pobre Catalina se tuvo que buscar otros entretenimientos fuera del matrimonio y se echó un amante, el cortesano Thomas Culpeper. Cuando se descubrió esto y que Catalina había tenido otro amante antes de casarse, Francis Derham, los tres fueron ejecutados. En 1543, Enrique ya estaba fatal de salud, pero de todas formas se casó con su última esposa, Catalina Parr, una viuda rica. A ésta le fue bastante bien, porque el rey murió antes que ella. Aún así, estuvo a punto de llevarla también a la Torre de Londres por atreverse a discutir de religión con su esposo (Catalina era calvinista). Sin embargo, la perdonó y fueron razonablemente felices hasta la muerte del rey; ella incluso logró reconciliarle con sus hijas María e Isabel, a las que había mandado lejos, a otros palacios, y declarado ilegítimas, renegado de ellas, y yo que sé cuántas cosas más.

Todo este culebrón se cuenta, y muy bien contado, en Las seis esposas de Enrique VIII (The six wives of Henry VIII), miniserie producida por la BBC en 1970. La serie tiene 6 episodios, correspondientes a cada uno de los matrimonios. En la producción se nota la calidad y el rigor histórico con que se narran los acontecimientos: se nota que se han documentado bien. La recreación de la época, los escenarios, la caracterización de los personajes, son muy acertados. Algunos personajes, como Jane Seymour, Cromwell, y sobre todo el arzobispo Thomas Cranmer, son clavados a los que aparecen en los cuadros de la época. Vamos, que viéndola te transportas al siglo XVI, excepto quizás por la forma de decir los diálogos, que me parece demasiado solemne, muy de teatro clásico. Especialmente emocionantes y dramáticos son los capítulos de Jane Seymour, Catalina Howard y Ana Bolena; estos dos últimos tienen, además, unas escenas de torturas a prisioneros bastante espeluznantes. Los actores no son conocidos, yo por lo menos no los conozco de nada, pero desde luego están todos fantásticos; destaco a Keith Mitchell como el omnipresente Enrique VIII, impresionante sobre todo en los últimos capítulos, con ese maquillaje de rey viejo y enfermo, y ese aire entre amenazador y grotesco. No voy a comparar esta serie con otras adaptaciones que se han hecho sobre el tema porque todas las que he visto me han gustado (sí, también me gusta Los Tudor, aunque hayan puesto al modelo de pasarela de Jonathan Rhys Meyers para hacer de Enrique VIII). Total, que merece la pena rescatar esta serie, todo un clásico, para contemplar una historia real llena de intrigas palaciegas y de alcoba, chanchullos políticos y persecuciones religiosas, donde había que moverse con inteligencia para no acabar en la hoguera, en el potro o sin cabeza, y donde los destinos de los personajes estaban gobernados por un rey caprichoso, una especie de Barba Azul al que sus súbditos y sus mujeres, sin embargo, mostraban gran devoción, incluso cuando estaba a punto de matarlos, y es que en aquella época, el Rey estaba justo por debajo de Dios, y la religión se usaba para dominar a la gente. Tremendo.

The walking dead: Reflexionando entre zombies

2011-02-14T17:38:00.005+01:00

Hacía mucho que no hacía ninguna crítica de una serie de tv, así que ya iba siendo hora, que la tele también me encanta. Me he decidido por The walking dead, una serie de la cual hemos visto recientemente su primera temporada, compuesta por 6 episodios, y pronto veremos la segunda (espero), compuesta por 13. El argumento nos muestra a la humanidad devastada por un apocalipsis zombie, un tema que está muy de moda y que en los últimos años hemos visto en múltiples variantes. Gran parte de la humanidad se ha visto afectada por una extraña y peligrosísima enfermedad que convierte a las personas en seres feroces e incontrolables deseando comerse a los humanos que todavía están sanos. No se sabe de dónde proviene el virus, pero es terriblemente contagioso. Si un infectado muerde a una persona, y no logra comérselo, le transmite una fiebre que le mata, pero poco después resucita convertido en otro infectado/zombie. Y entonces lo único que se puede hacer es acabar con los zombies disparándoles o golpeándoles en la cabeza. Lo de siempre, vamos. La premisa argumental no es nada nuevo. Tampoco lo es la presentación del personaje principal, Rick Grimes, un ayudante del sheriff de un pueblo de Georgia que ha estado en el hospital, en coma, debido a un tiroteo, desde antes de empezar la plaga, y cuando se despierta, se encuentra con todo este caos sin saber lo que ocurre. Este comienzo está directamente inspirado en 28 días después, obra maestra, en mi opinión, de Danny Boyle, que inauguró, en 2002, la nueva era del cine de muertos vivientes (aunque en esa peli creo recordar que no estaban muertos, sino infectados por una terrible enfermedad). Bueno, eso son detallitos sin importancia. El caso es que la originalidad, dentro de lo que cabe, de esta serie, se encuentra en el tratamiento y psicología de los personajes. En los distintos episodios vemos cómo los protagonistas intentan organizarse para sobrevivir en este mundo devastado y apocalíptico. La evolución y relaciones entre los personajes tienen tanta importancia como las escenas de acción y gore, que también las hay.

Cuando Rick despierta del coma y se entera por fin de lo que ha pasado, decide ir a buscar a su mujer y su hijo, que han huído hacia otro lugar. A través de mensajes de radio, contacta con otros grupos de supervivientes y encuentra por fin a su familia. Y aquí nos encontramos con un triángulo amoroso, porque su mujer, Lori, mientras él estaba en coma, y creyendo que había muerto, se había liado con Shane Walsh, otro policía amigo suyo (de Rick), aunque Rick, habiendo terminado la primera temporada de la serie, todavía no se ha enterado. Este elemento de culebrón contribuye a reforzar la trama psicológica de los personajes y es un alivio entre las escenas de lucha y casquería (un alivio, o una molestia, para muchos espectadores; a mí personalmente me parece muy bien). Cada capítulo de la serie tiene un director distinto; el episodio piloto, considerado por muchos el mejor, aunque a mí me parecen todos igual de buenos, lo dirige Frank Darabont, realizador conocido por todos, sobre todo por adaptar, con gran maestría, novelas y relatos de Stephen King (Cadena perpetua, La milla verde, La niebla...). Los actores son medio populares. Yo al que más conozco es a Andrew Lincoln, que interpreta a Rick, porque era también protagonista de Las voces de los muertos, fantástica serie británica sobre una médium atormentada, y que en España pasó un poco desapercibida, por desgracia. Los otros dos vértices del triángulo amoroso, Lori y Shane, son Sarah Wayne Callies y Jon Bernthal, actores que no conozco de nada. También tenemos a varios intérpretes que aparecían en La niebla, peliculón de Frank Darabont: Laurie Holden, Jeffrey DeMunn y Melissa Suzanne McBride. Esta serie ha tenido bastante éxito en USA y aquí en España, aunque siempre hay voces discordantes; por una vez, yo no formo parte de ellas y estoy con la mayoría (con la mayoría del público que le gustan estas cosas de zombies, claro). Me ha encantado The walking dead, creo que tiene un guión emocionante e inteligente y una trama que combina acción, terror apocalíptico y drama psicológico, y estoy deseando ver la segunda temporada.

Revolutionary Road: Que levante la mano quien sea feliz

2011-02-01T20:39:00.006+01:00

Frank y April Wheeler son un joven matrimonio de clase media que viven en una bonita casa en los suburbios de Connecticut. Su vida es estable y aparentemente feliz; guapos, inteligentes y maravillosos, tienen dos niños, Jennifer y Michael, Frank trabaja en una empresa como vendedor, y de vez en cuando quedan con sus amigos, Shep y Milly Campbell. Cuando se conocieron, hace 7 años, se enamoraron y se casaron enseguida. Tenían muchos sueños y muchas cosas en común; April estaba estudiando para ser actriz y Frank quería viajar y ver mundo. Los dos sabían que no querían vivir en la rutina ni ser como la mayoría de la gente: necesitaban hacer algo especial. Ahora su vida se ha convertido justo en lo contrario de lo que deseaban. A April le ahoga su monótona existencia de ama de casa (es que estamos en los años 50, cuando una mujer sólo podía trabajar de secretaria, enfermera, maestra y poco más, y sólo si estaba soltera, porque en cuanto se casaba y empezaba a tener hijos, olvídate, y eso era así incluso en los progresistas y adelantados USA). Frank, por su parte, se aburre con su gris y anodino empleo, aunque su jefe le ha propuesto un ascenso y un gran aumento de sueldo, y eso empieza a tentarle. Un día, April sugiere a Frank un cambio radical en sus vidas: dejarlo todo e irse con sus niños a París, ciudad donde siempre han querido vivir, y donde ella puede trabajar de secretaria en la Embajada.

Revolutionary Road es una película de 2008 dirigida por Sam Mendes, director británico, tanto de cine como de teatro, y que en su ópera prima para la gran pantalla, la aclamada American Beauty, estrenada en 1999, ya proponía un golpe al sueño americano a través de las desventuras de una familia de clase media, en especial del incomprendido padre y marido, interpretado por el maravilloso Kevin Spacey. Basada en una novela de Richard Yates, Revolutionary Road es el reverso oscuro de Mi desconfiada esposa, la anterior película que comenté en este blog. Ambas representan la cara y la cruz de los problemas de pareja en el cine: una es una comedia amable, donde triunfa el amor, y la otra es un tremendo drama psicológico sin concesiones, donde hay amor, pero también grandes diferencias insalvables entre los dos miembros del matrimonio. Los protagonistas son Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, que están los dos absolutamente fantásticos, 11 años después de interpretar el super-romance de Titanic. Leo DiCaprio está impresionante en el papel de Frank, marido enamorado, pero también ambicioso, insatisfecho e incapaz de entender a su mujer. Kate Winslet (por cierto, mujer, o ex-mujer, del director de la peli), está, como siempre, magnífica, en la piel de April, esposa, madre, con inquietudes, frustrada, depresiva y profundamente infeliz. Ganó un globo de oro por este papel. También sale Kathy Bates (que también aparecía en Titanic), en el papel de Helen Givings, agente inmobiliaria, una mujer aparentemente independiente y que lleva las riendas de su vida y de su matrimonio, pero con sus propias desdichas y limitaciones. Uno de los papeles más impactantes es el de John Givings, el hijo de Helen, interpretado magistralmente por Michael Shannon; personaje mentalmente inestable, recién salido del psiquiátrico, pero con la lucidez y la sinceridad que sólo los locos tienen a veces. Revolutionary Road es una película dura, desencantada y tremendamente sincera, que te hace reflexionar (y deprimirte bastante), que te pone delante la realidad sin tapujos y que te puede dejar muy mal rollito y un amargo sabor, pero también es una cinta de gran calidad, muy recomendable de ver, y con un par de escenas que te ponen los pelos de punta. ¿Qué habría pasado si el Jack de Titanic hubiese sobrevivido y se hubiera casado con su amada Rose y hubiesen pasado años juntos? La respuesta, salvando las distancias de las distintas épocas, claro, tal vez sea Revolutionary Road.

Mi desconfiada esposa: Elegante comedia romántica

2011-01-22T20:40:00.003+01:00

En un viaje a California, se conocen Mike Hagen, un audaz y algo golfo periodista deportivo, y Marilla Brown, una elegante y exitosa diseñadora de moda. Tras un romance relámpago de varios días, deciden casarse antes de volver a Nueva York, donde ambos residen y trabajan. Pronto empiezan a surgir las diferencias entre ellos, debido a que pertenecen a dos mundos muy distintos. A Mike le cuesta aceptar que su mujer tenga tanto dinero y viva en un lujoso apartamento que es una especie de mansión. Tampoco entiende por qué se tiene que cambiar de vestido 9 veces al día. A Marilla le horrorizó el cuchitril desordenado en el que vivía Mike, y casi se desmaya cuando acude con su marido a un combate de boxeo y éste le explica por qué los espectadores de las primeras filas se ponen los periódicos delante de la cara. Tampoco congenia mucho cada uno con los amigos del otro. A Mike le pone de los nervios Randy Owens, ese bailarín excéntrico y algo afeminado, y odia a Zachary Wilde, editor y antiguo pretendiente de Marilla (aunque le cayó muy bien hasta que se enteró de que era el antiguo pretendiente de su esposa). A Marilla le repele un poco Maxie Stultz, un boxeador en decadencia, bastante “sonado”, al que ella llama “el hombre sin nariz”. Encima, sospecha que su marido tuvo un romance, antes de conocerla a ella, con Lori Shannon, una bailarina y modelo de alta costura, aunque ambos afirman no haberse visto nunca. Marilla ahora tiene que trabajar con ella y teme que pueda volver a tener contacto con su esposo.

Todo esto suena un poco ingenuo y naif, pero es que estamos en una comedia romántica de 1957, Mi desconfiada esposa (Designing woman), de Vincente Minnelli, director que estuvo en activo desde los años 40 hasta los 70, marido de Judy Garland y padre de Liza Minnelli, conocido sobre todo por sus musicales (Cita en St. Louis, Un americano en París, Brigadoon,...), pero también por sus excelentes dramas (Cautivos del mal, El loco del pelo rojo, Té y simpatía,...), y que también dirigió la multioscarizada Gigi. Los protagonistas de Mi desconfiada esposa son una pareja de auténtico lujo: Gregory Peck y Lauren Bacall. Gregory Peck, fantástico, guapo y carismático, como siempre, borda su rol de galán desastroso acostumbrado a los trapicheos. Tal vez es un actor demasiado elegante para ese papel (me imagino a Walter Matthau, estaría genial, aunque no da el tipo de galán precisamente). Pero, al ser tan versátil para la comedia como para el drama, está francamente divertido en varias escenas. Lauren Bacall, guapa, sofisticada y glamourosa, resulta perfecta en un personaje a su medida. Los actores secundarios también son excelentes. He leído muchos comentarios elogiando a Mickey Shaugnessy, que interpreta a Maxie, el boxeador zumbado, un personaje genial, primitivo, con pocas neuronas, entrañable y muy cómico. Yo también destacaría a Jack Cole, en el papel de Randy, el bailarín excéntrico, amigo de Marilla. Suyas son algunas de las escenas más hilarantes de la película. Me llamó la atención sobre todo la secuencia en la que le enseña a Mike las fotos de su mujer y sus hijos para demostrarle que no es gay; una prueba del humor tan ingenuo y censurado de la época. Y es muy divertida la parte en la que se reúnen cada uno de los cónyuges con sus amigos en la casa, dos mundos opuestos que chocan dentro del mismo espacio. También hay que mencionar a Lori Shannon, la tercera en discordia, antiguo ligue de Mike, top model de la época, dama elegante y madurita, interpretada por Dolores Gray. Aquí todos los actores son más bien maduritos, pero da igual. Mi desconfiada esposa es una cinta de humor clásico y blanco, con glamour, diálogos chispeantes, peleas coreografiadas con gangsters de medio pelo, romanticismo y discusiones de pareja en plan screwball comedy. Una joyita para los amantes de las comedias de antes.

Tron Legacy: Atrapados en la red

2011-01-11T03:09:00.003+01:00

Sam Flynn es un joven rebelde, solitario y experto programador informático de 27 años. Su padre, Kevin Flynn, fundador de la empresa Encom, un imperio informático, era un genio y visionario en el campo de los ordenadores y afirmaba haber descubierto un sistema que podría revolucionar toda la sociedad a través de la tecnología, pero desapareció hace 20 años sin dejar rastro. Sam recibe la visita de Alan Bradley, el antiguo socio de su padre, que le cuenta que Kevin dejó un mensaje para su hijo en el despacho donde solía trabajar, en una antigua sala de juegos recreativos. Una vez allí, Sam, de una forma misteriosa, es absorbido por el sistema y queda atrapado en la red, en un extraño mundo digital, de arquitectura futurista, cuyos habitantes son programas informáticos y se entretienen haciendo prisioneros, que no me enteré muy bien de dónde los sacaban, y realizando con ellos carreras con motos y vehículos espaciales y combates a vida o muerte. En este peligroso universo cibernético, donde Sam parece ser el único humano (un “usuario”, como le llaman), nuestro protagonista tendrá que encontrar el modo de volver al mundo real, al otro lado del ordenador. Tron Legacy es la secuela de Tron, film de 1982, producido por la Disney, que, aunque en su época fue un fracaso financiero, con el tiempo se ha convertido en película de culto. En ella, Kevin, un joven hacker, era absorbido por un ordenador de los de aquella época y transportado dentro de un mundo dominado por un maléfico programa. La película mostraba ya un mundo virtual con avatares informáticos, luchas de gladiadores y carreras de motos en el ciberespacio, y los efectos especiales, muy avanzados en aquellos tiempos, hoy en día resultan primitivos y entrañables (es que era la época del spectrum, los juegos de marcianitos y los ordenadores aquellos que eran unos tochos de pantalla verde: la prehistoria, vamos). Todos estos elementos son también recreados en Tron Legacy y desarrollados con los avances de la tecnología actual, creando un complejo universo fascinante estéticamente, una ciudad futurista dentro del ordenador, con sus edificios, sus habitantes con forma humana, y su voz hablando por los altavoces. Me recordaba al mundo de La fuga de Logan (la voz omnipresente parecía que iba a anunciar el Carrusel de un momento a otro). Todo este mundo había sido diseñado por Kevin antes de quedar atrapado dentro de su propia creación. Tron Legacy, producida también por la Disney, es la primera cinta dirigida por Joseph Kosinski, que para 2012 prepara el film de ciencia ficción Oblivion. En su reparto brilla con luz propia el gran Jeff Bridges, que era Kevin en Tron, y en Tron Legacy tiene un doble papel: Kevin con unos cuantos añitos más, y, en una versión digitalmente rejuvenecida, Clu, el malo malísimo de la peli. Como Kevin está fantástico y autoparódico, en un rol mezcla de su personaje en Los hombres que miraban fijamente a las cabras y de Obi Wan Kenobi. Su hijo Sam, el héroe de la peli, es Garret Hedlund, actor que no conozco de nada, y que me resulta un poco insípido, aunque está bastante acertado con su expresión de protagonista anonadado que no entiende nada de lo que le está pasando. La heroína, Quorra, es la guapa Olivia Wilde, a quien podemos ver en House interpretando a Trece. También sale Bruce Boxleitner, que ya aparecía en Tron (bueno, es que era Tron), y al que conozco sobre todo por su papel de Luke Macahan en La conquista del Oeste, serie que animaba nuestras tardes de verano allá por 1984. Y mención especial para el maravilloso Michael Sheen, actor camaleónico y carismático como pocos, da igual que haga de Tony Blair, de líder de clan vampiríco o de licántropo, porque todo lo que hace lo borda. Aquí tiene un papel breve, pero en una de las mejores escenas y la más surrealista y delirante de la película. Yo creo que Tron Legacy es una buena secuela de Tron, con ambientación digital impresionante, y con un mensaje filosófico y místico, que supongo que no convencerá a nadie, pero que está muy acorde con estos tiempos de crisis existenciales.

Novio a la vista: Verano del 14

2010-12-19T14:00:00.002+01:00

A principios del siglo XX, en España, las familias adineradas se iban de veraneo a la playa con la intención de disfrutar de las vacaciones, alternar con otras familias de su misma condición social, cotillear y criticar, e intentar buscar buenos partidos para sus hijas casaderas. En 1914, en la playa de San Sebastián, la madre de Loli, una joven de 15 años, le pone un bonito vestido de “persona mayor” y la lleva a las fiestas de sociedad para intentar emparejarla con Fernando, un prometedor ingeniero. Pero Loli prefiere seguir jugando a los espías con su pandilla de todos los años, en especial con su amigo Enrique, un chico de su edad, también de buena familia, que tiene que estudiar para los exámenes de septiembre. Novio a la vista es una de las primeras y menos conocidas películas del gran Luis García Berlanga, uno de los realizadores más importantes e influyentes en la historia de nuestro cine, recientemente fallecido, como todos sabéis. Se estrenó en 1954, dos años después de la emblemática ¡Bienvenido, Míster Marshall!. El cine de Berlanga siempre ha retratado con gran ironía la sociedad española a lo largo de todo el siglo XX, con guiones llenos de ingenio (tuvo que sortear la censura franquista en muchas ocasiones) y humor negro, contando frecuentemente con la colaboración del hiperrealista Rafael Azcona, fallecido hace dos años. Sus películas suelen ser comedias corales y enloquecidas o tragicomedias costumbristas. A pesar de reconocer su gran calidad y su maestría en el manejo de la cámara y los diálogos, he de confesar que su estilo me agobia. Me marean sus escenas características con tanta gente hablando al mismo tiempo y saliendo y entrando de habitaciones, sin que aparentemente ocurra nada relevante. En realidad, por debajo de todo esto hay una sutil e inteligente crítica social, así que mi opinión es totalmente subjetiva y no hay que tenerla en cuenta para nada. Las únicas pelis de Berlanga que me gustan son ¡Bienvenido, Míster Marshall! (geniales José Isbert y Manolo Morán), y Novio a la vista (no, no me gusta El verdugo, y no he visto Plácido ni Calabuch), cintas en las que se aprecian todas las características de este director, pero no de una forma exagerada, y su humor en apariencia es bastante blanco e ingenuo, tal vez por eso me gustan, porque no me va mucho el humor negro. Novio a la vista presenta también una crítica a la sociedad española de principios del siglo pasado, a su puritanismo e hipocresía, en plan de comedia ingenua y en mi opinión bastante divertida. La fotografía, la ambientación y el carácter en cierto modo infantil e incluso ñoño del guión nos trasladan con gran acierto a la época que retrata. A mí me parecía estar viendo un film de los años 30, y no de 1954. Es como un viaje en el túnel del tiempo en clave cómica y burlesca. También hay escenas muy corales, con interpretaciones de grandes actores como Julia e Irene Caba Alba o José Luis López Vázquez. Son geniales los diálogos cómicos de los personajes adultos, como la crítica de las señoras a una bañista a la cual se le ven las rodillas o a un veraneante que se ha metido en el agua ¡antes de cumplir las 6 horas de digestión! (en mi época mis padres nos hacían guardar 2 horas de digestión y ya me parecía mucho, jajaja). Atención a la familia Peláez, genial también. La pareja de jóvenes protagonistas, Loli y Enrique, está interpretada por Josette Arno y Jorge Vico, que también están muy acertados, aunque se nota que su edad es mayor que la de sus personajes. Creo que Novio a la vista es una película a reivindicar, poco conocida dentro de la filmografía de un maestro, un viaje a otra época y un retrato nostálgico y melancólico de lo que constituye el paso de la infancia a la adolescencia, a una edad ambigua, los 15 años, aunque hoy en día esa transición en nuestros niños-jóvenes se produce mucho antes, creo yo. Pues eso, ved esta película si podéis, perdonadme por criticar a Berlanga, y no hagáis caso de mis opiniones, que ya sabéis que son muy raras.

Las vidas posibles de Mr. Nobody: Paradojas temporales

2010-12-13T17:46:00.003+01:00

En el año 2092, el mundo ha experimentado grandes revoluciones a nivel científico. Una de ellas es la regeneración celular (o algo así), que provoca que la gente siempre se mantenga joven y nadie pueda morir de vejez: es la casi inmortalidad. Sólo queda un hombre en todo el mundo que está a punto de morir de viejo: Nemo Nobody, que va a cumplir 118 años y pasa sus días en una clínica, donde es atendido por un psiquiatra para estudiarle e intentar ayudarle con sus lagunas de memoria. Un día, un periodista se cuela en su habitación con la intención de entrevistarle. Nemo empieza a contarle su vida, desde que nació, en 1975, pero no es una existencia normal y corriente, ya que se compone de varias vidas paralelas que han ido cambiando continuamente, según las decisiones que tomase en cada momento. Las vidas posibles de Mr. Nobody (Mr. Nobody), es el tercer largometraje del director belga Jaco Van Dormael, tras Totó el héroe (1991) y El octavo día (1996), bonita película sobre la amistad entre un ejecutivo estresado, interpretado por el gran Daniel Auteuil, y un hombre con síndrome de Down (inmenso Pascal Duquenne). El cine de Van Dormael está lleno de imágenes oníricas y realismo mágico. En Mr. Nobody esta ambientación fantástica está presente en todo el metraje, envolviendo nuestros sentidos y nuestro entendimiento (bueno, nuestro entendimiento más bien lo nubla, porque llega un momento que no te enteras de nada), con cambios continuos de lugar, tiempo y vida, historias que no sabemos si son reales, ficticias o soñadas, mucho romance y mucha ciencia ficción. Las decisiones que Nemo adopta ya desde pequeño, influirán en los distintos caminos que tomará su vida siendo adolescente y adulto, pero se nos presentan todos estos caminos, y no sabemos cuál es real, o si lo son todos. A lo largo de estas vidas paralelas le acompañan sus tres posibles parejas: la rebelde Anna, la atormentada Elise y la dulce Jeanne, interpretadas, respectivamente, por Diane Kruger, Sarah Polley y Linh Dan Pham (en su versión adulta, porque también aparecen de pequeñas y de adolescentes). Y Nemo en su versión adulta es el guapísimo Jared Leto, que además de guapo, es muy camaleónico, y que ha sido secundario en grandes producciones como Alejandro Magno o El señor de la guerra y prota en films más indie como Réquiem por un sueño o El asesinato de John Lennon, donde engordó 20 kilos por lo menos para interpretar al desquiciado Mark Chapman. El argumento de Las vidas posibles de Mr. Nobody, con tantos saltos y dimensiones, es una gran paranoia, pero a mí esas rarezas me encantan, así que me gustó mucho la peli, con su fotografía luminosa, sus escenas oníricas e hipnóticas, y su ambientación de una sociedad futura surrealista en plan Un mundo feliz. Hay viajes a Marte, expansión y contracción del tiempo y el Universo, ángeles en el limbo de los niños… fantasía y ciencia ficción en estado puro. Recomendada para los que les gustaron El efecto mariposa y Olvídate de mí.

Héroes: Aquel verano de los 80

2010-12-05T02:06:00.005+01:00

A veces, ves una película que sabes que no es especialmente buena, pero que te produce emociones, te hace soñar, y sales del cine con otra visión de la vida, pensando que has visto una obra maestra, aunque nadie la calificaría así, pero te da igual, la magia del cine te ha hecho, no sólo evadirte, sino que te ha removido algo por dentro. Eso me pasó hace 2 semanas cuando vi Héroes, una cinta española, concretamente catalana, yo diría que cien por cien catalana, ya que ha sido rodada en catalán y por aquí la hemos visto doblada al castellano. Su director es Pau Freixas, que realizó en 2004 Cámara oscura, thriller juvenil ambientado en un barco, con Silke y Unax Ugalde, y que la verdad es que me pareció muy aburrido. También es uno de los directores de Los misterios de Laura, serie de tv donde María Pujalte interpreta a la versión femenina-hispana del detective Colombo, y que nunca he tenido el gusto de ver. Con estos antecedentes del director, la verdad es que era un poco para echarse a temblar, menos mal que no sabía quién era antes de ver la peli (en realidad fui atraída por el trailer, como tantas veces). La acción comienza en una carretera por la que va conduciendo un ejecutivo estresado, que tiene que llegar a una reunión de trabajo, y no hace más que hablar por el móvil con su secretaria. Tras un incidente bastante cómico, se ve obligado a recoger a una chica que va andando tan tranquila con su mochila, y con ella tendrá que continuar el viaje por un tiempo, un viaje lleno de peripecias y contratiempos. Paralela a esta historia, sucede otra, sin nexo aparente entre las dos; es la historia de Xavi, un chico de 12 años que se va con su familia a pasar el verano, como acostumbran, a un pequeño pueblo en la costa de Cataluña. Allí vuelve a reunirse con sus amigos, su pandilla de las vacaciones. Es un verano de los 80, y los chicos van a participar en una carrera de vehículos, contra otras bandas del pueblo, para conseguir el trofeo más preciado: la cabaña que concede los deseos. Lo malo es que sólo son 4 en el grupo, y necesitan uno más para participar en la prueba. En torno a este argumento tan infantil se desarrolla una historia de amistad, problemas familiares, primeros amores, y nostalgia, mucha nostalgia ochentera. Hay referencias y guiños a películas juveniles de aquel tiempo como Los goonies, Cuenta conmigo, ET, y también se inspira mucho en Verano azul, esa serie que a todos nos encantaba en mi época y que empezamos a odiar cuando nos dimos cuenta de que no paraban de reponerla en Tve. En la bso destacan las dos canciones más emblemáticas de Alphaville, Big in Japan y Forever young, que ya sé que es muy típica, pero que me hace flotar cada vez que la escucho. Los actores niños están todos fabulosos. Yo destaco a Marc Balaguer, que interpreta a Colo, un personaje absolutamente genial, cómico y carismático, y que además es clavado a Corey Feldman, uno de mis ídolos ochenteros. En el reparto hay nombres conocidos, como Emma Suárez, Lluís Homar, Nerea Camacho (a la que vimos sufrir tantísimo en Camino, y cuyo personaje recuerda a la Bea de Verano azul), y también están Eva Santolaria y Àlex Brendemühl (qué trabajito me ha costado escribir el nombre). Estos últimos interpretan a los dos viajeros de la historia que sucede en la actualidad. Es muy divertida la relación entre estos dos personajes, debido a sus caracteres opuestos y a la inevitable química que se desarrolla entre ellos. El guión está escrito por el propio Pau Freixas y por Albert Espinosa, guionista y dramaturgo especialista en retratar personajes con minusvalías físicas y psíquicas de una forma totalmente natural, sin hacer hincapié en sus discapacidades, y de hecho, hay un personaje con síndrome de down, Roth, que cumple estas características y que también está fantástico. La película tal vez no sea nada del otro mundo; tal vez sea sólo un film simpático, con protagonistas entrañables, y a ratos una historia bastante ñoña. Pero a mí me ha emocionado, me ha tocado la fibra sensible y me ha hecho soñar. Quizá es por la época que retrata, porque yo soy hija de los 80, y claro, la nostalgia siempre te puede. No sé muy bien por qué, pero me ha encantado esta cinta con estilo de film teen ochentero americano, con influencias de Verano azul, de road movie, y algunos giros en el guión. Para mí es toda una joyita inesperada en la cartelera.

Agnosia: Luces, sombras y desenfoques

2010-11-21T14:51:00.005+01:00

En la Barcelona industrial de finales del siglo XIX, un importante fabricante de lentes ópticas, llamado Prats, ha inventado un sistema que podría ser revolucionario para la industria del armamento, pero decide no usarlo por los peligros que conlleva. Su hija, Joana, tiene una extraña enfermedad llamada agnosia, que consiste en que su mente no interpreta bien la información visual y auditiva que recibe, así que, aunque ve y oye, la información le llega “distorsionada”. Unos conspiradores intentan aprovecharse de este trastorno, confundiendo los sentidos de la joven en un complot para averiguar el secreto del invento de su padre. Agnosia, como Los ojos de Julia, la última peli que comenté, es el segundo trabajo de su director; en este caso el realizador es Eugenio Mira, cuya ópera prima, The birthday, estrenada en 2004, es toda una rareza dentro del cine español. Es una mezcla de comedia y film de terror surrealista, con reparto casi enteramente anglosajón o americano, y donde la acción sucede dentro de un hotel. Yo la vi en dvd, ni siquiera sé si en España llegó a los cines, y tampoco recuerdo que me gustara demasiado, pero sí que se sigue con curiosidad. Lo mejor es que el prota es el muy carismático Corey Feldman, vieja gloria del cine juvenil ochentero (Los goonies, Jóvenes ocultos)…, al que me alegré de volver a ver después de tanto tiempo. Volviendo a Agnosia, me he dado cuenta de que tiene más puntos en común con Los ojos de Julia: las dos son thrillers oscuros en los que la heroína es vigilada y perseguida y sufre lo suyo con su discapacidad visual-sensorial. Pero ahí termina el parecido, porque Agnosia no es tan claustrofóbica ni asfixiante como Los ojos de Julia. A pesar de ser un dramón de misterio gótico, me pareció bastante luminosa y romántica; supongo que es por la ambientación de época, por la protagonista, la maravillosa Bárbara Goenaga, que siempre hace de heroína frágil (su primera aparición en la película es totalmente de princesita Disney), y porque uno de los pilares del argumento es el triángulo amoroso entre la joven heredera, su prometido y un criado recién llegado a la mansión. El prometido de Joana, Carles, está interpretado por Eduardo Noriega, uno de los actores más odiados del cine español, aunque a mí me parece muy creíble y convincente en sus papeles, pero mis opiniones son muy raras, como ya sabéis. Vicente, el joven sirviente y punto de discordia en la trama amorosa, es Félix Gómez, actor que me encanta desde que lo vi hace unos 10 años en el culebrón juvenil Al salir de clase. A mí me gustó bastante la peli, aunque no sé si recomendárosla porque al parecer no le ha gustado a nadie. Se nota su factura televisiva (está producida por Tele 5), pero a mí eso no me importa; pasé un buen rato de evasión en una Barcelona decimonónica y oscura, con malos que conspiran en la sombra y amores ocultos. Eso sí, no sé si está muy bien reflejado el trastorno de la agnosia. Hay un documental muy interesante de 2006, Más allá del espejo, de Joaquín Jordá, que habla sobre esta enfermedad, entrevistando a personas que la padecen, pero yo sigo sin entenderlo muy bien.

Los ojos de Julia: Adentrándose en la oscuridad

2010-11-13T19:15:00.002+01:00

Julia presiente que algo malo le ha ocurrido a Sara, su hermana gemela. Hace seis meses que no habla con ella, pero decide viajar hasta su casa, acompañada por Isaac, su marido, para ver cómo se encuentra. Cuando llegan allí, descubren que Sara se ha ahorcado. Sara tenía una enfermedad degenerativa que la había dejado ciega, y había sido operada, pero al parecer la operación había salido mal y no había podido recuperar la vista. Tal vez por eso se suicidó. Pero Julia no cree que su hermana se suicidara, piensa que la han asesinado, así que se pone a investigar para averiguar la verdad. Lo malo es que Julia tiene la misma enfermedad que Sara, y también está perdiendo la visión. Y mientras intenta averiguar qué le pasó a su hermana, se va adentrando literalmente en un mundo de sombras… Los ojos de Julia, película producida por Guillermo del Toro, es la segunda obra de Guillem Morales, director que en 2005 sorprendió con su ópera prima, El habitante incierto, en círculos más o menos alternativos, que la consideraron una obra innovadora e inquietante. A mí me pareció un plomo absurdo. El protagonista es un hombre al que un día se le cuela alguien en la casa, y tiene la impresión de que se ha quedado viviendo dentro, pero no puede encontrarlo. Después, él hace lo mismo con la casa de los vecinos, se cuela dentro y se queda allí escondido, espiando, pero sin motivo ninguno, y así todo el tiempo (claro, es que son casas de dos plantas, en mi casa lo encontraría rápido…) Luego pasan más cosas, pero ni siquiera me acuerdo. Los entendidos dicen que es muy buena. Opino que Los ojos de Julia es mucho mejor, afortunadamente, y que Guillem Morales ha evolucionado bastante. Eso sí, te tiene que gustar Belén Rueda, porque está hecha para su total y absoluto lucimiento, en un papel muy habitual últimamente en ella: el de heroína doliente y sufridora. A mí no me vuelve loca Belén Rueda, pero me parece que lo hace bastante bien; en ocasiones está un poco sobreactuada, pero la verdad es que te la crees y llegas a pasar miedo y sufrir con ella. La película es bastante efectista, se apoya mucho en los sustos y abusa un poco de las escenas de tensión super-emocionantes. Creo que eso es un defecto del cine actual, sobre todo del cine español, lo he visto en series de tv recientes: todas las escenas no pueden ser super-emocionantes, a veces hay que bajar un poco el ritmo, porque si no, te acabas cansando de tanta adrenalina. Una de las mejores secuencias es la del momento en que Julia descubre a su hermana muerta, estás todo el tiempo en tensión aunque ya sabes lo que va a pasar. Hay otras escenas que, en mi opinión, son demasiado macabras; todo el mundo habla de la parte del vestuario femenino, pero yo creo que es demasiado de peli de terror sin venir mucho a cuento. Hay momentos de claro homenaje a El silencio de los corderos, y eso está muy bien, pero no cuando esos momentos se repiten unas cuantas veces. Por otro lado, el film tiene un arranque muy potente; te mantiene hipnotizado y con la intriga: ¿qué pasará?, ¿se quedará ciega Julia?, ¿quién la persigue?, ¿quién será el malo? Lo malo es que luego todo va decayendo, hasta convertirse en un thriller normal y corriente de… no puedo decir la palabra, sería un spoiler tremendo, qué pena. Nuestra heroína está secundada por muy buenos actores, como Lluís Homar, que interpreta a Isaac, su marido, y que está magnífico. Este hombre siempre hace totalmente creíbles sus papeles, da igual que haga de marido sufridor, de escritor melancólico, o de Papa histórico siniestro. También sale Julia Gutiérrez Caba, que interpreta a Soledad (nombre muy apropiado), vecina de Sara. Hay otros vecinos siniestros cuyas intervenciones parecen de película setentera de serie b. Y también un tal Pablo Derqui, que para mí es el más flojillo, no le veo ningún carisma. De todas formas, a pesar de sus altibajos, merece la pena ver este thriller claustrofóbico, agobiante, con aire de melancolía y soledad, pasarlo mal con Julia, y entrar en su mundo de tinieblas.

La cinta blanca: El pueblo de los niños siniestros

2010-10-30T18:42:00.003+02:00

En 1913, justo antes de que estalle la Primera Guerra Mundial, en un pequeño pueblo en el norte de Alemania, empiezan a ocurrir una serie de extraños accidentes a algunos de sus habitantes. Nadie sabe quién los ha podido provocar. La voz en off del Maestro del pueblo nos va contando toda la historia. La vida en esta comunidad se rige por una estricta educación basada en la doctrina luterana, propia del lugar y de la época. El que manda allí es el Barón, que vive con su mujer, hijos y criados, en su palacio, en torno al cual se estructura toda la vida del pueblo, en plan sociedad feudal. Otras personalidades importantes son el Administrador, el Médico y por supuesto el Pastor, o Reverendo, o como se diga, la autoridad moral del lugar. Los demás son campesinos en su mayoría, que viven bajo la sombra y la protección del Barón. En las familias, casi todas numerosas, claro, los niños son sometidos a una férrea disciplina, en especial en la familia del Pastor, en la que vemos a sus seis hijos sufriendo esta dura educación. A veces llevan una cinta blanca como recordatorio de la pureza y la obediencia que tienen que alcanzar, pero aquí no hay nada de pureza. Todo el tiempo se respira un ambiente de represión y violencia contenida. Ves a los niños andando en grupo por la calle, todos rubios y silenciosos, e inmediatamente te acuerdas de la peli El pueblo de los malditos o Los chicos del maíz. Son niños siniestros, y algunos están muy desquiciados, sobre todo los hijos del Pastor (no me extraña, con ese padre), y sobre todo la hija mayor, todo un ejemplo de niña diabólica. También vemos en las mujeres los efectos de esta sociedad represora, asfixiante y machista; todas vestidas de negro, con el pelo recogido y apariencia austera, excepto la Baronesa, que curiosamente es el personaje más libre, el que más puede decidir sobre su destino. La cinta blanca es una película de Michael Haneke, director austríaco, y fue nominada a los últimos oscars en la categoría de Película extranjera. Éste es el único motivo por el cual decidí verla, porque la verdad es que el cine de Michael Haneke no me atrae mucho. En sus films suele criticar el modo de vida de la sociedad actual, a través de personajes atormentados e insatisfechos, con un estilo crudo y seco, y con violencia, no explícita, pero muy desasosegante. Una de sus obras más conocidas es Funny games, de la que él mismo hizo el remake americano, y dicen que es tremendamente dura y agobiante, aunque no se muestre la violencia directamente. Hay muchos espectadores a los que les fascina este tipo de cine. A mí tanto sufrimiento no me mola, pero he de decir que me llevé una grata sorpresa con La cinta blanca. Me pareció una película muy buena, donde se muestran la represión, odio y venganza de una forma muy, muy sutil, a través de los diálogos y también de los silencios. Recuerda mucho al cine clásico nórdico (además está rodada en blanco y negro), siempre tan austero, minimalista y tenebroso. Hay todo tipo de maltratos y castigos físicos y psicológicos, y nunca los vemos, pero la violencia verbal es tremenda; yo me quedé sobrecogida con algunas de las frases que se dicen en determinados momentos. Los únicos personajes buenos y de mente sana son el Maestro y su prometida, la joven e inocente Eva. Su relación es como un soplo de aire fresco en medio de tanta corrupción oculta. Todos los demás son personas oscuras, débiles o con secretos inconfesables. Cuando salta la noticia de que ha empezado la Gran Guerra (la Primera Guerra Mundial), parece como si todos los pequeños dramas cotidianos hubieran explotado en un gran desastre mundial. Los críticos y espectadores dicen que esta película describe el germen del nazismo. A mí no me sugiere exactamente eso, sino más bien el odio reconcentrado producido por una forma de vida tan castradora que sólo podía conducir a una cadena de venganzas, y en la que todos, hasta los personajes más terribles, son también víctimas. Aunque no tengo intención de ver el resto de la obra de Michael Haneke, sí que os recomiendo esta peli, ya que es bastante fascinante, aunque se pase un poco mal viéndola.

West Side story: Romance, música y bandas callejeras

2010-10-12T01:10:00.004+02:00

Nueva York, años 50 ó 60. En la zona del West Side, hay una lucha constante entre dos bandas por el dominio de las calles: los Sharks, emigrantes puertorriqueños, y los Jets, nativos anglosajones del lugar. Sus líderes son Bernardo y Riff, respectivamente. Las dos pandillas se odian a muerte y todos son jóvenes pendencieros delincuentes. Un día, en un baile, se conocen y se enamoran María, la hermana de Bernardo, y Tony, gran amigo de Riff y antiguo líder de los Jets, que dejó la banda y ahora vive integrado en la sociedad. Se avecina la tragedia. Y todo esto entre bailes y canciones, porque West Side story es un drama romántico musical, estrenado en 1961 y dirigido por Robert Wise y Jerome Robbins. Robert Wise fue un prolífico realizador cuya obra se extiende desde los años 40 hasta el mismo año 2000, abarcando todo tipo de géneros, con películas como Ultimátum a la Tierra, The haunting, Sonrisas y lágrimas, La amenaza de Andrómeda o Star Trek. Jerome Robbins, bailarín y coreógrafo, se encargó de las escenas de música y baile, ya que además fue el creador del musical de Broadway en el que se basa. Todos dicen que la historia está inspirada en Romeo y Julieta, por eso de los enamorados pertenecientes a familias o grupos enemigos. Yo diría que es un dramón clásico romántico, con un tema universal pero actualizado para la época en que se rodó la peli, en un entorno de delincuencia juvenil, inmigración y denuncia social, una denuncia muy hollywoodiense, porque lo más destacado en la peli es la parte musical, que es fantástica. Los números de baile se suceden a lo largo del argumento y son muy variados: unos recuerdan a los musicales de los 50, como Cantando bajo la lluvia o Siete novias para siete hermanos, con saltos y acrobacias. Otros son más latinos, en las escenas en que cantan los puertorriqueños (sí, el famoso “I like to be in America”), con mucho vuelo de faldas. Otros bailes son de estilo muy vanguardista para la época, muy de los 60. Las canciones de la pareja romántica son más clásicas, en plan Julie Andrews (de hecho, hay una, “I feel pretty”, que la canta María, y yo creía que era de Sonrisas y lágrimas), y son también muy famosas: “María”, “Tonight”… Los enamorados, Tony y María, están interpretados por Richard Beymer, actor poco conocido, y la guapa Natalie Wood, la única estrella de la cinta. Su historia es la base del argumento, y los dos están muy convincentes, con sus miradas profundas, pero me parecen una pareja un poco ñoña, debe ser por sus canciones, que son algo cursilonas, la verdad. Por cierto, al cantar les doblaron, bueno, a ellos y a todos. Ésta es una película para el lucimiento de los secundarios, cuyas intervenciones tienen mucha fuerza y colorido. Bernardo, el jefe de los puertorriqueños, es George Chakiris, galán guapo y moreno de los 50 y 60 (a mi madre le encanta). La novia de Bernardo, Anita, es Rita Moreno, otra morena de carácter. Ambos se llevaron el oscar a actor y actriz secundarios. Riff, el líder de los Sharks, es Russ Tamblyn, fantástico bailarín y actor con carisma, que también salía en Siete novias para siete hermanos. Todos los secundarios realizan escenas de baile realmente impresionantes. El film barrió en los oscars de 1961, llevándose diez, entre ellos el de mejor película y mejor director. West Side story es un musical clásico y moderno a la vez, con una banda sonora que se queda en la memoria, bailes espectaculares y ambientación urbana, oscura o colorista, según el momento. A mí me gusta mucho y la recomiendo, pero sólo para los que les gusten los musicales. Si odiáis cuando los personajes dicen tres o cuatro frases y se ponen a cantar, ésta no es vuestra peli.

Black rain: Mafia japonesa

2010-10-01T15:26:00.004+02:00

Nick Conklin es un rebelde y duro policía de Nueva York que no está en su mejor momento: se acaba de divorciar y los de Asuntos Internos le están investigando por corrupción. Él y su compañero, Charlie Vincent, presencian un asesinato por parte de un miembro de la mafia japonesa, y cuando le capturan, se les encarga escoltarle de vuelta a Japón. Pero cuando llegan a Osaka, el criminal, Sato, ayudado por sus compañeros mafiosos, se escapa. Ahora Nick y Charlie tendrán que trabajar con la policía japonesa para capturarle, para lo cual se enfrentarán a la yakuza, la peligrosísima mafia de este país, que encima en ese momento está sacudida por una lucha entre bandas rivales. Contarán con la ayuda de Masahiro, un recto y serio policía, que es de los pocos allí que habla inglés, y de Joyce, una mujer americana que dirige un selecto club nocturno. Black rain es una película de 1989, dirigida por Ridley Scott, realizador británico que tiene obras muy variadas: cintas ya míticas, como Alien, el octavo pasajero, Blade runner, Thelma y Louise (películas que soy la única persona del mundo a la que no le gustan), cintas casi míticas como Gladiator (ésa sí me gusta), pelis que no le gustan a nadie pero a mí sí, como 1492, la conquista del Paraíso, La teniente O’Neill, El reino de los cielos, American gangster, o bodrios como Hannibal o Un buen año. La última fue la nueva revisión del personaje de Robin Hood, con el madurito Russell Crowe. En el cine de Ridley Scott es tan importante el ambiente y la estética como la historia, y sus primeras películas se caracterizan por tener un ambiente oscuro, así que Black rain no iba a ser menos. Es básicamente un thriller de diseño, con una historia normalita, pero que destaca sobre todo por su atmósfera, su fotografía y su música. El prota, Nick, es Michael Douglas, que está bastante bien en su papel de héroe-antihéroe-chulesco. Su amigo Charlie es Andy García, en una de sus primeras actuaciones, con un personaje secundario, simpático, a veces un poco cargante, pero bastante carismático. Es el contrapunto al siempre cabreado Nick. Masahiro, el honrado policía japonés, es Ken Takakura, un actor por lo visto muy conocido en Japón (aquí no mucho), y su papel, sobre todo dándole la réplica a Michael Douglas, es bastante decisivo en la trama. Joyce es la guapa Kate Capshaw, que era la prota femenina de Indiana Jones y el templo maldito, y después se casó con Steven Spielberg. Aquí no es que tenga mucho papel, está más bien de florero, pero bueno, las pocas escenas que interpreta las hace bien. El malo malísimo, Sato, es Yusaku Matsuda, al que tampoco conocemos de nada, claro. No es el único malo de la cinta, este papel recae en todos miembros de la yakuza, mafia violenta y brutal con métodos de castigo tan “sutiles” como cortar los dedos a sus enemigos para limpiar su honor. Ésta tampoco es una peli para el lucimiento de los villanos, que son bastante planos, lo único que vemos de ellos es que son muy brutos y hablan en japonés (normal). A mí la verdad es que me gustó la película, y es una de las que pienso que merece la pena conservar, más que nada por la estética, la fotografía de un Japón de diseño, exótico, nocturno y decadente, el ambiente oscuro, propio de la primera época de Ridley Scott, y sobre todo la banda sonora, poderosa y pegadiza, de Hans Zimmer (yo siempre he creído que era de Ryuichi Sakamoto, he estado un montón de años engañada, jo), con ritmos orientales y también con temas vocales en inglés variados, unos tecno y otros más pop. Hay escenas de acción bastante impactantes, sobre todo una que no voy a decir cuál es, que luego siempre me dicen que pongo muchos spoilers, pero todos los que hayan visto el film la recuerdan, sin ninguna duda. Aunque no hay mucha gente a la que le guste esta peli, yo la recomiendo; sí, es un thriller normalito, pero su ambientación, estética y sonido la convierten, en mi opinión, en una obra interesante y original, y tampoco está mal de vez en cuando ver a un actor como Michael Douglas en sus tiempos mozos en persecuciones de motos y repartiendo mamporros a los malos. Para evadirse un rato en plan nostálgico.

Toy story 3: Juntos hasta el final

2010-09-25T01:35:00.003+02:00

En 1995 se estrenó Toy story, el primer largometraje realizado por Pixar, productora de animación fundada por John Lasseter, antiguo empleado de Disney. Supuso una revolución porque fue el primer largo de animación realizado enteramente por ordenador. Contaba las aventuras de unos juguetes, pertenecientes a un niño, Andy, que en presencia de los humanos no podían moverse, pero cuando estaban solos podían andar, hablar, pensar, totalmente como si fueran personas. La peli fue un gran éxito, y desde entonces Pixar ha seguido produciendo cintas de animación digital, creando mundos fascinantes cuyos protagonistas son insectos, monstruos, peces, superhéroes, coches, ratas, robots, y personas solitarias. Son películas muy comerciales y también de una gran calidad, emocionantes, entrañables e innovadoras. Pixar nunca decepciona, y ha demostrado estar a la cabeza de la animación mundial, junto con Ghibli, la productora japonesa del genial Hayao Miyazaki. En 2006, los de Disney, que saben mucho, compraron Pixar, y ahora todas sus producciones llevan el sello Disney-Pixar (encima el nombre de Disney va primero, lo que hace la pasta), pero el mérito sigue siendo de Pixar. Toy story 3 es el tercer film y el que cierra la saga de los juguetes. Su director, Lee Unkrich, uno de los realizadores de Monstruos, S.A. y Buscando a Nemo, toma aquí el relevo de John Lasseter, que dirigió Toy story 1 y 2. Andy, el dueño de los juguetes, ha crecido, tiene 17 años, pronto irá a la Universidad, y claro, ya no está en edad de jugar. Su madre, como todas nuestras madres han hecho alguna o muchas veces, le dice que tiene que ordenar y decidir qué hacer con los muñecos. Tras algunas peripecias, nuestros amigos terminan en Sunnydale, una guardería donde conocerán a otros colegas que han sido donados y podrán jugar con más niños. Pero, ¿es Sunnydale un lugar tan idílico como parece? Toy story 3 es una peli magnífica, yo creo que la mejor de la saga. La primera es muy buena porque es la de la idea original, la segunda me pareció bastante más floja, pero aquí tenemos una auténtica joyita, un equilibrio perfecto entre emoción, comicidad y sentimentalismo (no sensiblería). Volvemos a encontrarnos con los personajes conocidos: el vaquero Woody, líder del grupo, su amigo el astronauta Buzz Lightyear, la vaquera Jessie (que no está tan sobreactuada como en Toy story 2, afortunadamente), el cerdito Hamm, el perro Slinky, los señores Potato, Rex, el tiranosaurio neurótico… y también aparecen personajes nuevos. Los muñecos están muy humanizados y son carismáticos. Hay una fuerte amistad y compañerismo entre el grupo de juguetes protagonistas; también hay relaciones de pareja entre Buzz y Jessie, el matrimonio Potato, y sobre todo es genial la relación entre Ken y Barbie, dos de los roles más conseguidos de la película. Hay personajes con traumas psicológicos, otros que no son lo que parecen, y otros bastante espeluznantes. Hay escenas muy, muy conmovedoras, escenas hilarantes (las transformaciones de Buzz y las pérdidas de distintas partes del cuerpo de los señores Potato), terror, venganza, luchas de poder, y guiños a La gran evasión. Como es lógico, la ambientación es fantástica, se han cuidado los detalles al máximo, y es un prodigio visual y técnicamente; pero lo que convierte a esta cinta en un peliculón es el hecho de que unos dibujos digitales logren transmitirnos tantas emociones, o más, que si fueran actores de carne y hueso. Pixar ha vuelto a maravillarme.

Que el Cielo la juzgue: Amor posesivo, amor destructivo

2010-08-29T15:41:00.002+02:00

Ésta es la historia de una mujer muy, muy celosa, patológicamente celosa. Richard Harland, un joven y famoso escritor, se dirige en tren a pasar unos días en el rancho de un amigo, cuando conoce a Ellen Berent, una mujer de buena familia y belleza cautivadora, y hay un flechazo por parte de los dos. Cuando llegan a su destino, resulta que ambos están invitados al mismo rancho (a ella la espera allí su familia, compuesta por su madre y su hermana adoptiva, Ruth). En los días que pasan juntos, descubren que se han enamorado y deciden casarse rápidamente. Ellen está fascinada con Richard, que tiene gran parecido con su fallecido padre, al que adoraba (ahí ya se nota algo raro, porque era una especie de Electra). Está tan segura de su amor, que rompe el compromiso que tenía con Russell Quinton, un político de carrera prometedora. Después de su boda relámpago, se instalan en el hogar de Richard, pero antes deciden pasar unos días en una bucólica casita que él tiene en el campo, en una propiedad llamada La otra cara de la luna. La vida les sonríe, son felices, ricos y están enamorados. Pero pronto empiezan los problemas. Con ellos está Danny, el hermano pequeño de Richard, al que está muy unido; un muchacho cariñoso, de salud débil y con problemas para caminar. Después Richard invita a la familia de su esposa, pensando que le hará ilusión. Pero Ellen no lo soporta: es tan posesiva que quiere estar sola con su marido, no quiere que haya nadie más con ellos. Está celosa de Danny, de Leick, el encargado de la finca y amigo de Richard, y sobre todo de su joven y guapa hermana Ruth. Su amor es asfixiante y destructivo, y para mantenerlo será capaz de hacer cualquier cosa. Que el Cielo la juzgue (Leave her to Heaven) es una película de 1945, dirigida por John M. Stahl, famoso realizador de melodramas en su época, de los años 20 a los 40. La verdad es que no conozco ninguna de sus otras películas, la única que me suena es Imitación de la vida, dramón de los estados del Sur con tintes raciales que conoció un remake de Douglas Sirk en 1959. Que el Cielo la juzgue es un dramón en technicolor, clásico y psicológico, con componentes de thriller. La estrella de la función es la guapísima Gene Tierney, que está fantástica en el papel de Ellen (fue nominada al oscar), un personaje muy atormentado y complicado, porque es la mala, pero al mismo tiempo nos da mucha pena: cautivadora, fría, desquiciada, obsesionada, psicópata. Richard es Cornel Wilde, galán de la época, y también está muy acertado en su rol de sufrido esposo, un personaje también con una evolución psicológica: hechizado, enamorado, preocupado (cuando descubre lo loca que está su mujer), y también atormentado. Otros personajes importantes son Ruth, la chica buena de la peli, interpretada por Jeanne Crain, y el inquietante y ambicioso Russell Quinton, el ex-novio de Ellen, interpretado por el emblemático Vincent Price, en un papel breve, pero importante en la parte final de la cinta. Como es habitual en el cine de esta época, la peli tarda un poco en ir al grano. Comienza como un feliz melodrama romántico, con la descripción de la despreocupada vida de la gente con dinero, con reuniones familiares, paseos idílicos a caballo y bonitos paisajes. Pronto se convierte en thriller y drama psicológico, aunque con un guión algo ingenuo; me hubiese gustado algo más de misterio, pero a Ellen enseguida se le ve el plumero, y a veces el comportamiento de los demás personajes es un poco tonto, la verdad. Pero no deja de ser una peli muy interesante y una joyita para conservar, sobre todo por la fascinante y compleja protagonista-villana. Hay dos frases en el film, pronunciadas por otros personajes, que son las que mejor la definen: “Ellen siempre gana” y “Eres la persona más digna de lástima que conozco”. Lo tenía todo para ser feliz, lo malo es que estaba muy loca.

Con faldas y a lo loco: Travestidos

2010-08-25T14:48:00.001+02:00

Con faldas y a lo loco (cuyo sugerente título original es Some like it hot), es una comedia de 1959, dirigida por el prolífico maestro Billy Wilder, uno de los realizadores icono de las décadas de los 40, 50 y 60. Austríaco emigrado a USA, fue toda una institución en el mundo de la comedia clásica americana, sobre todo por sus films con la genial pareja Jack Lemmon-Walter Matthau (En bandeja de plata, Primera plana, Aquí un amigo…). También dirigió dramas románticos agridulces, como Sabrina, El apartamento, Irma la dulce, dramones como El crepúsculo de los dioses, o un drama-thriller judicial, Testigo de cargo, con las super-estrellas Charles Laughton, Marlene Dietrich y Tyrone Power. Muchas de sus películas son colaboraciones con el maravilloso Jack Lemmon, a quien dio uno de sus primeros papeles importantes en Con faldas y a lo loco. Ésta es una comedia de enredo y de confusión de identidades ambientada en los glamourosos años 30, en plena época de gangsters. Los protas son Jack Lemmon y el guapísimo Tony Curtis, que interpretan a Joe y Jerry, dos amigos, músicos de jazz aficionados al juego y a buscarse la vida, que van por todo el país tocando en distintas orquestas. Un día son testigos involuntarios de un tiroteo entre bandas rivales en Chicago, y huyendo de los gangsters, que les han descubierto, encuentran trabajo en una orquesta que va a tocar en Florida. Pero resulta que es una orquesta femenina, así que se tienen que disfrazar de mujeres; a partir de ahora serán Josephine y Daphne. Como es lógico, pasarán grandes apuros para ocultar su verdadera identidad entre tantas chicas guapas, sobre todo cuando Joe-Josephine se enamora de Sugar Kane, la solista de la orquesta, interpretada nada menos que por Marilyn Monroe. Encima, cuando llegan a Florida, tierra de millonarios solteros, uno de ellos, el maduro y simpático Osgood Fielding III, comienza a cortejar a Jerry-Daphne, y Joe, en sus ratos libres, se hace pasar por Junior, un joven adinerado, propietario de un yate y con problemas sexuales, con la única intención de ligar con Sugar. La peli es muy divertida, con diálogos ágiles, típicos enredos, confusiones, alocadas persecuciones, y el humor elegante e ingenuo de la época. El guión, adaptación de una peli alemana, fue hecho por I.A.L. Diamond. Bajo este nombre lleno de iniciales se oculta uno de los mejores guionistas de la época, rumano de nacimiento, que colaboró en muchas obras de Wilder. Pero la cinta también se beneficia mucho de la fantástica interpretación de sus actores. Jack Lemmon lo borda, siempre fue un actorazo en todo, tanto comedia como drama, y aquí está genial haciendo de señorita, a veces recatada, a veces desmelenada. Tony Curtis, uno de los hombres más guapos de todos los tiempos (me enamoré de él en Espartaco), está bastante convincente disfrazado de mujer, y no resulta ridículo, debido a su belleza de rasgos ambiguos, varonil y femenino a la vez. Marilyn también está muy bien en un papel hecho a su medida, glamourosa, guapísima, sexy, ingenua y atormentada por su adicción a los amores frustrantes; parece que se está interpretando a sí misma. Tiene escenas con Tony Curtis subiditas de tono para la época, y se ha hablado mucho de lo tormentoso que fue el rodaje por las depresiones y problemas psicológicos de la actriz, pero viendo la peli no lo parece; resulta todo tan alegre y brillante, como si encajase a la perfección. Otro personaje muy divertido es el millonario Osgood, interpretado por Joe E. Brown, un actor que no conozco de nada, pero sólo con verle la cara ya te partes de risa (es un elogio, es que tiene una cara muy graciosa). Tiene las mejores escenas cómicas de la peli con Jack Lemmon, realmente hilarantes. El mundo de los gangsters está retratado de forma también divertida e ingenua, con los jefes de las bandas rivales, que se llaman (en la traducción al español, que siempre nos resulta más entrañable) Botines Colombo y Pequeño Bonaparte. Botines y Mulligan, el detective que lo persigue, están interpretados, respectivamente, por George Raft y Pat O’Brien, dos de los actores más conocidos del cine negro de los 30-40. Con faldas y a lo loco es una comedia de gags chispeantes, agradable de ver, yo diría que un clásico inolvidable, con una de las frases más famosas de la historia del cine (no hace falta que os diga cuál es, ¿verdad?). Tal vez sea un tipo de humor ya pasado de moda, y hoy en día no nos haga reír a carcajadas, sino sólo sonreír, pero lo prefiero millones de veces al humor grueso y escatológico de las comedias americanas actuales (yo es que tampoco soy muy de comedias, la verdad).

Origen: La arquitectura de los sueños

2010-08-24T13:06:00.003+02:00

El domingo 8 de agosto vi en el cine Origen (Inception), de Christopher Nolan, uno de los realizadores más singulares y exitosos del momento, que ha sabido captar el interés del gran público con sus atmósferas oscuras y guiones complejos y enrevesados. Saltó a la fama con Memento, thriller genial y paranoico sobre la amnesia (aunque empezó con Following, film que nadie conoce, yo tampoco); después dirigió Insomnio, con Al Pacino y Robin Williams haciendo de psicópata, El truco final, thriller de magos con Hugh Jackman y Christian Bale, y las dos últimas entregas-precuelas de Batman (tiene previsto rodar más, afortunadamente), Batman begins y El caballero oscuro, las mejores de la saga con muchísima diferencia, con el maravilloso Christian Bale en el papel del héroe murciélago y el fallecido Heath Ledger como un impresionante y desquiciado Joker. Con Origen, Christopher Nolan vuelve al thriller paranoico con un puzzle enrevesado y surrealista, rozando lo paranormal, sobre el mundo de los sueños. El principal prota, Dom Cobb, es un profesional en infiltrarse en el subconsciente de otras personas cuando están dormidos y soñando, y trabaja para empresas que le contratan para, con esta técnica, robar ideas de ejecutivos de empresas rivales. Uno de esos ejecutivos, Saito, le contrata a él y a su colega Arthur para una difícil misión que consiste en hacer lo contrario: implantar una idea en el cerebro del heredero de una poderosa corporación. Es un trabajo muy arriesgado porque, al parecer, no se ha hecho nunca y puede tener consecuencias peligrosísimas en la mente de todos los implicados. Pero, si lo consiguen, además de mucho dinero, Cobb obtendrá lo que más quiere en el mundo, y a lo que no puede acceder por el momento (no voy a decir lo que es, que siempre cuento demasiado de las pelis). Cobb reúne un equipo de especialistas por todo el mundo para realizar la complicada misión, en la que tendrán que descender a los niveles más profundos del subconsciente y se encontrarán con inesperados enemigos. La película me pareció fascinante, con un guión diabólicamente enrevesado, como un rompecabezas o un cubo de Rubik (en mi época, como éramos todos muy naif, le llamábamos el cubo mágico, pero ahora hay que decir “cubo de Rubik”). Es una escalera de caracol que desciende y desciende y gira sobre sí misma. La infiltración en los sueños produce imágenes bastante espectaculares e hipnóticas. La peli es una maravilla para la vista. Hay diseños arquitectónicos que me recordaban a los dibujos del genial MC Escher (no, no es un rapero, buscadlo en internet, flojillos). Cobb, el prota principal, es Leonardo DiCaprio, que ya está consiguiendo que lo vean como un actor serio 13 años después del fenómeno Titanic (yo siempre lo he visto como un actor serio, la gente no sabe que antes de Titanic hizo películas indie poco conocidas). El magnate Saito es el japonés y muy carismático Ken Watanabe (El último samurai, Memorias de una geisha). También está Marion Cotillard, que ganó el oscar haciendo de Edith Piaf en La vida en rosa; aquí interpreta a Mal, una de las principales pesadillas de Cobb. La otra chica de la peli es Ellen Page, la joven sabihondilla de la tremenda Hard Candy y de la comedia Juno, que aquí hace de joven sabihondilla arquitecta de sueños. También salen Joseph Gordon-Levitt, del cual sólo sé que es muy guapo y que era el prota de la comedia romántica 500 días juntos; Tom Hardy, actor que no conozco de nada; el camaleónico Cillian Murphy y sus increíbles ojos azules; el ya entrado en años (y en carnes) Tom Berenger; y en cortos papeles, Michael Caine, Lukas Haas y Pete Postlewaithe; ah, y Dileep Rao, a quien nadie conoce, pero que era el entrañable médium hindú de Arrástrame al infierno (y lo mejor de dicha peli). Origen es una cinta inteligente, fascinadora estéticamente, con un guión muy trabajado y que plantea temas inquietantes. Mucha gente la ha criticado diciendo que es muy comercial y que los sueños son demasiado lógicos, que se atienen demasiado a la estructura de un guión, y que prefieren el mundo onírico disparatado y caótico de David Lynch, donde los sueños no tenían reglas; yo, la verdad, prefiero que haya reglas y lógica, porque al fin y al cabo esto es un thriller y me gusta que me hagan pensar, no como en Carretera perdida o en Inland Empire (de David Lynch las dos), donde el argumento no había por dónde cogerlo, y salí con la sensación de que me habían tomado el pelo. De Lynch me encantan El hombre elefante, Corazón salvaje y Una historia verdadera (las más convencionales), pero es que tiene otros guiones que parece que ni él sabe lo que quieren decir, lo siento por sus múltiples seguidores, que seguro que son mucho más inteligentes que yo.

Mars attacks!: Divertida invasión alienígena

2010-08-08T20:44:00.005+02:00

Mars attacks! es una película dirigida en 1996 por Tim Burton, genial e inclasificable realizador, con sus mundos personales y oscuros, del que no voy a hablar más porque seguro que todo el mundo lo conoce de sobra. Se trata de una comedia ácida e irreverente que narra el intento de invasión de la Tierra, nada menos que por los marcianos, que son unos hombrecillos verdes, cabezones y con muy mala leche. El look de estos extraterrestres está basado en una colección de cromos que se publicó en USA en 1962. La acción comienza cuando aparecen sobre el cielo americano unos platillos volantes (al estilo de los años 50). Los especialistas que trabajan para el Gobierno descubren que vienen de Marte y, tras entrar en contacto con ellos, les preparan un amistoso recibimiento, ya que opinan que llegan con buenas intenciones, para traer el progreso o realizar acercamientos entre razas; nada más lejos de la realidad. La intención de los marcianos es exterminar a todos los humanos y apoderarse de nuestro planeta. Así que en la Tierra se preparan para la lucha. Mars attacks! es una parodia del cine de ciencia ficción de los 50 y una sátira de todos los estamentos de la sociedad americana: políticos, militares, científicos, periodistas, pacifistas, especuladores… Todos son retratados con humor gamberro, corrosivo y en cierto modo infantil, algo que no le resta mérito, al contrario, forma parte del personalísimo estilo del director. A ello contribuye también un reparto de grandes y conocidos actores, que están todos brillantes, cómicos e histriónicos (pero sin pasarse), porque Mars attacks! también es una película de personajes, eso sí, reflejados de forma caricaturesca. El gran Jack Nicholson hace dos papeles, el del presidente de USA (en una interpretación paródica e hilarante) y el de un especulador de terrenos sin escrúpulos afincado en Las Vegas. Glenn Close es la superficial primera dama. Annette Bening es la mujer del especulador, al principio pacifista ingenua, pero después uno de los personajes más “normales”. Pierce Brosnan es el asesor científico de la Casa Blanca, algo ridículo y tontaina. Martin Short es el asistente de imagen del presidente, un personaje más ridículo todavía. Rod Steiger es un asesor militar, el único que desde el principio no se fía de los alienígenas y quiere declarar la guerra. Sarah Jessica Parker es una periodista de modas que parece una parodia anticipada de su personaje en Sexo en Nueva York. Los jóvenes Lukas Haas y Natalie Portman son dos de los personajes “normales” de la historia; Lukas Haas (muy guapo desde su adolescencia, con lo feo que era de niño en Único testigo) es el hijo menor y oveja negra (porque es el único con sentido común) de una familia desquiciada, en la que Jack Black es el hijo mayor, un marine deseando luchar por su patria. Y la siempre guapa Natalie Portman es la rebelde y sensata hija del presidente. Jim Brown (que fue un famoso jugador de fútbol americano antes que actor), es otro de los héroes, un ex-boxeador y ex-delincuente reintegrado en la sociedad. También salen, en cortos papeles, Danny de Vito, Michael J. Fox y Pam Grier. Lisa Marie, modelo de belleza gélida y extraña y en esa época novia de Tim Burton, es una alienígena infiltrada. Y también sale Tom Jones, interpretándose a sí mismo, pilotando, disparando y cantando “It´s not unusual”, genial. Un casting de lujo para una película de humor disparatado y efectos especiales surrealistas; no tiene precio ver cómo los marcianos se cargan a los terrícolas con armas y tecnología impredecibles o cómo se lo pasan en grande destruyendo los monumentos más emblemáticos de USA y el mundo. También es fantástica la banda sonora de Danny Elfman, colaborador habitual de Burton, con sus sonidos espaciales, y repleta de canciones horteras. Mars attacks! es una cinta divertidísima, una patada a la sociedad americana, mundial y extraterrestre, donde los héroes son los perdedores solitarios. Es el reverso oscuro de Independence day (que se estrenó por las mismas fechas); pocos hubieran podido derribar el sistema con tanta ironía y al mismo tiempo conseguir que lo pasemos tan bien.

House on haunted hill: La mansión del miedo

2010-08-04T19:17:00.002+02:00

House on haunted hill es una película de 1959, dirigida por William Castle, realizador que hizo varias originales y resultonas cintas de misterio y terror en las décadas de los 50 y 60. También fue un empresario que aportó novedosas ideas en el concepto del terror como diversión. Dos de sus películas más conocidas son Los 13 fantasmas y ésta de la que voy a hablar, House on haunted hill; son films de un terror muy naif, muy de serie b, con efectos especiales “caseros” y con la ingenuidad de los años 50. De las dos películas se hicieron remakes, en 2001 y 1999, respectivamente, versiones más elaboradas que las originales, pero que intentan respetar la esencia de éstas. En 1999, Robert Zemeckis, Joel Silver y Gilbert Adler fundaron Dark Castle Entertainment, compañía cuyo nombre es un homenaje a William Castle y que ha producido películas como los dos remakes mencionados, o Barco fantasma, otro film de terror con el mismo espíritu de serie b (por cierto, parece haber pocas personas en el mundo a las que les gusten estas tres películas, pero a mí me encantan). El actor más conocido de House on haunted hill es el gran Vincent Price, todo un icono en el cine de terror de los 50 y 60. Interpreta a Frederick Loren, un excéntrico millonario que decide alquilar la mansión en cuestión para celebrar la fiesta de cumpleaños de su mujer, pero lo hace de una forma muy especial, porque los invitados son cinco personas que no le conocen ni se conocen entre sí, y a los que ofrece diez mil dólares (un pastón para la época) si son capaces de pasar (mejor dicho, si sobreviven) toda la noche en la casa, que tiene un pasado oscuro de asesinatos y fama de albergar espíritus malignos. Vamos, que Frederick Loren está como una cabra, pero peor están los invitados, que aceptan la propuesta, unos por el dinero y otros porque son escépticos y así pueden demostrar la teoría de que los fantasmas no existen. Así que se reúnen todos allí con Loren y Annabelle, su mujer; a las 12 de la noche se cierran las puertas y ya nadie podrá salir. ¿Lograrán sobrevivir a los espectros de la casa encantada? La película es una mezcla de thriller y terror de espíritus, con efectos especiales muy, muy artesanales: esqueletos de plástico, fantasmas que se pasean sobre raíles… Los personajes están muy definidos, cada uno con sus peculiaridades. Loren y su esposa se odian a muerte (literalmente), y sus diálogos cínicos y corrosivos son de lo mejor de la cinta. Hay una pareja medio romántica, compuesta por la chica buena, a la que le dan los peores sustos y hay que rescatarla todo el tiempo, y el valiente y atractivo galán. Hay un personaje bastante desquiciado, que es el dueño de la casa y uno de los invitados a la extraña fiesta, y que está todo el tiempo relatando crímenes de los que ha sido testigo en la mansión, entre ellos el de su propia esposa. También hay un psiquiatra escéptico, que quiere demostrar la teoría de la histeria, o algo así, y una periodista que quiere escribir un artículo sensacionalista. La peli es ingenua, simplona, y cutre técnicamente, pero tiene el encanto y la originalidad de lo antiguo. Yo me lo pasé muy bien con los esqueletos de juguete y los fantasmas de atracción de feria (atención al tanque de ácido que está en el sótano de la casa, que da pie a escenas macabras y delirantes). Los actores, exceptuando a Vincent Price, no son muy conocidos (aunque me suena el nombre de Elisha Cook), pero destaco a la guapísima Carol Ohmart, que interpreta a Annabelle y está fantástica en su papel de esposa-enemiga. El remake que se hizo 40 años después, en 1999, parte del mismo argumento, pero tiene más elementos en la trama y resulta más compleja y perversa. El papel del millonario (de apellido Price, en honor a Vincent Price), y su mujer, llamada aquí Evelyn, lo interpretan magistralmente Geoffrey Rush y Famke Jansen. Más que un remake, se puede considerar un homenaje, con carácter de serie b y estética de los 90, una película que me parece genial, pero de eso ya hablaré otro día.

Eclipse: Triángulo adolescente sobrenatural III

2010-07-30T17:58:00.002+02:00

El 10 de julio vi en el cine Eclipse, la tercera entrega de Crepúsculo (Twilight), una saga tan odiada por el público normal como amada por los adolescentes y por mí (y dos o tres amigos cuarentones como yo con alma de adolescentes). Crepúsculo es una serie de libros de fantasía y romance, escrita por Stephenie Meyer, que ha hecho furor entre el público juvenil. Cuenta la historia de amor entre la humana Bella y el vampiro Edward; los dos tienen 17 años, pero Edward tiene 17 años desde 1917, la fecha en que fue convertido, así que se mantiene igual de joven y, como todos los vampiros, es inmortal y guapísimo (sólo hay una forma de matar a los vampiros, pero creo que a estas alturas todo el mundo lo sabe, así que no lo voy a explicar otra vez). La saga literaria consta de cuatro novelas: Crepúsculo, Luna nueva, Eclipse y Amanecer. Las tres primeras ya han sido adaptadas al cine y sólo queda Amanecer, que como es un libro bastante extenso, se va a dividir en dos partes (la segunda, que me parece magistral, va a ser especialmente complicada de adaptar, tengo unas ganas tremendas de ver cómo lo hacen). En Eclipse vuelve a cambiar el director: en Crepúsculo era Catherine Hardwicke, en Luna nueva Chris Weitz, y aquí es David Slade, quien anteriormente realizó dos oscuras cintas: la vampírica 30 días de oscuridad y la sorprendente y muy inquietante Hard Candy. Eclipse, al igual que las dos entregas anteriores, y para deleite de los fans, refleja muy fielmente la novela. Hay algo más de acción que en Crepúsculo y Luna nueva y es aún más romántica y melosa que éstas. Se refuerza el triángulo amoroso entre Bella, Edward y el tercero en discordia, Jacob, el joven indio licántropo. Bella y Edward están tan enamorados como siempre, pero hay algún punto de desacuerdo entre ellos porque lo que más desea Edward es casarse con Bella, y lo que más desea Bella es que Edward la convierta en vampira, y luego está por ahí Jacob metiendo cizaña y sembrando un poco de duda en Bella. Un culebrón, vamos. También está la amenaza de Victoria, la malvada vampira pelirroja, que quiere vengarse de Bella porque la considera responsable de la muerte de James, su también malvado compañero vampiro, muerte que sucedió en la primera parte cuando Edward y su familia salvaron a Bella del ataque de James; total, que Victoria está creando un ejército de jóvenes vampiros para matar a nuestra heroína. Al igual que en el libro, hay varios flashbacks que relatan las historias de Rosalie y Jasper, dos de los hermanos adoptivos vampiros de Edward, y de la tribu de indios licántropos, los quileute. La familia de vampiros de Edward y los indios hombres lobo se unen para proteger a Bella, aunque son enemigos desde hace siglos. La peli tiene acción y fantasía, pero no nos engañemos, más que nada es una historia romántica para muchachas adolescentes. La mayoría de las escenas son conversaciones entre dos o más de los tres miembros del triángulo amoroso, fundamentalmente para decirse lo mucho que se quieren y para que Bella se decida entre el pálido vampiro o el super-musculoso hombre lobo. La peli llega a ser un poco pesadita en este aspecto, incluso para mí, que soy fan, así que para los no fans debe resultar insoportable (supongo que los no fans que la hayan visto habrán ido arrastrados por sus novias y los pobres lo habrán pasado fatal). Reconozco que me parece la parte más flojita de todas, pero como es igual que la novela, tampoco me decepcionó. Sigo pensando que hay un error de casting en los protagonistas masculinos. Edward es demasiado hierático y acartonado, y eso que Robert Pattinson es un actor muy guapo, pero en su caracterización se han pasado con los polvos de talco; y con Jacob (Taylor Lautner) simplemente se han pasado con los anabolizantes. Como siempre digo, la mejor es Bella, que en el libro resulta un personaje un poco cansino en su languidez, pero en la pantalla Kristen Stewart refleja su carácter con gran naturalidad, sin sobreactuar (aunque nadie estará de acuerdo conmigo, claro). También es muy buena la parte en que hacen acto de presencia los Vulturis, los guardianes del mundo vampírico, que tienen tanto poder como mala leche. En Eclipse sus apariciones son breves (sólo en dos escenas) pero intensas. No sale, como en Luna nueva, el fantástico Michael Sheen, pero sí la maravillosa Dakota Fanning, que borda todo lo que hace. También sale, en un breve papel, Jodelle Ferland, la inquietante niña de Tideland y Expediente 39. No creo que el film decepcione a los seguidores de la saga, pero los no seguidores, mejor absteneos, ¿para qué vais a pasar un mal rato? Espero con impaciencia Amanecer, sobre todo la segunda parte, porque la primera, francamente, también es muy romanticona.

La niebla: Horror en el supermercado

2010-07-24T14:55:00.002+02:00

Imagínate que vas un día a comprar al Mercadona y no puedes salir porque afuera hay un montón de cucarachas gigantes y otros bichos rarísimos deseando comerte. Ésa es la premisa de La niebla (The mist), basada en una novela corta de Stephen King, el maestro de la literatura de terror (en España le pusieron a la peli el título de La niebla de Stephen King, que vende más). La película está dirigida por Frank Darabont, que tiene experiencia en adaptar a King, ya que dirigió Cadena perpetua y La milla verde, que no son obras de terror sino dramas carcelarios; aunque La milla verde tiene un punto fantástico, ambas son melodramas de estilo clásico y donde lo sentimental tiene mucho peso. Ahora Frank Darabont se atreve con una historia de puro terror, tanto físico como psicológico, ciencia ficción y denuncia contra el propio ser humano. La historia comienza un día cualquiera en un pequeño pueblo de Maine (Stephen King siempre sitúa sus novelas en esta zona de la América medio profunda, porque es de allí). Los protas principales, David Drayton, un exitoso dibujante, y su hijo Billy, de 9 ó 10 años, van a comprar al supermercado del pueblo; ha habido tormenta con rayos y truenos, y después aparece una densa niebla que lo cubre todo. David y Billy se quedan atrapados dentro del supermercado junto con todos los empleados y clientes que estaban allí en ese momento. El pueblo está en estado de emergencia y nadie puede salir de sus casas, porque afuera hay algo, algo que no se ve por la niebla, pero que si sales te mata. Pronto se descubre lo que es, así que esto no es ningún spoiler: son bichos gigantes, con antenas y tentáculos, que se comen a la gente. Así que la película juega primero con la ambigüedad, cuando no se conoce la naturaleza del peligro exterior, y después pasa directamente al horror de efectos especiales, cuando nos muestra a los extraños seres asesinos. Pero también hay un componente de terror psicológico, que viene dado por las propias personas que están dentro del supermercado, y que viene a reforzar la teoría de que los seres humanos pueden ser peores que cualquier amenaza externa. Los personajes se dividen rápidamente en buenos y malos; los malos están liderados por la señora Carmody, la gran villana de la historia, una fanática religiosa obsesionada con el Apocalipsis y el Dios del Antiguo Testamento. Está interpretada por Marcia Gay Harden, actriz siempre maravillosa, en papeles secundarios o principales, en cine independiente o comercial, y que aquí está absolutamente fantástica con los ojos desorbitados, hablando de castigo divino y de expiar los pecados de la humanidad. El protagonista, David, es Thomas Jane, actor también conocido en circuitos independientes, y que era el prota principal de El cazador de sueños, otra muy buena adaptación de Stephen King. Su hijo, Billy, es Nathan Gamble, un niño al que no conocemos de nada, pero que también lo hace muy bien. Después hay otra serie de personajes muy carismáticos, entrañables o siniestros. Destaco a Amanda, la otra heroína de la peli, interpretada por Laurie Holden, y a Ollie, el bondadoso encargado del super, encarnado por el maravilloso Toby Jones. Algunas críticas dicen que hubiera sido mejor no mostrar a los bichos directamente para así mantener el suspense y que no fuese una película típica de terror gore, pero yo no estoy nada de acuerdo. No creo que la trama se hubiese podido sostener tanto tiempo sólo con el suspense. Además, el hecho de que veamos a los monstruos nos permite presenciar un fantástico alarde de imaginación y efectos especiales, ya que son seres realmente aterradores y fascinantes. Otro elemento inquietante de la historia es la ambigüedad moral y en el destino de los personajes; otra de las obsesiones de Stephen King es la religión, y aquí se presenta de una forma intencionadamente sutil y ambigua, de tal forma que te hace incluso dudar de lo que al principio parecía tan claro. La niebla no es sólo un film de terror gore, aunque tenga algunas escenas impactantes en este aspecto, sino que también te hace reflexionar y plantea controversias ecológicas, sociales y morales. También tengo que destacar la melodía que se escucha al final, una hipnótica canción que sirve de apoyo a un final que me dejó clavada en el asiento.

La mosca: El hombre insecto

2010-07-12T19:20:00.003+02:00

La última peli de la colección de cine de terror de El País que me quedaba por ver es La mosca (The fly), de David Cronenberg, un realizador canadiense, autor de muy inquietantes cintas de terror y suspense, en las que plasma sus extrañas obsesiones, tales como la transformación física de los cuerpos, la visión de la carne humana y animal, y la fusión entre lo orgánico y lo mecánico (vamos, unas cosas muy raras). Es un cine bastante malsano y perverso, con obras que varían mucho en calidad (en mi opinión), ya que algunas son peliculones como La mosca, otras son films muy interesantes como la muy inquietante y psicológica Inseparables, y otras son bodrios sin sentido como ExistenZ, aburrida fábula futurista de realidad virtual, o Crash (no confundir con la que ganó el oscar a mejor película en 2004, que ésa está muy bien), una peli que a los entendidos y a las mentes retorcidas les encanta, porque hay que ser retorcido para que te guste una historia de personajes que se excitan sexualmente con ¡los accidentes de tráfico! (hay gente para todo). Como veis, Cronenberg es un director muy rarito, pero La mosca es una de sus películas más “convencionales”, dentro de lo que cabe, y yo creo que a todos los amantes del cine de terror nos resulta bastante fascinante y sobrecogedora, incluso hoy en día (la peli se estrenó en 1986). Cuenta la historia de Seth Brundle, un brillante científico que ha inventado una máquina para teletransportar objetos y seres vivos de una cápsula a otra. Tras algunos intentos fallidos de resultado espeluznante y otros ya con éxito, decide hacer la prueba con él mismo, y lo consigue, pero más tarde descubre que una mosca se había metido con él en la máquina, con lo cual, al realizar la teletransportación, su cuerpo se ha fusionado genéticamente con el del insecto. Seth sale de la máquina aparentemente normal, pero conforme pasan los días y las semanas vemos su transformación gradual en un extraño ser, una especie de monstruo con aspecto alienígena, tamaño humano y comportamiento de insecto, vamos, un bicho horrible. Cronenberg no se corta a la hora de mostrarnos la degradación del cuerpo del científico en su metamorfosis, así que veremos cómo se le caen los dientes, las orejas y el pelo, cómo anda por las paredes y el techo, y cómo come, vomita un líquido blanco y vuelve a comer (no sé si las moscas lo hacen así, la verdad es que no he tenido el gusto de observarlo). Son escenas bastante asquerosillas, pero el conjunto merece mucho la pena, porque Cronenberg nos transmite los sentimientos del protagonista, su obsesión con sus investigaciones, su euforia inicial, ya que al comienzo de su transformación se siente muy fuerte e hiperactivo, y sobre todo logra que empaticemos y sintamos pena por él al ver el monstruo en el que se está convirtiendo. También hay una historia de amor con Veronica Quaife, una periodista a la que conoce cuando le entrevista acerca de sus experimentos, y que le intenta ayudar; ella es la auténtica heroína del film. Un gran acierto de la peli es su actor principal, Jeff Goldblum, en uno de sus primeros papeles importantes. No podían haber encontrado un actor que se pareciera más a una mosca ya desde su apariencia humana, con sus ojos saltones y expresivos; además, al principio de su transformación está en la cumbre de su atractivo, luciendo músculos, cuando empieza a desarrollar su fuerza sobrehumana (después está horrendo con un fantástico maquillaje obra de Chris Wallas). Geena Davis (gran actriz, también de ojos saltones, que en aquella época era pareja del propio Jeff Goldblum) interpreta a Veronica, y también está muy acertada en su papel y muy guapa, por cierto. En la peli sólo hay tres personajes importantes; el otro es el tercero en discordia, Stathis Borans, jefe y ex-novio de Veronica, un personaje medio capullo y al principio medio villano, interpretado por John Getz, que también lo hace muy bien, porque logra que nos caiga fatal, que también es lo que se pretendía. La mosca es un remake de otra cinta del mismo título y de 1958, aunque lo único que tienen en común es la idea inicial, la de la teletransportación y la mosca que entra en la máquina al mismo tiempo que el científico, ya que el resultado de la fusión es distinto; en La mosca de 1958 la transformación se produce inmediatamente, y consiste en un intercambio de cabezas y brazos entre la mosca y el científico (también es una película impactante y fascinadora, aunque con la ingenuidad de su época). La mosca de Cronenberg es un film de terror físico y psicológico, con escenas gore y angustia existencial, opresivo, gótico y oscuro. Una alegoría sobre los peligros de la ambición y la ciencia sin control. Una joya del cine de terror de los 80 que resulta igual de impresionante en la actualidad.

The blind side: Meloso melodrama deportivo

2010-07-12T14:12:00.002+02:00

The blind side, de John Lee Hancock, es uno de los 10 films que fueron presentados este año al oscar como mejor película, y ésa es la única razón de que yo haya ido al cine a verla, siguiendo mi absurda costumbre de ver todas las películas nominadas en esta categoría. Es también la cinta por la que Sandra Bullock ha ganado el oscar a mejor actriz, interpretando a un personaje real en este azucarado (melo)drama deportivo y familiar. Pues sí, ésta es una peli basada en hechos reales, algo que mola mucho a los americanos, y encima cuenta una historia de superación, que todavía les mola más. Es la historia de Michael Oher, apodado Big Michael por su gran tamaño, un joven afroamericano de origen marginal y familia desestructurada que es admitido en una escuela de alumnos de clase media-alta mediante un proyecto de integración, o algo así, pero lleva mucho retraso en su educación y el pobre no puede seguir los estudios, ni relacionarse con la gente, y vive prácticamente en la calle. Entonces conoce a Leigh Anne Tuohy, una diseñadora de éxito, madre de familia pija, rica, republicana y cristiana, que acoge a Michael en su casa; todos los miembros de la familia le aceptan como uno más y le ayudan para darle una oportunidad en su educación, en su vida y en su carrera como jugador de fútbol americano. Y ésta es básicamente la película: todos muy buenos, felices y perfectos, ayudando al pobre muchacho, que consigue integrarse en la sociedad, ir a la Universidad y convertirse en una estrella del deporte (el sueño de cualquier americano que se precie). El argumento es bonito y debería ser muy conmovedor, sobre todo teniendo en cuenta que es una historia real, ya que resalta el hecho de que todavía hay personas buenas en el mundo, que ofrecen su ayuda desinteresada y todo eso, pero yo es que soy muy cínica y tanta dulzura y bondad me empalagan. Las opiniones sobre esta peli están divididas: a algunos les ha encantado por ser una obra de interés humano, y otros opinan que es una película con buenas intenciones, pero que no impresiona y se olvida poco después de haberla visto. Yo, en cambio, sí que la recordaré: la recordaré por lo empalagosa que es. Aunque tal vez “empalagosa” no sea la palabra adecuada, ya que tampoco se recrea en la lágrima fácil ni en el drama, y eso es de agradecer, pero tiene unos cuantos toques de humor americano-amable-repelente que, en mi opinión, chirrían bastante. Chirría Sandra Bullock, como casi siempre. La mitad de la gente alaba su gran actuación y la otra mitad dice que simplemente está correcta; yo creo que está tan repelente como siempre y que le han dado el oscar porque tendrá muchas influencias en Hollywood y para agradecerle que esta vez no haya hecho una de sus horribles comedias románticas (como Loca obsesión, por la que ha sido nominada este mismo año al razzie). Sí, no hace muchas muecas, pone cara seria, y hace un cambio de registro con un papel de pija de carácter enérgico, y realiza una buena actuación en la escena en la que les canta las cuarenta a sus amigas sacadas directamente de Sexo en Nueva York, pero tanto como para darle un oscar… no sé yo. Chirría toda la familia: el padre bondadoso, la hija adolescente pero también bondadosa y que no se deja influenciar por sus amigas, y sobre todo el niño graciosillo y super-repelente. Son los Ingalls del siglo XXI (aunque La casa de la pradera me encantaba; yo es que soy así de contradictoria). También chirría Kathy Bates, que interpreta a la profesora particular de Michael, gran actriz pero a la que le tira mucho lo sentimental. El único que no me chirría es el prota, Michael, interpretado por un tal Quinton Aaron, que está muy acertado y bastante conmovedor en su papel de gigante maltratado por la vida, con cara de gorrioncillo abandonado y estatura de 1’90 m. (me recuerda a la también nominada Precious, aunque ésa es más dramón). En fin, que es fantástico que ocurran estas cosas en este mundo deshumanizado de hoy en día, y la verdad es que al final sales con buen rollito del cine, y es de agradecer que haya películas con historias felices en vez de las tragedias de siempre, pero este film es tan chirriante, tan… americano, que a ratos me resultaba un poco insoportable, qué le vamos a hacer.

El retrato de Dorian Gray: Belleza perversa

2010-06-21T21:55:00.002+02:00

El sábado 12 de junio vi en el cine El retrato de Dorian Gray (Dorian Gray), nueva versión de la novela del gran Oscar Wilde, archiconocido autor inglés del siglo XIX, famoso sobre todo por sus obras de teatro cómicas y románticas donde retrataba con gran ingenio e ironía la sociedad aristocrática de la época. El director de la película, Oliver Parker, ha adaptado en otras ocasiones a Oscar Wilde, en Un marido ideal y La importancia de llamarse Ernesto. El retrato de Dorian Gray, una de las obras de Wilde más conocidas, es una novela oscura y tenebrosa, con un fuerte componente filosófico y moral. El protagonista, Dorian Gray, es un joven aristócrata de belleza angelical que, tras haber vivido siempre en el campo, vuelve a su Londres natal tras haber heredado una gran mansión. Pronto entra en contacto con el círculo social más selecto y conoce a Lord Henry Wottom, un noble con una filosofía de vida bastante cínica y amoral, que le introduce en la vida más nocturna y decadente de la ciudad. Dorian pasa de ser un chico tímido e ingenuo a un vividor ávido de placeres y emociones fuertes, una especie de playboy victoriano. También conoce a Basil Hallward, un talentoso pintor que le hace un retrato; de alguna manera, por alguna especie de causa sobrenatural que no se llega a explicar, Dorian se da cuenta de que no envejece y mantiene siempre intacta su belleza, mientras que el retrato es el que refleja el paso de los años y las huellas de su estilo de vida corrupto y degradante. Vamos, que él es todo el tiempo joven y guapo, por muchos excesos que cometa y muy mala vida que lleve, mientras que el cuadro se va convirtiendo en un monstruo horrendo, así que Dorian lo tiene que esconder en el desván para que nadie lo vea.

Como de costumbre, todo el mundo ha puesto la película a parir, diciendo lo de siempre, que no se adapta ni refleja el espíritu del libro (esto me suena a dejà vu), y como siempre, a mí me ha gustado. No he leído la novela, así que supongo que no tengo ni idea de lo que estoy hablando, pero yo creo que éste es un Dorian Gray modernizado. Durante todo el metraje asistimos a la evolución del personaje, su corrupción, la pérdida de su inocencia, de orgía en orgía y de bacanal en bacanal (pero todo muy light, que esto no es Calígula de Tinto Brass), llegando incluso al asesinato, y también vemos la confusión de su alma atormentada. Después viene una parte que parece puro terror gótico de la Fantastic Factory, y eso no le gusta a la gente, pero a mí me parece muy bien. El punto más débil del film son algunos de sus actores, empezando por el protagonista, Ben Barnes, el príncipe Caspian de la segunda entrega de Las crónicas de Narnia. Es un chico guapísimo, muy adecuado para un papel secundario en una peli de aventuras, pero como protagonista absoluto en un papel que se supone que es complejo, ambiguo y atormentado, no da la talla, y no es capaz de reflejar todos los matices de su oscuro personaje. Los que están fantásticos son Colin Firth, en el papel del corrupto Lord Henry (este hombre está creíble en todo lo que hace) y Ben Chaplin como Basil, el atormentado pintor, dicen que alter ego de Oscar Wilde. La parte romántica la ponen la guapa Rachel Hurd-Wood y Rebecca Hall, que interpretan a las dos mujeres importantes en la vida de Dorian. Rebecca Hall es otro error de casting, no pega nada físicamente con Dorian Gray, y no hay quien se crea su historia de amor, aparte de que el personaje por lo visto no está en el libro, se lo han sacado de la manga. A pesar de los fallos de casting y de guión, me pareció una peli muy entretenida, con imágenes bastante hipnóticas, una moderna adaptación de un fascinante thriller psicológico de época.

La heredera: Amor, lujo y tristeza

2010-06-19T13:44:00.002+02:00

La heredera (The heiress), es una película de 1949, dirigida por William Wyler, uno de los realizadores estrella de las décadas de los 40-50, que hizo producciones de muy variados estilos: épico, dramático, romántico… Ésta es una cinta de género romántico y dramático; está basada en una novela de Henry James, Washington Square, y fue adaptada al teatro antes que al cine. La historia está ambientada a mediados del siglo XIX, en USA, y la protagonista es Catherine Sloper, una rica heredera, que está a punto de abandonar la juventud, y a pesar de codearse con la alta sociedad neoyorkina, no encuentra pretendiente, debido a que es muy tímida, poco agraciada y le cuesta relacionarse con los demás, a pesar de su carácter amable y bondadoso. Encima, su padre, un importante médico, la menosprecia porque no hace más que compararla con su esposa fallecida, a la que tenía idealizada, y claro, la hija siempre sale perdiendo en la comparación con la madre. Total, que la pobre no se halla en el mundo (me recuerda a mí en mi adolescencia). Una noche, en un baile, conoce a Morris Townsend, un atractivo joven, sin dinero ni trabajo, pero buscando un lugar en esa sociedad. Él empieza a cortejarla y la enamora. El padre de Catherine, lógicamente, no aprueba la relación y opina que Morris es un arribista y que sólo va por el dinero de su hija, pero ¿es así o está realmente enamorado? Ésta es una película con nombre propio: Olivia de Havilland, absolutamente fantástica en el papel de Catherine, con sus vestidos negros y tristes, sus peinados sobrios, y su mirada luminosa que refleja toda una gama de emociones: amor, ingenuidad, dolor, odio, satisfacción… Montgomery Clift interpreta al guaperas de Morris, y la verdad es que no me convence mucho; a este chico se le notaba demasiado en la cara la vida interior (y exterior) tan atormentada que tenía, y no creo que le vayan bien los papeles de galán seductor. Lo siento, sé que Monty Clift es un icono, pero yo creo que no da la talla frente al nivel actoral de Olivia de Havilland. El mayor acierto de su interpretación, y el de William Wyler, es la ambigüedad y sutileza del personaje, que no nos deja ver claramente sus intenciones, pensamientos ni sentimientos, sino que éstos se van desvelando mediante pequeños detalles. En Catherine, en cambio, todo es transparente, incluso sus cambios, quizá demasiado. Ralph Richardson interpreta al doctor Sloper, el padre de Catherine, un padre despótico, obsesionado con el recuerdo idolatrado de su esposa muerta y causante del complejo de inferioridad de su pobre hija. Un personaje antipático, ambiguo y desdichado. Un carácter débil en una época en que nadie osaba contradecir al cabeza de familia. Otro personaje importante es Lavinia Penniman, la tía de Catherine, interpretada por Miriam Hopkins, que al contrario que el padre, es un personaje simpático y bondadoso, y que, con toda su buena intención, ejerce un poco de alcahueta entre Catherine y su pretendiente. Un papel secundario, pero fundamental en la historia; ves cómo Morris se la camela para que le prepare el terreno con Catherine, pero luego le oyes decir una de las frases más trascendentales de la película, y yo creo que esa única frase constituye un punto de inflexión en la trama y actúa como catalizador en la evolución de la protagonista. Todos los personajes tienen matices, no son planos, sino que tienen sus motivaciones y traumas, sus luces y sombras, como la vida misma. La heredera es una película magnífica, un drama clásico, romántico y muy psicológico, con diálogos inteligentes, donde no todo está tan claro, y que no te deja indiferente.

Legión: El Apocalipsis ya está aquí

2010-06-12T19:02:00.004+02:00

El viernes 28 de mayo vi en el cine Legión (Legion), de Scott Stewart, otra película apocalíptica, pero esta vez no es un fin del mundo normal y corriente, provocado por un vulgar virus, ni una guerra nuclear, ni un desastre natural, sino que estamos hablando del mismísimo Apocalipsis, el bíblico, con los ángeles exterminadores enviados por Dios, harto ya de las tonterías de la humanidad. Pero como es un Apocalipsis muy moderno, acorde con los tiempos que corren, no hay ángeles con trompetas ni fuego cayendo del cielo, sino posesiones infernales que convierten a las personas en zombies enloquecidos, y así los propios hombres se matan entre ellos (lo que han hecho siempre, pero ahora más a lo bestia). Pero el arcángel Miguel se rebela contra los designios de Dios y decide intentar salvar a la humanidad. La única esperanza está en una estación de servicio perdida en medio de un desierto (no me acuerdo dónde estaba el desierto, pero era en USA, claro, que la peli es americana). Allí pronto nacerá un bebé que, por alguna razón, es el elegido para salvar el mundo. Miguel tiene que conseguir que el niño nazca y que los zombies enloquecidos y ángeles vengadores no lo maten. Para ello luchará junto con la futura madre, una camarera que no sabe que su hijo será el nuevo Mesías, y otro grupo de personajes que andan por allí, unos porque viven en el lugar, y otros porque son clientes que han quedado atrapados. El dueño de la cafetería, Bob, es el gran Dennis Quaid, actor que con el tiempo ha madurado pero que no lleva el peso de los años tan bien como su ex, Meg Ryan, gracias a lo cual está perfecto en un papel de pobre hombre desencantado de la vida y alcohólico rehabilitado. Su hijo, Jeep, interpretado por Lucas Black, es un joven enamorado de Charlie, la camarera futura madre, y es un personaje bonachón, antihéroe y todo el tiempo con cara de bobalicón, pero cuando empieza la acción se convierte en un luchador que no veas. Charlie es Adrianne Palicki, típica rubia americana de apariencia rústica, que al principio parece perdida y después también es una heroína. Todos los personajes son perdedores y antihéroes. El arcángel Miguel es el maravilloso y carismático Paul Bettany, un hombre que me da muchísimo morbo, además aquí está superatractivo en plan guerrero apocalíptico. También sale Gabriel, arcángel exterminador y antagonista de Miguel, interpretado por Kevin Durand, cuya mayor relevancia son sus escenas de lucha y de diálogo con Miguel, sus grandes alas negras y su cara de malo. Tengo que decir que a mí la peli me gustó, pero creo que soy la única persona del mundo que tiene buena opinión de ella. Todas las críticas y comentarios la ponen a parir; dicen que la realización está llena de tópicos, que el guión es un despropósito y que hay diálogos y momentos que son cómicos sin pretenderlo. El argumento recuerda a Terminator, y eso tampoco le gusta a la gente, aunque yo lo consideraría un homenaje. No es una película para tomársela muy en serio; yo diría que es pura serie b, entretenida y delirante. La mezcla de zombies, ángeles exterminadores y profecías bíblicas chirría un poco, pero eso la hace más original. Me gustó ver a los protagonistas acorralados, en la mejor tradición de John Carpenter, disparando las ametralladoras contra un ejército de poseídos con cabezas giratorias; me gustaron las frases cómicas de Bob dichas en los momentos más surrealistas. También me gustó la idea ambigua de un Dios vengativo y aniquilador en plan Antiguo Testamento, y que el héroe de la peli sea precisamente el que se rebela contra él. Y sobre todo me encanta Paul Bettany, luchando por la humanidad, con cara de duro y de sufridor, en plan Terminator, pero mucho mejor actor que Arnold Schwarzenegger. Yo me lo pasé muy bien viéndola, lo siento por el resto de la humanidad, que no opina como yo, vosotros os lo perdéis, chicos.

Carrie: Pobre chica con poderes

2010-06-07T01:39:00.003+02:00

Entre las pelis de terror de la colección de El país, algunas son extraordinarias, como Carrie, film dirigido en 1976 por Brian De Palma, y adaptación de una novela de Stephen King. Este maestro de la literatura de terror ha visto adaptados muchos de sus relatos a la gran y pequeña pantalla, con desiguales resultados. Brian De Palma también es un director muy irregular, capaz de crear obras buenísimas como Los intocables de Eliot Ness, bodrios como Femme fatal, productos interesantes como Misión a Marte o La dalia negra, y películas incomprendidas como En nombre de Caín. Pero Carrie es una obra maestra (en mi opinión, claro). La protagonista, Carrie White, es una adolescente muy tímida y marginada, que sufre bullying o acoso en el instituto por parte de todas sus compañeras, y la culpa de que la pobre sea así es de su madre, una fanática religiosa completamente ida de la olla. Carrie tiene habilidades de telequinesia, es decir, que puede mover objetos con la mente, aunque nadie lo sabe. Tras una serie de acontecimientos, la chica más mala malísima de la clase, Chris Hargensen, es castigada a no asistir a la fiesta de graduación, y como los acontecimientos estaban relacionados con Carrie, decide vengarse gastándole una macabra broma en la misma fiesta… Esta peli contiene una mezcla de géneros. El tramo final, rodado de forma magistral, es puro terror sangriento, pero también hay partes de drama, de cine teen, con el baile del instituto y el mundo adolescente, y un componente muy importante de terror psicológico. El terror psicológico lo trae Margaret White, la madre de Carrie, que sólo con su presencia da miedo, y más cuando habla, con sus citas bíblicas apocalípticas. Una de las madres más pavorosas que se han visto en la pantalla, una auténtica bruja fanática y oscura, interpretada magistralmente por Piper Laurie. Carrie es Sissy Spacek, portentosa actriz de los 70, que con su apariencia frágil y delicada transmite asombrosamente el dolor e ira del personaje. Porque Carrie es como un gorrioncillo, una chica desgraciada y dulce, necesitada de afecto y de integrarse en la sociedad, pero también capaz de manifestar la mayor de las furias vengadoras. La mayor parte de la peli me dio una sensación de gran tristeza. Pero la parte de la fiesta de graduación es la de terror propiamente dicha, y sólo por ella la cinta merece ser incluida entre las obras maestras del miedo. Es una larga escena rodada con técnicas propias de los 70, como la pantalla dividida, y con recursos muy característicos de Brian De Palma, como la acción a cámara lenta mientras suceden varias cosas al mismo tiempo. Una escena prodigiosa, porque los acontecimientos que suceden al mismo tiempo son de naturaleza muy distinta, y van acompañados de una música que refleja perfectamente esos cambios, creando un suspense tremendo, un viaje directo del cuento de hadas al infierno. Además de Carrie y su madre, hay otros personajes, interpretados algunos de ellos por jóvenes promesas de la época: Chris Hargensen, la mala malísima, es Nancy Allen, actriz habitual en los films de los 70 de Brian De Palma, y está perfecta interpretando a una memorable villana, caprichosa, vengativa y viciosa, una auténtica zorra. También sale John Travolta, antes de hacerse superfamoso con Fiebre del Sábado noche, en el papel de Billy Nolan, el novio de Chris, otro de los malos, chulo, macarra y de pocas luces. La chica buena y auténtica heroína de la peli es Sue Snell, interpretada por Amy Irving; y su novio, el bueno y guapo Tommy Ross, es William Katt, que después alcanzaría la fama con la serie El gran héroe americano. Otro personaje importante, el de la señorita Collins, la profesora de gimnasia, una especie de ángel protector o de hada madrina para Carrie, fue interpretado por Betty Buckley (Abby en la serie Con ocho basta). Carrie es una película muy setentera, pero no se ve envejecida hoy en día, y sigue siendo tan impresionante, conmovedora y brutal como entonces. Un macabro cuento de Cenicienta, una joyita irrepetible.

No profanar el sueño de los muertos: La máquina que fabricaba zombies

2010-05-31T19:25:00.001+02:00

No profanar el sueño de los muertos (Non si deve profanare il sonno dei morti), es una coproducción hispano-italiana de 1974, con director español, Jorge Grau, y rodada y ambientada en Inglaterra. Esta mezcla es un poco para echarse a temblar, sin embargo, nos hallamos ante una rara joyita dentro del cutre y olvidable panorama setentero del cine fantástico español; una de esas pelis a rescatar, junto con unas pocas, como las de los templarios de Ossorio y Pánico en el Transiberiano, de Eugenio Martín. Es una cinta del subgénero zombie, y según confesó su propio director, un homenaje a La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero. La localización inglesa le da un aire muy british y bastante cool para su tiempo. Además tiene una parte de denuncia ecologista, muy ligada a la mentalidad hippy de la época. La pareja protagonista son un chico y una chica que, sin conocerse, se ven obligados a viajar juntos por la campiña inglesa cuando el coche de ella choca contra el de él. En un ambiente de tranquilidad y bucólicos paisajes, empiezan a suceder cosas extrañas. La chica tiene un encontronazo con una especie de psicópata desquiciado que intenta agredirla, pero lo más terrorífico es que la descripción corresponde con un vagabundo que había muerto unos días antes. Los cadáveres se levantan de sus tumbas y tienen ansia de carne humana. El motivo de este cataclismo, como siempre, es la acción humana; resulta que en la zona están usando una nueva máquina para eliminar las plagas de insectos, que funciona con ultrasonidos, y eso tiene un “pequeño” efecto colateral: los ultrasonidos actúan sobre el sistema nervioso de los muertos recientes, resucitándolos y provocando una furia asesina en ellos. La delirante explicación es que, en los muertos, el sistema nervioso sigue funcionando primariamente por un tiempo. Pero es que ese efecto también se produce en los bebés, ya que su sistema nervioso es todavía rudimentario, o algo así. El argumento es muy surrealista y no hay por donde cogerlo, pero así son todas las pelis de zombies, ¿no? El suspense se va introduciendo de forma magistral en medio de la naturaleza tranquila y silenciosa. Pero cuando empieza la acción, no da mucho miedo que digamos; vista hoy en día, hay escenas cutres y divertidas sin pretenderlo. Reacciones un poco absurdas, persecuciones que parecen improvisadas, y los muertos vivientes van muy despacito, tanto que te preguntas cómo pueden coger a alguien, pero eso es lo normal en las películas de aquella época, también en las del maestro Romero. Recuerdo que echaron esta peli en la tv hace unos 30 años, en el espacio Mis terrores favoritos, de Chicho Ibáñez Serrador. Al día siguiente todo el mundo comentaba lo sangriento que era el film. Y la verdad es que hay algunas escenas gore, con los resucitados descuartizando y comiendo corazones e higadillos, que te revuelven un poco el estómago. El reparto, compuesto tanto por actores españoles como ingleses, está muy a la altura. La pareja protagonista está interpretada por Cristina Galbó, muy guapa y con aire británico, y Ray Lovelock, en un papel de joven hippy idealista. Hay un policía reaccionario y bastante borde, encarnado por Arthur Kennedy. La mejor es Jeannine Mestre, que interpreta a la hermana yonki de la prota, y que está genial con cara de alucinada y ojos desorbitados. En fin, que ésta es una película de culto, un clásico entrañable del género; no pasas mucho miedo viéndola, pero lo pasas bien.

Jóvenes ocultos: Jóvenes vampiros ochenteros

2010-05-24T19:57:00.007+02:00

Otra de las pelis de la colección de terror de El País, que tanto trabajo me ha costado conseguir, es Jóvenes ocultos (The lost boys), de Joel Schumacher. Hace unas cuantas semanas la volví a ver por tercera o cuarta vez y me ha vuelto a gustar, aunque ya se le van notando los años, pero da igual. Es una película de 1987, que junto con la emblemática y recordada (bueno, al menos por mí) Noche de miedo, de 1985, representó un nuevo tratamiento del género vampírico, esta vez desde el punto de vista de los adolescentes; una temática que ahora está muy de moda, pero que en aquella época era bastante novedosa. Aquí no tenemos el melodrama romántico de la saga de Crepúsculo (que también me encanta), sino una comedia de acción juvenil muy de los 80. La historia comienza cuando los hermanos Michael, de unos 16 años, y Sam, de unos 12, tras el divorcio de sus padres, llegan con su madre a Santa Carla, un pueblo costero de California, donde van a vivir con su abuelo. Es un lugar donde algo oscuro flota en el ambiente, desde el principio se ve que pasan cosas raras, como que desaparece gente sin explicación. Michael empieza a salir con una banda de jóvenes liderada por David, un motero siniestro, su carácter cambia y comienza a sufrir una extraña transformación… Su hermano Sam, junto con los hermanos Frogg, dos chicos de su edad que dicen ser cazavampiros, intentará ayudarle. La película está claramente dirigida a la juventud de aquel tiempo; la estética, las canciones, la convierten en un producto totalmente ochentero. Viéndola ahora parece muy desfasada y hortera, pero hay que ponerse en la época, y en aquella época todo resultaba de lo más cool y moderno. Hay algo de terror, aunque no es que dé mucho miedo, y menos vista hoy en día, y bastantes dosis de acción y comedia. El humor viene de la mano de algunos de sus personajes: los hermanos Frogg, interpretados por Jamison Newlander y el muy carismático Corey Feldman, y también Sam, interpretado por Corey Haim. Los dos Coreys, como se les conocía entonces, fueron estrellas infantiles y juveniles de la época, participando juntos o por separado en producciones exitosas, como Los Goonies, Cuenta conmigo, Lucas, Papá Cadillac... Por cierto, el pobre Corey Haim murió hace poco de sobredosis, parece ser que el peso de la fama pudo con él. Corey Feldman sigue en activo, afortunadamente, y le podemos ver de vez en cuando, aunque sea en subproductos de serie b. Casi todos los actores de Jóvenes ocultos fueron jóvenes promesas que hoy están medio olvidados. La pareja romántica protagonista está interpretada por Jason Patric y Jami Gertz. Jason Patric fue uno de los guapos oficiales de los 80 y 90, pero nunca ha llegado a ser demasiado famoso (su película más relevante yo creo que es la estupenda Sleepers, de 1996). Jami Gertz era otra de las musas del cine teen ochentero, como Molly Ringwald, y como Molly Ringwald, ha quedado un poco relegada a la tv y el dvd. Aquí interpreta a Star (Estrella en el doblaje español), la enamorada de Michael, una chica bohemia que va a todos lados con su hermana pequeña y también esconde algún secretillo… El que sí es conocido es Kiefer Sutherland, hijo del gran Donald Sutherland, un actorazo como su padre, que actualmente triunfa con el thriller televisivo 24, y que está muy bien en su papel del perverso y delirante David, el líder de los moteros. También tenemos a la fantástica Diane Wiest, actriz que toca todos los palos, y que aquí lo borda en el rol de sufrida madre de Sam y Michael. Jóvenes ocultos es una película de culto, lo fue casi desde su estreno, aunque está claro que no es una obra maestra, pero fue original en su época, divertidísima, y con un estilo propio. Adecuada para nostálgicos, como yo, de los 80. Por cierto, se han hecho dos secuelas en dvd, pero prefiero no verlas.

Malditos bastardos: Cazadores de nazis

2010-05-23T14:10:00.002+02:00

Malditos bastardos (Inglorious basterds), es la última peli del iconoclasta y gamberro Quentin Tarantino, el antiguamente llamado “niño terrible de Hollywood”. En el cine no la quise ver, no me llamaba mucho la atención, pero después dijeron que era una de las nominadas al oscar a mejor película, y como yo siempre me vendo a la industria de Hollywood, pues decidí que la vería en dvd. La cinta es una mezcla de comedia negra y thriller de espionaje, con escenas de acción y altas dosis de violencia, como es habitual en su director. Está ambientada en la Segunda Guerra Mundial, en la Francia ocupada por los alemanes. Allí se cruzan los destinos de varios personajes y sus distintas historias. Una de ellas es una historia de venganza: la de Shosanna Dreyfus, una chica judía que ve cómo el malvado coronel Hans Landa asesina a toda su familia; ella consigue escapar a París, donde años después la vemos convertida en dueña de un cine. Otro personaje es el teniente Aldo Raine, que lidera una especie de grupo de la Resistencia: unos soldados, conocidos como Los Bastardos, que se dedican a cazar nazis y cortarles las cabelleras en plan apache (todo muy salvaje, así es Tarantino, los que hemos visto todas sus pelis ya lo sabemos). Este grupo recibe la orden de realizar una misión que podría derrocar al Tercer Reich, y para eso tienen que entrar en contacto con Bridget Von Hammersmark, una actriz alemana que trabaja como agente secreto de los aliados. La misión la tienen que llevar a cabo en el cine que dirige Shosanna, donde se va a proyectar una película de propaganda nazi a cuyo estreno van a acudir los principales dirigentes del partido, entre ellos el propio Hitler. Malditos bastardos tiene los dos ingredientes que nunca faltan en el cine de Tarantino: mucha palabrería y mucha violencia, pero de una forma que no resulta aburrida (bueno, a ratos creo que se excedía un poco). Las escenas se alargan porque los personajes hablan y hablan, y parece que no va a pasar nada, pero al mismo tiempo estás en tensión porque sabes que sí que va a pasar algo, hasta que se produce un brutal estallido de violencia, y entonces te das cuenta que Tarantino tiene destellos de genio. Esto lo ha demostrado en joyitas como Pulp fiction y Kill Bill (a mí me gusta más la 2, me parece más redonda que la 1, pero es cuestión de gustos). Lo mismo pasa en Reservoir dogs, ya que mientras la estás viendo lo pasas fatal, pero al mismo tiempo te das cuenta de lo buena que es la peli. En Death proof se le va mucho la olla, al final ya me resultaba un poco insoportable. Malditos bastardos también tiene partes donde yo pensaba que se había pasado tres pueblos (es que no soy muy de humor negro, lo reconozco). Pero luego hay escenas prodigiosas, como la primera, que te mantiene en vilo con un duelo psicológico hipnótico e influencias del spaghetti western; ese único fragmento ya es toda una lección de cine por sí solo. También hay que hablar de Christoph Waltz, ganador del oscar al mejor actor secundario por su impresionante interpretación del malísimo coronel Hans Landa, un psicópata sociable y carismático, que habla todos los idiomas del mundo, un auténtico lobo disfrazado de cordero. Las chicas de la peli son Mélanie Laurent (Shosanna), que no sé quién es pero lo hace muy bien, y Diane Kruger (Bridget), que está absolutamente espléndida. Brad Pitt es Aldo Raine, el líder de los Bastardos, en un papel caricaturesco y desmelenado, se nota que se lo ha pasado en grande. Recomiendo ver la peli en versión original, porque oírle chapurreando en italiano con acento americano, en una de las escenas más cómicas del film, no tiene precio. También sale Daniel Brühl haciendo de oficial nazi, en un rol que me pareció ambiguo y sorprendente. En conjunto me gustó la película, porque tiene momentos magistrales, aunque haya tanto diálogo y tanta violencia, no sé si gratuita, pero hay que reconocer que Tarantino, el niño terrible de Hollywood, es único e inimitable.

El discípulo: Jesucristo de Canal Sur

2010-05-17T12:13:00.001+02:00

El domingo 2 de mayo vi en el cine El discípulo, de Emilio Ruiz Barrachina. La película pretende ser un acercamiento a los últimos días en la vida de Jesucristo desde una perspectiva revolucionaria, presentándolo como un líder político y espiritual más que como ser divino e Hijo de Dios. Esta teoría, al parecer, viene avalada por estudios recientes de historiadores. La narración de los hechos se mezcla con escenas de una conversación entre dos evangelistas, Lucas y Juan, cada uno con su propia versión de la historia: Lucas defiende la idea tradicional y mística, la de que Jesús era el Salvador y el Elegido para traernos el Reino de Dios; la opinión de Juan es mucho más desmitificadora: Jesús luchaba para liberar al pueblo de Israel de la invasión romana, daba discursos sobre una nueva era y sobre el Reino de los Cielos, en plan iluminado, e intentaba ayudar a la gente, pero sus acciones no eran milagrosas ni mucho menos. Está claro que la teoría de Lucas es la que ha llegado hasta nosotros. La película, como veis, es muy transgresora y podía haber sido muy polémica y muy interesante, pero para eso tendría que haber estado bien hecha, y no es así. El director, al parecer, es documentalista de Canal Sur, y se nota. Seguro que Canal Sur tiene documentales buenísimos, y esta peli hubiera estado muy bien como documental, pero como medio-ficción resulta muy cutre y rodada con pobreza de recursos. A mí eso normalmente no me importa, hay muchas películas que son cutres pero entrañables, o emocionantes, pero ésta sólo es aburrida y chapucera. Parece un vídeo casero: el montaje, la fotografía, la ambientación, todo es artesanal, en el mal sentido de la palabra. La cinta está rodada en pueblos de Granada y Almería y salen bonitas imágenes de olivos, castillos andaluces y desiertos almerienses, pero el color parece de super 8 (a lo mejor lo han hecho a propósito para que resulte más naif, no sé). La bso está compuesta de música clásica y melodías flamencas, para que no se nos olvide quién produce la peli; vamos, que a ratos parece que estás viendo un espacio de esos que nos ponen en la tv andaluza de relleno para promocionar los pueblos de aquí. Los actores también están fatal; Jesucristo es un tal Joel West, que está muy sobreactuado. Según el guión, su personaje es un Jesús fanático, a veces iracundo y a veces melancólico, pero lo único que hace es poner todo el tiempo cara de cabreado, no tiene más registros. Supongo que para darle proyección internacional, la mitad de los actores son españoles y la otra mitad ingleses, o anglosajones. La Virgen María es una tal Marisa Berenson, que por lo visto es una vieja gloria, y su personaje también es muy desmitificador porque tiene más hijos, o sea, que no es virgen, pero yo aquí lo único que veo es una vieja actriz con gesto de sufridora y rostro operado. María Magdalena es Ruth Gabriel, que nadie se acordará pero era la protagonista de Días contados, una peli de Imanol Uribe, de 1994, sobre terrorismo y bajos fondos madrileños. Es una mujer que, sin ser muy guapa, tiene cierto morbo, y como es la que mejor actúa de la peli, está bastante bien en su papel, también de sufridora y enamorada de Jesús. El más conocido es Juanjo Puigcorbé, que interpreta a Poncio Pilatos, cuya escena más relevante es cuando se lava las manos, pero porque estaba comiendo uvas. El pobre actúa como resignado y hace lo que puede con este guión tan malo. A los demás actores no los conozco; hay muchos ingleses, como he dicho antes, pero además es que tienen cara de ingleses. A veces me recordaba a La vida de Brian, parecía que de un momento a otro se iban a poner a cantar: “Always look on the bright side of life, lala lalalaaaaa…….”. Hay escenas de lucha y acción, pero también parecen cómicas. Yo no me di cuenta, pero Javi asegura que vio morir a uno ¡dos veces! (¿sería que lo había resucitado Jesús?). La película podía haber sido muy polémica, podía haber sido de las que critican en la Cope, con manifestaciones a la puerta de los cines y el Papa excomulgando a los guionistas, pero, como es tan mala, nadie se la va a tomar en serio. Que nadie se ofenda, yo soy andaluza, pero por favor, Canal Sur que trate estos temas en documentales y deje la ficción para series como Arrayán.

Alicia en el País de las Maravillas: Regreso a Wonderland

2010-05-06T18:08:00.005+02:00

El sábado 24 de abril vi en el cine Alicia en el País de las Maravillas (Alice in Wonderland), de Tim Burton, director sobradamente conocido que nos ha regalado multitud de obras en las que recrea sus mundos originales, fantasiosos y oscuros: Mars attacks, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate… Ahora nos trae su particular visión del clásico cuento de Lewis Carroll, pero no es un remake, sino una secuela. La historia tiene lugar 10 años después de que Alicia visitara el País de las Maravillas. Ahora tiene 19 años, su padre ha muerto y su madre le ha preparado una boda de conveniencia con el hijo de un lord (estamos en el siglo XIX). Cuando está en la fiesta en la que va a recibir la petición de matrimonio de su prometido, que es un pánfilo total, Alicia escapa siguiendo a un conejo blanco, entra en una madriguera y llega hasta el País de las Maravillas, como la otra vez, aunque no recuerda nada de aquella visita. Allí vuelve a encontrarse con los extraños habitantes del lugar: el Gato de Cheshire, la Oruga Fumadora, los gemelos Twedledee y Twedledum, el Conejo Blanco, el Sombrerero Loco y la Liebre de Marzo… pero ella sigue sin acordarse de nada. También se encuentra con la Reina Roja, la villana de su anterior viaje, que gobierna en todo el país porque le ha quitado el poder a la Reina Blanca, su hermana y legítima soberana. Alicia se embarca en una aventura para ayudar a sus amigos a devolver el trono a la Reina Blanca. La película es toda fantasía y excentricidad, muy acorde con el estilo de Tim Burton. La mayoría de la gente la ha puesto fatal, dicen que no respeta la esencia de la novela. Yo leí la segunda parte, Alicia a través del espejo, además en inglés (toma ya, qué pedante soy), y creo que el director ha reflejado muy bien el carácter surrealista y enrevesado del texto (aunque no la crítica social y política), con sus jeroglíficos y juegos de palabras y sus irreverentes personajes. Alicia está interpretada por la joven Mia Wasikowska, que debuta con esta película, creo. Lo hace bastante bien y luce un vestuario espectacular. Johnny Depp es el Sombrerero, personaje que en las anteriores versiones era secundario, porque sólo aparecía con la Liebre de Marzo celebrando el no-cumpleaños, y aquí le han dado mucho protagonismo, por algo Johnny Depp es el actor fetiche de Tim Burton. El personaje es alocado, extravagante, histriónico, y a mí me sacaba de quicio. La malvada Reina Roja es Helena Bonham Carter, un personaje muy caricaturesco, con la cabeza hinchada por obra de los efectos digitales, histérica, caprichosa y maltratadora de animales. La angelical Reina Blanca es Anne Hathaway, en una actuación que parece una parodia de su papel en Hechizada o en Princesa por sorpresa. Esta obra ha tenido multitud de versiones en la gran y pequeña pantalla, pero siempre nos vendrá a la mente la peli animada de Walt Disney, de 1951, una de sus producciones más bizarras. La Alicia de Tim Burton es más oscura y barroca, un poco más adulta, pero tampoco mucho, ya que Disney también participa en la producción y seguro que ha estado ahí controlando para que el proyecto no se les fuera de las manos. A mí de todas formas me gustó, me metí bastante en la historia, maniquea, pero divertida, y visualmente es una maravilla, como no podía ser menos.

Furia de titanes: Aventuras mitológicas

2010-05-01T20:23:00.002+02:00

El domingo 18 de abril vi en el cine Furia de titanes (Clash of the titans), remake de la película del mismo título de 1981, dirigida por Desmond Davis. Ésta la dirige Louis Leterrier, responsable de Transporter 1 y 2 y de Hulk 2 (horror), pero también de Danny the dog (menos mal). Tanto la primera Furia de titanes como ésta cuentan una versión libre del mito de Perseo; la primera cambiaba unas cuantas cosas de la leyenda original, y ésta cambia más todavía. Perseo era un héroe mitológico de la antigua Grecia, hijo de Zeus, el padre de los dioses, y de una mortal, Dánae. Siendo aún recién nacido, el marido de Dánae, Acrisio, los encierra en un cofre que arroja al mar. Un pescador los encuentra, salva al niño, porque la madre está muerta, y Perseo crece con él y su familia. Éste es el principio de la película, y tiene bastantes diferencias con la leyenda, pero no las voy a contar, no os preocupéis. Después de algunos avatares, Perseo, ya adulto, llega a Argos, ciudad donde ha caído una maldición porque sus habitantes han ofendido a los dioses y éstos anuncian que aniquilarán a la población si no les entregan a la princesa Andrómeda en sacrificio. Perseo, con más hombres (y una mujer, la sacerdotisa Io), se embarca en un viaje contrarreloj para intentar salvar a Andrómeda. Les suceden múltiples aventuras, que incluyen luchar con escorpiones gigantes en un desierto, donde viven una especie de tuaregs con cara de árboles, ir a visitar a las Grayas, tres brujas videntes con un sólo ojo (para las tres) y viajar al inframundo, reino del dios Hades, para matar a la peligrosísima Medusa y cortarle la cabeza. La película, como es lógico, es muy espectacular y tiene efectos impresionantes; yo me lo pasé muy bien viéndola. Parece que no ha tenido mucho éxito, la gente (sobre todo los de mi edad), la ha puesto a parir porque la comparan con la de 1981, pero yo creo que es un error comparar, porque son totalmente distintas. La del 81 es un producto típico ochentero, entrañable, imaginativa, es pura fantasía y los efectos especiales de stop motion, obra de Ray Harryhausen, son maravillosamente artesanales. En la Furia de titanes actual la magia de los efectos es digital, con el añadido del 3D (yo la vi en 2D, pero sigue siendo espectacular), también hay fantasía, pero hay más acción y ritmo vertiginoso. No creo que la actual sea peor por eso, sólo es más moderna. La Furia de titanes antigua es para mí una película emblemática e inolvidable, más que nada por la época, pero ésta también me gustó mucho. En la antigua teníamos a Laurence Olivier haciendo de Zeus, a Ursula Andress de Afrodita, y Perseo era el galán de la época Harry Hamlin, pero aquí tenemos a actorazos como Liam Neeson haciendo de Zeus y Ralph Fiennes de Hades, y Perseo es Sam Worthington, que me parece un actor con mucho carisma, ya lo dije en mi crítica de Avatar, y aquí está muy bien en su papel de héroe atormentado e introspectivo, porque en la Furia de titanes de 2010 también hay drama psicológico. Io y Andrómeda son Gemma Arterton y Alexa Davalos, actrices a las que no conozco de nada. El personaje de Io está totalmente metido con calzador y no tiene nada que ver con la leyenda original. Lo que más le reprocho a este remake es que hayan cambiado el mito como les ha dado la gana (también lo hicieron en la primera, pero menos), pero aparte de eso, yo creo que es un espectáculo digno de ver y entretenidísimo, y con eso me basta.

An education: Iniciación a la vida

2010-04-27T17:10:00.004+02:00

El viernes 16 de abril vi en el cine otro de los films que han estado nominados este año al oscar como mejor película: An education, de Lone Scherfig, realizadora danesa que dirigió en su país Italiano para principiantes (2000) y Wilbur se quiere suicidar (2002), comedia y drama románticos con sello europeo y aire de cine independiente. An education es una película de nacionalidad británica, un melodrama romántico ambientado en Inglaterra en 1961. La protagonista y heroína absoluta es Jenny, una joven de 16 años guapa, inteligente y estudiosa, que toca el chelo, estudia francés, está terminando sus estudios en un estricto colegio de señoritas y quiere ir a la Universidad de Oxford (vamos, divina de la muerte). Pero un día conoce a Peter (creo que se llamaba así el personaje, no me acuerdo muy bien), un atractivo hombre de 35 años, y comienzan una relación. Jenny entra en un mundo fascinante de viajes, cenas, clubs nocturnos, y accede a la vida social y cultural de la época. Entonces se le plantea el dilema de si continuar con Peter y su emocionante existencia, o ir a la Universidad y seguir estudiando, lo cual había sido su sueño por el que había luchado siempre. El film me pareció que estaba fundamentalmente dirigido al público femenino, con mensaje vital de superación, componente romántico, y con bastantes tópicos, la verdad. Es una película que pretende ser revolucionaria y transgresora, en cierto modo, aunque a mí me pareció bastante típica, pero claro, también hay que ponerse en el contexto de la época. Lo mejor, en mi opinión, son algunos de los actores, pero no los protagonistas. La joven Carey Mulligan, que interpreta a la prota, fue nominada al oscar como mejor actriz, la peli está hecha para su total gloria y lucimiento, y todo el mundo ha alabado su fantástica actuación; a mí no me gusta, no sé si es ella o el personaje, pero me parecía una niña bastante sabihondilla y repelente. Peter Sarsgaard, su pareja en la ficción, tampoco me convenció mucho; es un actor que siempre me ha parecido muy guapo y con carisma, pero aquí se nota que le pesan los años (y los kilos), o estaría en horas bajas, porque no le veo yo que dé la talla para interpretar a un galán encantador, tan encantador que hasta es capaz de camelarse a los padres de su novia adolescente, ni tampoco vi mucha química entre los dos enamorados. No, lo mejor no son los protagonistas, sino los secundarios: Danny y Helen, la pareja de amigos alocados de Peter, interpretados por Dominic Cooper, un actor con un carisma tremendo (deberían ofrecerle algún papel interpretando a Federico García Lorca, porque se parece un montón), y Rosamund Pike, estupenda en un papel de rubia tonta y entrañable; los padres de Jenny, interpretados por Alfred Molina (genial) y una tal Cara Seymour; la triste profesora (Olivia Williams), y la estricta directora del colegio (Emma Thompson), mujeres que han renunciado a su vida personal por la enseñanza (ya que el trabajo y la familia eran incompatibles para ellas). An education me pareció una cinta entretenida, con vocación de profunda pero que se queda un poco en lo previsible, ya que lo que nos cuenta nos lo han contado otras veces de mil formas distintas. Lo que más me gustó, aparte de los actores secundarios, fue la parte de drama romántico y la ambientación y banda sonora del Londres sesentero.

Acantilado rojo: Batallas épicas chinas

2010-04-15T17:03:00.002+02:00

El domingo 28 de marzo vi en el cine Acantilado rojo (Chi bi), de John Woo, un realizador que nació en China y creció en Hong Kong, donde comenzó a dirigir películas de acción con actores orientales como Chow Yun-Fat y Tony Leung, continuando después su carrera en USA, donde siguió dirigiendo películas de acción, pero ahora con actores americanos como Nicolas Cage, John Travolta y Christian Slater. Acantilado rojo es una película épica china compuesta originalmente por dos partes, durando en total unos 280 minutos, pero en la versión occidental las han reducido a una sola cinta, que dura 148 minutos. Narra la batalla del Acantilado Rojo, extraída de una novela histórica china, El Romance de los Tres Reinos, escrita en el siglo XIV. La acción se sitúa en el año 208 D.C., cuando China estaba dividida en varios reinos. Cao Cao, el primer ministro del reino del norte (el reino de Han), que es el malo malísimo de la película, convence al emperador, que es muy manipulable, para declarar la guerra e invadir a los otros reinos. Él dice que es para unificar el país en un solo reino, pero en realidad lo que quiere es gobernar sobre todos en plan dictador. Primero su ejército ataca a los reinos de Xu al oeste y el este, haciendo huir al pueblo, y después se dirige hacia el reino del sur (el reino de Wu). Los generales del reino de Xu deciden enviar a un emisario, Zhu-Ge Liang, al reino de Wu, para intentar hacer una alianza con ellos antes de que el malo los invada a todos. Supongo que os habréis hecho un lío con tantos nombres chinos, normal. Del reparto sólo conozco a Tony Leung, que ya había trabajado anteriormente con el director, en su etapa de Hong Kong, y con otros directores como Wong Kar-Wai, y que aquí interpreta a Zhou Yu, el virrey del reino del sur y general, o comandante, o lo que sea, del ejército. Este personaje es uno de los principales de la peli, junto con el de Zhu-Ge Liang, el emisario, que es estratega, filósofo y poeta, y está interpretado por el guapísimo Takeshi Kaneshiro. Otros personajes importantes son: Cao Cao, el villano; Xiao Qiao, la guapa y angelical esposa de Zhou Yu; y también una princesa guerrera, cuyo nombre no recuerdo. También soy incapaz de saber los nombres de los actores que los interpretan. Es una película muy épica, muy bélica, y muy larga, pero no se me hizo nada pesada. Como buena peli oriental, tiene una parte poética, reflexiva y minimalista, recreándose en los detalles y las ceremonias chinas, sin resultar aburrida ni lenta. Pero la mayor parte del metraje se dedica a mostrarnos las estrategias de los ejércitos y el arte de la guerra; a mí nunca me ha parecido que la guerra sea un arte, sino algo que no debería existir, y a pesar de eso está contada de una forma que se te hace apasionante. La acción no tiene el estilo característico vertiginoso de John Woo; es espectacular, pero realista (aquí no hay flechas voladoras ni guerreros haciendo acrobacias imposibles). La fotografía es impresionante (sobre todo las imágenes aéreas de los ejércitos en formación), y la banda sonora está llena de melodías bellas y tristes. Total, que es una película muy recomendable y fantástica en el aspecto técnico y estético; el argumento no es que sea muy profundo, en realidad es bastante ingenuo, pero tiene el encanto de las antiguas leyendas.

El libro de Eli: Apocalíptica y ultrarreligiosa

2010-04-09T20:05:00.006+02:00

El miércoles 31 de marzo, en vísperas de jueves santo, vi en el cine una peli muy adecuada para estas fechas: El libro de Eli (The book of Eli), de los hermanos Albert y Allen Hughes, que dirigieron en 2001 Desde el infierno, adaptación del comic de Alan Moore sobre los crímenes de Jack el Destripador con Johnny Depp y Heather Graham. El libro de Eli es una película con estilo de western, temática apocalíptica y mensaje muy, muy religioso. Esta vez la humanidad se ha destruido a causa de una guerra nuclear (aunque, como en toda buena peli postapocalíptica, el motivo es lo de menos; lo importante es que la humanidad se destruya). La acción se sitúa 30 años después del desastre, cuando la gente empieza a organizarse en comunidades entre los restos de la antigua civilización. Hay anarquía, escasez y lo más preciado es el agua. El prota, encarnado por Denzel Washington, es un viajero solitario que lleva caminando desde entonces (30 años andando, qué fatiga) con la misión de llevar un misterioso libro hacia el oeste. En su peregrinaje llega a uno de estos pueblos en plan far west donde el cacique que lo gobierna, que es el malo malísimo y está interpretado por Gary Oldman, está obsesionado con quitarle el libro. ¿Y por qué? Porque éste contiene nada menos que la clave para el resurgir de la civilización y la esperanza para la salvación de la humanidad, ahí es nada, pero claro, el malo malísimo lo quiere utilizar para controlar a la gente y mandar más todavía. ¿Qué contendrá el misterioso libro? Supongo que todo el mundo lo sabe, pero yo no digo nada, que luego me regañáis… El escenario decadente y desolado de El libro de Eli es muy parecido al de Mad Max: carreteras desiertas y peligrosas, bandas de moteros criminales, y pequeñas sociedades semicaóticas donde la gente comercia con los más variados objetos que son recuerdos de un mundo extinguido. El film tiene bastante acción, violencia coreografiada y una fotografía fascinante de colores pálidos, casi en blanco y negro. También me gustó la banda sonora, con sonidos electrónicos y con mucha fuerza, o a mí me lo pareció. Denzel Washington hace de héroe de acción duro y atormentado, vamos, lo típico, y lo hace bien. Gary Oldman está convincente de villano, un rol al que está acostumbrado, aunque aquí hace de villano envejecido. La chica guapa y guerrera de la peli es una tal Mila Kunis, que también está muy bien en su papel, y también sale una vieja gloria como es Jennifer Beals, la chica de Flashdance. El argumento es muy surrealista y tremendamente religioso, como he dicho antes, así que, si odiáis los mensajes morales en las películas, mejor no la veáis, o intentad olvidar el mensaje para poder disfrutarla mejor. Yo me lo pasé muy bien viéndola, aunque el guión tiene muchas incoherencias y fantasmadas que no hay quien se las crea, pero es muy entretenida y la atmósfera me pareció muy sugerente.

El mal ajeno: Médico y sanador

2010-03-29T21:40:00.010+02:00

El sábado 20 de marzo vi en el cine El mal ajeno, dirigida por Óskar Santos, producida por el ya todopoderoso Alejandro Amenábar y escrita por Daniel Sánchez Arévalo, que ha dirigido éxitos recientes del cine español como Azuloscurocasinegro y Gordos. El mal ajeno es una mezcla de drama hospitalario y thriller sobrenatural, concebida para el lucimiento de Eduardo Noriega y un poco de Belén Rueda (un poco, porque su papel es secundario, ya que el prota y héroe de la trama es Noriega). Aquí interpreta a Diego, un médico que trabaja en la Unidad del Dolor (qué chungo suena eso) de un hospital, así que sus pacientes están todos fatal; de hecho, cuando describen sus males, se te pone la carne de gallina. Después de años presenciando tanto sufrimiento, está inmunizado y no se implica con los problemas de los pacientes (sólo para intentar curarlos, claro), como les pasa a todos los médicos, si no no lo aguantarían, creo yo. El pobre también está amargado porque está pasando una crisis con su mujer, que es enfermera en el mismo hospital que él, y no se entiende mucho con su hija adolescente y rebelde; hasta aquí tenemos el perfil típico de personaje de drama psicológico o familiar. Un día, de forma inesperada (no cuento cómo porque luego todo el mundo me dice que destripo los argumentos de las pelis), recibe el don de curar a la gente sólo con tocarles con las manos. Pero ¿es realmente un don?... La película tiene aire de telefilm, de tal forma que parece un capítulo de Hospital Central con elementos paranormales, o una combinación de capítulo de Hospital Central y de capítulo de Más allá del límite, aunque hay más trama hospitalaria que trama sobrenatural; no hay efectos especiales y sí mucho agobio de enfermedades y también bastante intriga, por lo menos yo tenía curiosidad a ver qué pasaba. Es más un drama médico y psicológico, o un thriller, que una cinta de fantasía. Eduardo Noriega está bastante bien en su papel; es uno de estos actores que a la gente no le gusta mucho, no sé por qué, yo creo que es muy bueno, pero yo es que soy muy rara. Belén Rueda tiene un papel que si lo quitas no afectaría mucho a la trama, está como de mujer florero, o de mujer sufridora; me recuerda a la heroína doliente de Mar adentro, pero más demacrada. Cristina Plazas interpreta a la mujer de Diego; a esta actriz de grandes ojazos y voz grave no creo que la conozca mucha gente, pero sale en Los hombres de Paco, donde está magnífica, y aquí también lo está. La hija adolescente es la maravillosa Clara Lago, ésta sí es más conocida (empezó de niña prodigio en El viaje de Carol y después no ha parado de hacer películas, la última, para su total lucimiento, fue El juego del ahorcado). Otro papel importante es el de Angie Cepeda, una actriz colombiana a la que vi en una comedia llamada Un tipo corriente, con Ricardo Darín, y que ahora sale en la serie Los protegidos. A mí me pareció una peli interesante, me mantuvo todo el tiempo con la intriga, aunque el final es un poco atropellado y te dan todas las explicaciones de golpe, pero eso suele pasar. Adecuada sobre todo para fans de Hospital Central o Urgencias a los que no les molesten las tramas paranormales.

Los hombres que miraban fijamente a las cabras: Comedia mística

2010-03-21T21:34:00.004+01:00

El miércoles 10 de marzo vi en el cine Los hombres que miraban fijamente a las cabras (The men who stare at goats), de Grant Heslov. Es una comedia de humor bastante absurdo y surrealista en la que podemos ver (y disfrutar) a un plantel de actorazos: George Clooney, Jeff Bridges, Kevin Spacey y el super atractivo (o a mí me lo parece) Ewan McGregor. Éste interpreta a Bob Wilton, un reportero enviado a Irak, donde hace amistad con un antiguo soldado llamado Lyn Cassady (George Clooney), que asegura haber pertenecido a una división de “soldados psíquicos”, entrenados por el ejército de USA para usar sus poderes mentales en las batallas. Ahora tiene la misión de buscar a Bill Django (Jeff Bridges), el creador de este método y de la división, que está desaparecido. Bob decide acompañarle en su búsqueda por el desierto irakí y, entre los delirantes relatos y las increíbles hazañas de Cassady, les suceden múltiples aventuras. A mí me resultó una comedia simpática y agradable. Al pincipio todo es una parodia de la filosofía zen, el budismo, e incluso se meten con la figura de los caballeros jedi de La guerra de las galaxias; al final me dio la impresión de que no era tan parodia. Los personajes son bastante hilarantes y absolutamente entrañables. Me gustó ver a George Clooney en un papel cómico, lejos de su registro habitual de galán, haciendo payasadas, convencido de su poder psíquico, y a Ewan McGregor con cara de despistado y alucinado toda la película. Te partes de risa viendo a Jeff Bridges haciendo de militar hippy (sí, sí, militar hippy), convertido en maestro espiritual de un grupo de soldados que hacen yoga y tai-chi (el Ejército de la Nueva Tierra, nombre de secta), con el mismo look del personaje de El Nota de El gran Lebowski, de los hermanos Coen. También está genial, como siempre, el maravilloso Kevin Spacey, en un papel antipático. Es una peli de humor ligero y blanco, que se ve con facilidad; yo lo agradezco, porque no soy mucho de humor negro y odio las comedias gruesas y escatológicas que están tan de moda ahora (estoy hablando como una auténtica señora puritana, pero qué le vamos a hacer, es que me va todo lo light, excepto en la comida, que soy más bien de comida basura). En general, no es una película que te haga reír a carcajada limpia todo el tiempo, pero tiene sus momentos y yo creo que te mantiene la sonrisa mientras la estás viendo; después, tampoco es que te haga reflexionar ni te cambie la vida (tampoco lo pretende), pero a mí por lo menos me dio buen rollito, un rollito hippy setentero.

En tierra hostil: Artificieros

2010-03-14T02:57:00.005+01:00

El domingo 7 de marzo vi en el cine En tierra hostil (The hurt locker), la peli triunfadora en los oscars este año. Se ha llevado 6, incluyendo mejor película y mejor director, en este caso directora, Kathryn Bigelow, especializada en thrillers y cintas de acción, como Acero azul, Le llaman Bodhi y Días extraños. También es la ex–mujer de James Cameron, al que ha vencido en los oscars, ya que él estaba nominado por Avatar (eso seguro que ya lo sabéis, ya sé que os gustan las crónicas rosas, pillines). En tierra hostil narra el día a día de una brigada de desactivadores de explosivos, perteneciente al ejército de USA, que están en Irak; más bien es una cuenta atrás hacia el final de su estancia allí, que ha sido de un año, y hasta la llegada de su relevo. El jefe de este grupo de artificieros es el sargento James, que es un crack desactivando bombas, y también es muy arriesgado y muy temerario, tanto que tiene a sus dos subordinados, Sanborn y Eldridge, siempre en vilo, los pobres, que le aguantan porque están en el ejército y no tienen más remedio, que si no… La película nos muestra una serie de misiones en las que los protagonistas hacen su peligrosísimo trabajo desactivando todo tipo de artefactos explosivos: coches bomba, bombas enterradas bajo el suelo o detonadas a distancia por el móvil, bombas humanas… Además de enfrentarse al peligro de las explosiones, también tienen que enfrentarse al odio de la población irakí y a la paranoia de no saber si los que les están observando les van a disparar o van a detonar una bomba, qué estrés. A mí me gustó la peli, es una cinta potente, con tono realista y estilo semi-documental; no hay derroche de efectos especiales ni acción desmesurada hollywoodiense, aunque sí mucha emoción y tensión. Yo diría que el ritmo no es vertiginoso, pero sí hipnótico. Hay unas cuantas situaciones taquicárdicas, pero no hay carreras ni luchas inverosímiles. Lo que sí es un poco inverosímil es el personaje del sargento James; al principio parece el típico protagonista héroe-valiente-super-guay, pero pronto te das cuenta de que no está muy bien de la cabeza, vamos, que está un poco como una puta cabra. Eso me hizo no empatizar tanto con él y distanciarme un poco de la película. De todas formas, me parece bien que nos muestren las depresiones, miedos y obsesiones de los soldados yankis, reflejadas también a través del personaje de Eldridge y sus (lógicos) bajones anímicos. James está interpretado por un tal Jeremy Renner, que está muy bien en su papel, tiene mucho carisma, y que fue nominado al oscar, pero no ganó. Hay apariciones muy cortitas de Guy Pearce, Ralph Fiennes y David Morse. Yo creo que es una película muy buena y que se merece los oscars; a mí personalmente me gustó más Avatar, pero sólo porque es más entretenida y muy bonita estéticamente, yo es que soy así de superficial.

The lovely bones: Drama edulcorado

2010-03-08T20:11:00.004+01:00

El viernes 26 de febrero vi en el cine The lovely bones, dirigida por Peter “quién-lo-ha-visto-y-quién-lo-ve” Jackson, el director neozelandés que empezó con películas gore-trash como Mal gusto y Braindead-Tu madre se ha comido a mi perro, tuvo un período de transición con dos cintas de corte fantástico-transgresor y fantástico-gamberro (Criaturas celestiales y Agárrame esos fantasmas), y después se pasó a las hiper-mega producciones hollywoodienses de la saga de El señor de los anillos y King Kong. The lovely bones es una adaptación de Desde mi cielo, de Alice Sebold, una novela muy famosa y best seller. Cuenta la historia de Susie Salmon, una niña de 14 años que es secuestrada y asesinada en los años 70 por un vecino psicópata, y desde el cielo ve cómo continúa la vida de sus seres queridos en la tierra y las investigaciones que se hacen para encontrar al asesino, tanto por la policía como por su propia familia. El lugar en el que se encuentra ahora Susie es un mundo personal e idílico, donde tiene una amiga, Holly, otra niña muerta, que la acompaña y la guía; pero no es realmente el cielo, sino un estado de transición. Hasta que no consiga liberarse y dejar de mirar a la tierra, y también dejar que sus seres queridos sigan su camino, no podrá llegar a la siguiente y última etapa que es el verdadero cielo. El libro no lo he leído (lo tengo pendiente); creo que es bastante dramático y sórdido (el tema es escalofriante hoy en día), suavizado por el componente fantástico-celestial. La peli está mucho más suavizada, no se recrea nada en detalles escabrosos, aunque hay escenas de tensión, y al final resulta ser una combinación de drama sentimental, melodrama fantástico, thriller y a ratos incluso una comedia familiar. La peli me gustó y me enganchó bastante. Es melosa, con bonitas imágenes del cielo y canciones angelicales; a veces parecía un anuncio de compresas o la portada de un cd de relajación. Estaréis todos horrorizados, pero a mí esa estética me encanta. Me recuerda los posters que tenía en mi habitación con 15 años, con planetas, arcoiris, unicornios, y esas cursiladas, y es que una en el fondo sigue teniendo alma de quinceañera, qué le vamos a hacer. El mensaje también es muy místico, muy new age. La parte del cielo me tenía hipnotizada, sólo por la estética, qué superficial soy, y la parte de la tierra también me pareció muy interesante, con el drama familiar, en el que se muestra cómo afronta la tragedia cada personaje, y la búsqueda del psychokiller, cuya identidad los espectadores conocemos desde el principio, pero no los protagonistas. También me gustó la trama sobrenatural, con la confusión entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Era un poco como Entre fantasmas pero sin tener que aguantar a la repelente de Jennifer Love Hewitt, lo cual lo mejora bastante. Los actores son casi todos conocidos: la protagonista es Saoirse Ronan, la niña un poco maligna de Expiación, que, como en aquella peli, actúa estupendamente. Los padres de Susie son Mark Wahlberg y Rachel Weisz. También está Susan Sarandon, que interpreta a la excéntrica y hippy abuela de la niña, en un papel un poco delirante. Stanley Tucci está irreconocible en su papel del vecino psicópata, un personaje aparentemente gris y anodino, repulsivo y aterrador, por el que fue nominado al oscar al mejor actor secundario (no lo ganó). La actriz que interpreta a la hermana de Susie (creo que se llama Rose McIver), tiene un par de escenas muy, muy emocionantes. La estética ensoñadora y la mezcla de mundo fantástico y real me recuerdan a Camino, la maravillosa película de Javier Fesser, y también, inevitablemente, a Criaturas celestiales, pero sin la mala leche ni el lado perverso que tenía ésta. Cómo has cambiado, Peter Jackson, quién te ha visto y quién te ve.

El ataque de los muertos sin ojos: Terror cutre hispano de serie b

2010-03-07T13:53:00.004+01:00

El viernes 19 de febrero tuve la suerte de ver El ataque de los muertos sin ojos, una peli española de 1973, dirigida por Amando de Ossorio. La pusieron en Somos, un canal de la tv digital que emite películas españolas antiguas, y que está especializado en nuestro cine más entrañable y casposillo, aunque de vez en cuando también emite producciones de calidad. El ataque de los muertos sin ojos pertenece a la anterior categoría, la de películas entrañables y casposillas, pero en el buen sentido de la palabra. Es la segunda parte de una serie de cuatro cintas sobre el mismo tema: un grupo de monjes templarios que han vuelto a la vida, en forma de esqueletos, y van por ahí matando a la gente y sembrando el terror (normal), en distintos escenarios según la película. Las otras tres pelis son: La noche del terror ciego, El buque maldito y La noche de las gaviotas. La filmografía de Amando de Ossorio no es que sea muy variada, pero la temática es muy original y constituye una propuesta arriesgada y personal, y es de lo más interesante que se puede encontrar en el panorama fantástico español de los 70 (un panorama bastante desolador, por otra parte, creo yo). En realidad sólo puedo opinar de El ataque de los muertos…, que es la única que he visto completa, y de La noche del terror ciego, que pude visionar en parte hace unos 17 años, porque la pusieron en la tv y la pillé empezada (qué pena, me gustaría poder verla entera), pero me imagino que las otras serán parecidas (si alguien las ha visto, por favor, que me diga si estoy en lo cierto o no).

La acción de El ataque de los muertos sin ojos se desarrolla en la actualidad (de la época, o sea, en los 70), en un pueblo de no sé qué país, la verdad, donde, una noche de verbena, aparecen unos esqueletos encapuchados montando a caballo y cargándose a todo el mundo con sus espadas. Son los monjes-guerreros templarios, que fueron ejecutados en la Edad Media por cometer sacrificios humanos, y que han sido resucitados y vuelven para seguir matando. Después de hacer una escabechina con sus espadas entre la gente del pueblo, unos cuantos supervivientes se refugian en una catedral, donde buscan la forma de escapar y poder acabar con los mortíferos esqueletos, valga la redundancia. Tienen una ventaja, y es que los esqueletos son ciegos, ya que, cuando les ejecutaron, les quemaron los ojos para que no pudieran ver si volvían a la vida (pero los jodíos oyen el menor ruido, así que tienen que ir con mucho cuidado). El argumento es de lo más surrealista y delirante, y los efectos especiales son muy artesanales, o sea, muy cutres (estamos hablando de serie b española setentera, así que, os podéis imaginar). Técnicamente está fatal hecha, pero tiene bastante tensión, emoción, y sentido del ritmo. Los templarios son muy lentos cuando persiguen a la gente, tanto que no te explicas cómo les pueden atrapar, pero lo mismo pasaba con los zombies de Romero. Me resultan bastante impresionantes los planos en que aparecen montando a caballo. Hay un par de escenas muy inquietantes y yo diría que incluso aterradoras. Se palpa la tensión entre los personajes que están encerrados en la catedral, cada uno con su carácter y motivaciones (algunos son más villanos que los propios esqueletos asesinos). Los actores también cumplen bastante bien; sólo conozco a Esperanza Roy, que hace de la chica buena protagonista, y a Fernando Sancho, que hace un papel impresionante de cabrón sin ningún escrúpulo. El reparto está compuesto por actores españoles e ingleses, o americanos, como un tal Tony Kendall, que hace del chico bueno protagonista. También sale una niña que tiene las mejores escenas de la peli. Hay buenas dosis de gore, desmembramientos y sangre desparramada, pero también hay una parte importante de terror psicológico (la última escena es genial). Bueno, que a mí me gustó y me mantuvo enganchada. La mayoría de la gente que la ha visto dice que es muy mala, y sí, supongo que lo es, y a ratos te hartas de reír viéndola, pero no se puede negar su originalidad y su mérito, y yo creo que es otra joyita a rescatar y tener en cuenta.

Shutter Island: Thriller paranoico

2010-03-02T20:50:00.002+01:00

El miércoles 24 de febrero vi en el cine Shutter Island, la última peli de Martin Scorsese, y su cuarta colaboración con Leonardo DiCaprio, después de Gangs of New York, El aviador e Infiltrados. Es una película algo difícil de clasificar, pero se podría definir como un thriller psiquiátrico. La acción se sitúa en 1954, en Shutter Island, una isla perdida y escarpada donde se encuentra un hospital psiquiátrico perteneciente al gobierno de USA, que alberga a los enfermos mentales más psicópatas y peligrosos. Hasta allí llegan dos agentes federales, interpretados por Leonardo Di Caprio y Mark Ruffalo, para investigar la desaparición de una paciente que fue internada allí tras haber ahogado a sus tres hijos. Las cosas no son lo que parecen en este extraño lugar… Tenía muchas ganas de ver esta cinta, porque además de las películas apocalípticas, me encantan las películas de locos (qué morbosa soy), y el cine de Scorsese suele ser de calidad, pero a mí me decepcionó un poco, no es exactamente lo que me esperaba. El guión, pretendidamente, está lleno de giros inesperados y sorpresas, pero a mí no me sorprendió tanto; en realidad creo que es una película bastante tramposa, concebida para que todo el mundo se quede admirado. Creo que a la mayoría de los espectadores les ha gustado, y lleva camino de convertirse en un clásico, pero yo soy muy rara, y no me termina de convencer. Eso sí, se agradece la atmósfera malsana y perturbada, y la verdad es que tiene algunas escenas inquietantes y un par de diálogos que me dieron miedo y todo, pero el conjunto es obvio y previsible, y al final me quedó una sensación como de tomadura de pelo. De los actores tampoco puedo decir nada destacable: Leonardo Di Caprio lo hace bien, pero su actuación no tiene mucho misterio, Mark Ruffalo está flojito; están también Ben Kingsley, Max von Sydow, Patricia Clarkson, y Michelle Williams, que normalmente no me gusta mucho, pero aquí tiene las mejores escenas con diferencia. Pues nada, chicos, ya sé que a todos os ha gustado la peli, pero lo siento, para mí no pasa de ser un thriller entretenido, con las expectativas que había puesto en ella…

El hombre lobo: Historia de amor y terror

2010-02-28T00:13:00.010+01:00

El domingo 21 de febrero vi en el cine El hombre lobo (The wolf man), de Joe Johnston, director de películas americanas comerciales de aventuras como Jumanji, Rocketeer o Cariño, he encogido a los niños. Como todos sabemos, hay multitud de películas sobre este mito del terror, y el tema se ha tratado de infinitas formas en el cine, pero este film en concreto es un remake de otro de 1941. Esta nueva versión, ambientada, como la original, en el siglo XIX, tiene un nombre propio: Benicio del Toro, actorazo donde los haya, que además de ser uno de los productores de la película, interpreta al protagonista, Lawrence Talbot. Este es un actor de teatro británico, proveniente de la nobleza, que vuelve a su casa después de veinte años, tras recibir una carta de Gwen Conliffe, la prometida de su hermano, notificándole que su hermano ha desaparecido y pidiéndole ayuda para buscarlo. Cuando llega a la mansión, se reencuentra con su padre, con el cual no se hablaba desde que murió su madre, y su hermano aparece muerto en el bosque, con señales de haber sido asesinado brutalmente. En el pueblo todos dicen que hay una bestia feroz que está matando a la gente, así que la policía empieza a investigar… Es el hombre lobo, claro, pero ¿quién es el hombre lobo? La película en conjunto está bastante bien; es una mezcla acertada de drama decimonónico y de horror gótico, con su parte de romance, de efectos especiales y algo de gore. El maquillaje nos muestra a un hombre lobo muy clásico, las transformaciones son típicas, pero impactantes, y la atmósfera es muy poética, con la luna llena y los paisajes brumosos ingleses. El conjunto se beneficia del gran talento de Benicio del Toro, un actor con aspecto de brutote pero con un enorme carisma. Los demás actores también están muy convincentes: Hugo Weaving, Geraldine Chaplin, y Emily Blunt, muy guapa en su papel de heroína romántica. El único que no me gusta mucho es Anthony Hopkins, que interpreta al muy siniestro padre. Este hombre, a veces hace actuaciones impresionantes, pero otras veces, como en esta peli, sobreactúa un poco. Yo creo que El hombre lobo en general consigue lo que pretende: entretener y a ratos emocionar con esta nueva revisión de un personaje de leyenda, el licántropo que inspira miedo y también tristeza.

La cosa: Terror en la Antártida

2010-02-26T21:49:00.004+01:00

Como ya sabéis (bueno, no sé si lo sabéis), El País ha sacado una colección de cine de terror, con películas de varias épocas, muchas de las cuales ya son clásicos: El resplandor, El exorcista, La semilla del diablo… Peliculones, con muchos extras y en un formato muy chulo de libro-disco. Las pelis vienen con el periódico de los domingos, pero… la distribución es un poco escasa, vamos, que cuesta trabajo conseguirlas. Así que ya sabéis, eso de “Cada domingo con su ejemplar de El País, consiga la maravillosa película”, no es del todo cierto; en Madrid no sé cómo será, pero aquí en Cádiz es una difícil búsqueda. Pues en una de esas búsquedas encontré La cosa (The thing), del maestro John Carpenter, uno de esos directores emblemáticos del cine de terror y ciencia ficción, que comenzó en los años 70 con films de serie b, y que tiene títulos tan originales y personales como 1997: Rescate en Nueva York, y su secuela 2013: Rescate en L.A., El pueblo de los malditos, o Fantasmas de Marte (una de esas pelis que no le gustan a nadie y a mí me encantan). La cosa (también llamada El enigma de otro mundo) es una cinta de 1982, remake de un clásico de 1951, y pertenece al subgénero de extraterrestres peligrosos e invasores. La acción se sitúa en una estación experimental en la Antártida, donde unos científicos descubren que un extraño ser que vino del espacio hace más de 100.000 años, quiere extenderse y apoderarse de nuestro planeta. La manera de hacerlo es invadiendo los cuerpos de los seres vivos que tiene cerca y haciéndose pasar por ellos, como hacían las vainas de La invasión de los ladrones de cuerpos, con algunas diferencias: no hace falta que estén dormidos, y los espectadores vemos todo el proceso de conversión. La película está llena de efectos especiales impactantes para la época en que fue rodada, y yo creo que también para la actualidad: cuerpos retorciéndose y transformándose, cuerpos abiertos en canal, vísceras de todo tipo… Sin embargo, a mí no me resultó desagradable, y yo odio el gore, pero más que gore es pura fantasía artesanal. Hay que recordar que es una peli de los 80, así que, nada de ordenador, todo maquillaje y prótesis. El creador de todo este alarde visual fue Rob Bottin, que desde luego hizo un trabajo asombroso. Pero los efectos visuales no dominan la cinta, porque también hay una parte fundamental de suspense. El pánico se apodera de los protagonistas cuando se dan cuenta de que el ente extraterrestre puede haber tomado la forma de alguno, o algunos, de ellos, así que está infiltrado allí mismo. Aquí tenemos un tema recurrente en el cine de Carpenter: las reacciones de varios personajes aislados en una situación límite y sin confiar los unos en los otros. La paranoia está servida. En estas situaciones de amenaza siempre hay alguien que tiene más iniciativa y se erige en líder del grupo; aquí es el personaje de McReady, el piloto de la base, interpretado por el maravilloso Kurt Russell, que es el principal protagonista de la acción y está fantástico en su papel de héroe duro y solitario. Por cierto, me encanta este hombre, sobre todo de joven, tenía muchísimo morbo, no sé qué hace casado con la repelente de Goldie Hawn. También tengo que mencionar la banda sonora; Carpenter suele componer la música de sus películas, y es una música muy particular, minimalista, simple pero muy inquietante. Aquí, aunque se encargó la banda sonora a Ennio Morricone, se distinguen también los acordes del sintetizador de Carpenter, que se repiten una y otra vez de una forma bastante terrorífica. La verdad es que La cosa es un peliculón, inteligente, muy emocionante, y brillante en el aspecto visual. Una obra que yo creo que no ha envejecido en casi 30 años.

The road: Otro dramón post-apocalíptico

2010-02-17T13:05:00.004+01:00

El sábado 13 de febrero vi en el cine The road (La carretera), de John Hillcoat, basada en una novela muy famosa y premiada, al parecer (yo no la conocía, pero bueno, yo es que de literatura no tengo mucha idea, la verdad). El autor de la novela es Cormac McCarthy, un escritor americano actual, autor también del libro en el que se basa la película No es país para viejos, de los Coen. The road es una película muy, muy apocalíptica, pero de una forma cruda, directa y descarnadamente realista. Esta vez la civilización se ha acabado por algún tipo de cataclismo del que no se dan casi explicaciones. La mayoría de la humanidad ha perecido, así como los animales, y las plantas también están desapareciendo. Todo está desolado, desértico y frío. Y si no hay animales ni plantas, tampoco hay comida, claro, así que muchos hombres se han vuelto caníbales, esto es lo más aterrador. Los protagonistas de la peli son un padre y un hijo que se lanzan a un recorrido hacia la costa, por caminos devastados, escondiéndose de la carretera y de los cazadores de personas. En su viaje se cruzan con otros supervivientes, tristes, desesperanzados o peligrosos. Pero ellos dos llevan casi todo el peso del film. Los actores que los interpretan son: Viggo Mortensen, que transmite muy bien la desolación y la necesidad de supervivencia y de proteger a su hijo; y un chico llamado Kodi Smit-McPhee, que está fantástico. Su personaje es todo bondad y pureza en una época de gente mala. Hay otros actores secundarios, como Charlize Theron y Robert Duvall. The road es a ratos lenta y contemplativa, a ratos salvaje, con algunas escenas de puro terror, y aunque nos muestra un mundo caótico y oscuro, también deja una cierta esperanza. Es una película de gran calidad y se pasa fatal viéndola, sobre todo porque estás presenciando algo terroríficamente real y cercano, un aviso de algo que podría estar a la vuelta de la esquina. ¿Nos encaminaremos al apocalipsis? Acojona pensarlo.

Sherlock Holmes: Superdetective en Londres

2010-02-15T17:44:00.002+01:00

El lunes 8 de febrero vi en el cine Sherlock Holmes, dirigida por Guy Ritchie, conocido sobre todo por ser el último ex-marido de Madonna y por haber dirigido comedias negras de acción como Lock & stock y Snatch, cerdos y diamantes. Esta nueva versión de Sherlock Holmes nos cuenta uno de los casos investigados por el famoso detective del Londres victoriano y su ayudante el doctor Watson. Pero este Sherlock es muy distinto del que estamos acostumbrados a ver en las novelas y en todas las adaptaciones cinematográficas y televisivas; se puede decir que estamos ante un clásico modernizado, aunque la acción se sitúe en la misma época original, el siglo XIX. Sherlock Holmes, interpretado por Robert Downey Jr., ya no es un brillante detective gentleman inglés, sino un brillante detective inglés pendenciero, maníaco-depresivo y aficionado a las peleas callejeras de boxeo. Es un Holmes muy macarra; vamos, Robert Downey Jr. interpretándose a sí mismo. El doctor Watson, interpretado por el guapo Jude Law, sí es un elegante y perfecto gentleman, prometido con una señorita de la alta sociedad, y cuyo noviazgo intenta estropear el macarra de su amigo Holmes. La amistad y la química entre estos dos personajes opuestos es uno de los ejes principales de la peli, como en las típicas buddy movies (películas de colegas, tipo Arma letal o Tango y Cash). Otro eje es la acción; la investigación, con explicaciones enrevesadas, se mezcla con peleas, carreras y explosiones, y con momentos de comedia, en los que Robert Downey Jr. se desmelena y hace un poco el payaso. La comedia no llega a ser demasiado delirante ni cae en la parodia, menos mal. Me gustó la recreación de Londres, con ambientación gótica, oscura y tenebrosa, con conspiraciones y sectas diabólicas. Yo creo que es un film interesante, original y transgresor, y me parece muy bien esta innovación de un mito literario. A los fans del Sherlock Holmes clásico no les ha gustado nada, pero esta película está basada en un comic de un tal Lionel Wigram, así que tal vez no habría que criticar la peli sino el comic. A mí me ha gustado, además siempre me ha encantado Robert Downey Jr., aunque aquí está muy desastrado, pero sigue teniendo mucho morbo. ¿Y qué decir de Jude Law, guapo entre los guapos? Con estos comentarios frívolos me despido, recomendando la película para verla sin prejuicios.

Precious: Hiperrealismo social

2010-02-07T23:33:00.002+01:00

Ya han salido las nominaciones de los oscars. Este año les ha dado por nominar diez pelis a la categoría de mejor película, cuando todos los años han sido cinco (la industria hollywoodiense está soltando mucha pasta); y yo soy tan absurda, que tengo la tradición de intentar ver todos los años las nominadas en esa categoría, en la de película de animación y en la de película extranjera (éstas sí que es imposible verlas todas). Las veo aunque piense que no me van a gustar; ya sabemos que los premios de los oscars se deben más que nada a las negociaciones y que no siempre ganan los que se lo merecen, pero a mí me encanta ese festival. Tiene tanto glamour… qué frívola soy. Total, que ahora tengo que ver un montón más de pelis, qué estrés. Por eso el domingo 7 de febrero fui a ver Precious, de Lee Daniels, sólo porque está nominada a mejor película; si no no la hubiera visto, porque no es el tipo de cine que más me gusta. El film es un dramón tremendo, un retrato durísimo de la vida de una adolescente en los barrios deprimidos de Nueva York. La adolescente se llama Clareece “Precious” Jones, vive en Harlem, es negra, pobre, con sobrepeso (con mucho sobrepeso) y su vida es una mierda: a sus 16 años, está embarazada por segunda vez de su propio padre, su primera hija tiene síndrome de Down, y su madre es una auténtica bestia que le insulta y le pega sistemáticamente. Va a una escuela de población marginal, claro, y no sabe leer ni escribir. Así de crudo, y así lo vemos en la película. Menos mal que el drama se suaviza un poco cuando la directora de su colegio, que sabe que le interesan las clases y que podría llegar a ser una buena estudiante, le anima a apuntarse en una escuela alternativa, donde hay muy pocos alumnos en cada clase, aunque también son marginales, y donde pueden aprender mejor. Allí hace amistad con las compañeras, que son todas unas locas adolescentes descerebradas, pero son graciosas, y con la profesora, que es el personaje más bondadoso de la película, menos mal, porque yo lo pasé fatal viendo tantas desgracias, una detrás de otra. Todos dicen que la mejor actuación es la de una tal Mo’nique, que interpreta a la madre de Precious, y la verdad es que la tía lo borda, pocas veces he visto un personaje tan odioso y tan patético. De todas formas, no me ha gustado mucho la peli, no porque sea mala, que no lo es, de hecho es muy buena. Pero tanto realismo me agota, sobre todo porque sabes que estas cosas sí que son reales. Es un film multipremiado, que se llevará unos cuantos oscars, y que les encantará a los académicos hollywoodienses: realista, crudo, con mensaje de autosuperación y trasfondo optimista, después de todo. Con mucha moraleja. Y para los que les guste sufrir en el cine.

Up in the air: Vivir viajando

2010-02-07T22:12:00.003+01:00

El domingo 31 de enero vi en el cine Up in the air, de Jason Reitman, director de comedias indie de éxito como Juno y Gracias por fumar. Al igual que Juno hace dos años, Up in the air está ahora entre las nominadas al oscar a mejor película. Esta peli no es totalmente comedia; se puede considerar que tiene una parte de comedia del mundo de la empresa y otra parte de melodrama o drama psicológico y sentimental. El estilo es en todo momento bastante amable y fácil de ver, pero al mismo tiempo trata temas trascendentes y profundos. El protagonista, Ryan Bingham, interpretado por George Clooney, trabaja para una empresa especializada en despedir trabajadores de otras empresas. Cuando en una compañía quieren echar a alguien, llaman a éste o a otros profesionales, que van allí y se encargan de esta ingrata tarea (esto sólo se les ocurre a los americanos, en España no creo que haya nada parecido). Eso sí, todo disfrazado con un tono muy políticamente correcto y un mensaje eufemístico de autoayuda, porque es una empresa de recursos humanos (lo que yo digo, sólo se les ocurre a los americanos). El caso es que Ryan se pasa la vida viajando en avión por todo USA despidiendo gente, viviendo prácticamente entre hoteles y aeropuertos. Esto parece un poco agobiante y deprimente, pero a él le gusta este modo de vida y se encuentra como pez en el agua. Los hoteles son de super lujo, es cliente preferente de todo, y liga bastante (claro, es que es George Clooney). Así conoce a Alex (Vera Farmiga, la prota femenina de Infiltrados de Scorsese), una trabajadora viajera vip como él, con la que entabla una relación de “amigos con derecho a roce intermitente y sin compromiso”, ya que sólo se ven en los viajes de trabajo y en los hoteles de lujo, pero vamos, que se lo pasan bomba. Un día la empresa de Ryan contrata a una joven licenciada (Anna Kendrick, la amiga chismosa de la prota de Crepúsculo), que ha tenido una gran idea para ahorrar costes: despedir a la gente por videoconferencia, así los empleados ya no tendrán que viajar tanto (lo que no sé es cómo no se les había ocurrido antes). Pero esto a Ryan no le hace ninguna gracia… Esta es una de esas películas que le gustará a casi todo el mundo, incluida yo. Es agradable de ver y mezcla acertadamente todos sus elementos: comedia inteligente y de buen gusto, melodrama romántico, con algo de drama psicológico y autoparodia hacia el sistema empresarial actual. Trata el tema de la soledad de una forma reflexiva y melancólica. George Clooney está muy bien en su papel, como siempre; este hombre, además de sex symbol e ídolo de mujeres de todas las edades, es un gran actor. Vera Farmiga no me hace mucha gracia, aquí hace más bien de mujer florero. Pero la mejor es Anna Kendrick, que hace un personaje muy completo: divertida, humana y con inseguridades. La otra cara de la super woman profesional; ya era hora.

La cuarta fase: Abducidos

2010-02-07T12:54:00.004+01:00

El sábado 30 de enero vi en el cine La cuarta fase (The fourth kind), de un tal Olatunde Osunsanmi (vaya nombrecito tiene el director). Es una película que está creando mucha polémica, aunque no división de opiniones, porque casi todo el mundo (menos yo, claro) está de acuerdo en que es una mierda, así como suena (es lo que he leído y oído por todos lados). Javi, mi novio, también opina lo mismo, de hecho se salió del cine a la media hora diciendo que estaba aburridísimo y que en la peli no pasaba nada. En realidad yo creo que la gente está indignada porque la historia, que supuestamente está basada en hechos reales sobre testimonios de personas que han sido abducidas por extraterrestres (es lo que te cuenta la publicidad y la promoción de la peli y también los actores hablando al principio), resulta que es totalmente inventada. Han hecho una campaña en los medios y en internet vendiéndonos que vamos a ver imágenes reales, sin desmentirlo en ningún momento, y después, leyendo por ahí, te enteras de que todo es un montaje y que incluso multaron a la productora, Universal, por intentar engañar a los espectadores. La verdad es que comprendo que el público esté cabreado; yo no lo estoy porque ya sabía todo eso antes de ir a ver la película, y de todas formas no me hubiera creído que lo que sale ahí es verdad. De hecho, no sé cómo alguien se lo puede creer, pero bueno… Dejando aparte lo del engaño, el film me parece bastante interesante y bien hecho. La protagonista es una psicóloga que vive en un pueblo perdido de Alaska llamado Nome, y que está intentando superar el trauma de la trágica muerte de su marido, asesinado en su propia casa sin que hayan encontrado al culpable. Tiene dos hijos, una niña que debido al shock se ha quedado ciega (qué dramón), y un adolescente rebelde siempre cabreado. Sus pacientes últimamente presentan síntomas comunes: todos sufren grandes crisis de pánico por las noches y cuando se despiertan no recuerdan por qué les ha pasado eso. Sólo parecen recordar bajo hipnosis… Total, que en ese pueblo ocurren muchas cosas raras. La psicóloga está interpretada por Mila Jovovich, y en la acción se alternan continuamente la dramatización de los hechos, con actores interpretando a los supuestos personajes reales, y con las supuestas sesiones grabadas con los pacientes reales y entrevistas a la psicóloga real, que no lo es, porque todos son actores interpretando. Pero esto último nunca te lo dicen, y la gente sale del cine pensando que esas imágenes son de verdad, la gente ingenua, porque resulta muy inverosímil creerse eso… Pero como ficción me parece una cinta realmente inquietante, bien realizada, y con algunas escenas bastante aterradoras. Al principio sólo sale gente hablando, pero después ocurren cosas bastante emocionantes. La historia me inspiró algo de miedo interior. Una cosa es que no me crea los hechos tal como los presentan ahí, con gente levitando y teorías propias de Cuarto milenio (que, por otra parte, me encanta) y otra cosa es que no piense que a lo mejor no estamos solos en el Universo… la verdad es que no lo sé, y bueno, cada uno que piense lo que quiera, pero por favor, no os creáis todo lo que os ponen en una pantalla. Yo a veces dudo hasta de lo que tengo delante de los ojos…

Callejón infernal: Otra rareza apocalíptica

2010-02-05T20:16:00.004+01:00

El sábado 23 de enero, además de La herencia Valdemar, vi Callejón infernal (Damnation alley), de Jack Smight, otra de esas películas antiguas raras de serie b que tanto me gusta rescatar. Es una peli de 1977, que por lo visto en su día fue un fracaso, y que ahora poca gente en el mundo conoce, a pesar de estar protagonizada por George Peppard (Hannibal de El equipo A), y Jan Michael Vincent, un guaperas de la época (nadie se acordará, pero era el prota de la serie de los 70-80 Vientos de guerra). Callejón infernal es una cinta de aventuras apocalípticas, y como ya os habréis dado cuenta, a mí me encanta todo lo apocalíptico, así que tenía que verla. Esta vez el fin del mundo se produce por la Tercera Guerra Mundial nuclear que tanto miedo nos daba ya en esa época. El lanzamiento masivo de misiles, además de llevarse por delante a casi toda la humanidad, provoca que el eje de la Tierra se desplace (qué heavy), y en consecuencia se altera todo el clima del planeta (normal, es lo menos que podía pasar), ocurriendo todo tipo de catástrofes sin control: tormentas solares, inundaciones, sequías… Los protagonistas son militares que están en su base cuando tiene lugar la destrucción. Dos años después, el mundo sigue devastado, pero ya se puede respirar el aire de fuera, así que los pocos supervivientes de la base deciden ir en sus super-vehículos todo terreno hacia Albany, porque han captado una señal de radio procedente de allí. Entre ellos están Denton (George Peppard), el oficial superior, y Perry (Jan Michael Vincent), cuyos caracteres chocan bastante porque Denton es prudente, organizado y autoritario y Perry es el típico guaperas-macarra-chulito-impulsivo. En su viaje se tienen que enfrentar a todo tipo de peligros: las catástrofes atmosféricas, insectos gigantes y cucarachas mutantes, paletos freaks asesinos… También se encuentran por el camino a otros supervivientes que se unen a ellos: una joven (interpretada por Dominique Sanda, una actriz francesa muy guapa) y un muchacho (interpretado por Jackie Earle Haley). La peli es una joyita setentera de serie b: argumento simple, reflejando los miedos del público de la época (por lo de la guerra nuclear), efectos especiales cutrísimos, pero en conjunto divertida y original (en mi opinión, claro). Hay partes muy lentas y repetitivas, las escenas de acción tampoco están muy elaboradas, pero son más o menos emocionantes. La fotografía me parece fascinante, muy básica, con paisajes desérticos y cielos de colores psicodélicos. Y Jan Michael Vincent está buenísimo, la verdad (ahora por lo visto está muy echado a perder, como Mickey Rourke). Total, que la película es mala, y yo comprendo que no le guste a nadie (a los pocos que la conocen), pero yo me lo pasé en grande viéndola. Para mí ya es una obra de culto.

La herencia Valdemar: Terror gótico hispano

2010-01-25T19:47:00.004+01:00

El sábado 23 de enero vi en el cine La herencia Valdemar, de José Luis Alemán, que al parecer está inspirada en la literatura de Lovecraft, en sus temas y su estilo, no sé si también en argumentos y personajes, porque no he leído nada de él, qué inculta soy. Esta película es la primera de dos partes, así que cuando termina, te quedas a medias y con ganas de ver la segunda, que no sé cuándo se estrenará, espero que no tarde mucho. Bueno, yo me quedé con ganas de ver la segunda, pero creo que mucha gente no, a juzgar por las malas críticas que he visto, con las que no coincido, pero que puedo llegar a entender (soy anticrítica, pero no intolerante). Entiendo que haya gente que no le haya gustado la peli, pero a mí me ha encantado. Tiene dos historias, una en el presente y otra en el pasado, unidas por la mansión Valdemar, un misterioso caserón del siglo XIX. La del presente es de misterio y terror y queda inacabada, habrá que esperar a la segunda peli para ver qué pasa. La del pasado es una narración dentro de la historia del presente, y es un drama romántico-clásico y terrorífico-gótico. La acción comienza cuando Luisa (Silvia Abascal), una joven experta super-profesional en tasación de inmuebles antiguos, es enviada a valorar la mansión Valdemar, abandonada pero intacta. Anteriormente había ido otro tasador que ha desaparecido misteriosamente. Luisa también desaparece, y entonces su empresa contrata a un detective super-secreto (Óscar Jaenada) para que la encuentre. En el camino en tren hacia allí, tiene que reunirse con la doctora Cerviá, presidenta de la fundación Valdemar (la típica guapísima-pedante-antipática), que le explica la historia de Lázaro y Leonor Valdemar, la cual dio origen a la leyenda de la casa a finales del siglo XIX. El film es muy interesante (en mi opinión, claro). Es una mezcla de thriller, drama de época y terror de monstruos con momentos gore. Tiene mucho de novelón clásico y la parte propiamente de terror es corta, pero todo el desarrollo de la cinta es inquietante; hay espiritismo, personajes siniestros, y efectos especiales y ambientación fantásticos. Los actores son bastante conocidos: está la maravillosa Laia Marull (la sufrida prota de Te doy mis ojos), Daniele Liotti (Felipe el Hermoso en la peli de Juana la Loca de Vicente Aranda), también está Eusebio Poncela, y un tal Francisco Maestre, que por el nombre nadie lo conoce (yo tampoco), pero que al verlo te das cuenta de que es el calvo villano secundario de muchas películas españolas; aquí está espléndido y siniestro, aunque algo sobreactuado, pero el papel lo pide. Ah, y es un lujo ver a Paul Naschy en su último papel, antes de que nos dejara. Silvia Abascal no me gusta mucho, pero bueno, no importa. A mí la peli me recordaba a las de miedo españolas de serie b de los años 70, y también a las de Fantastic Factory, supongo que por eso hay tanta gente que no le ha gustado, pero dentro de 20 años seguro que dicen que es una película de culto. Yo estoy deseando ver La herencia Valdemar II.

Número 9: Animación apocalíptica

2010-01-19T20:33:00.003+01:00

El domingo 17 de enero vi en el cine Número 9 (Number 9), de Shane Acker. Es una película de animación desarrollada a partir de un corto que el propio director hizo en 2006 y que tuvo mucho éxito (fue nominado al oscar y todo). El mayor reclamo publicitario para ver este film es que está producido por Tim Burton y Timur Bekmambetov, director de la saga de vampiros rusos Los guardianes de la noche, del día y del crepúsculo. Se trata de una fábula apocalíptica en la que los protagonistas son muñecos de trapo numerados del 1 al 9. El mundo se ha destruido una vez más, esta vez por una rebelión de las máquinas, como en Terminator. En una época que no parece el futuro, sino un pasado paralelo, allá por los años 30, los científicos han inventado máquinas sofisticadas e inteligentes que en teoría tenían que servir para el progreso, pero fueron utilizadas para la guerra, y las máquinas, de tan inteligentes que eran, se rebelaron en su propia guerra contra los humanos. La Tierra se ha convertido en un planeta desolado, igualito que en Terminator, pero aquí todos los humanos han sido aniquilados, y sólo quedan las máquinas, que van por ahí destruyéndolo todo, y tienen formas muy variadas: insectos gigantes horribles, ojos aniquiladores, aliens mecanizados… En este caos se despiertan nuestros protagonistas, los muñecos de trapo, que fueron creados por un científico que les infundió vida antes de morir él mismo. El más protagonista en la peli es el nº 9, y cada uno tiene su personalidad. Su forma es muy graciosa, son como calcetines con gafas de cristales gordos. Viven en una catedral vacía y son los únicos que pueden destruir a las máquinas malignas y la única esperanza para el planeta. Es un film muy original en su forma, con una estética fascinante: fotografía oscura, escenarios decadentes y ruinosos, escenas de acción, influencias místicas, banda sonora apocalíptica… A mí me gustó mucho (todas las películas que veo últimamente me gustan, vaya anticrítica que soy), me pareció muy interesante, aunque no tenga mucho diálogo y un argumento muy visto, pero me da igual, y me metí de lleno en las aventuras de los calcetines miopes intentando salvar el mundo.

Avatar: Mundo fantástico

2010-01-17T02:30:00.014+01:00

El martes 5 de enero vi en el cine Avatar, de James Cameron, en 3D. Decidimos ir ese día porque pensamos que con la cabalgata de Reyes, a lo mejor habría menos gente, pero aún así tuvimos que sacar las entradas el día antes y el cine estaba lleno, todavía hay gente que no tiene hijos o nietos a los que llevar a pelearse por coger caramelos. Para verla en 3D tuvimos que ir a El Puerto de Santa María, porque mi ciudad, Cádiz, no es como Madrid ni Barcelona y aquí estas modernidades no llegan todavía. Pero yo creo que esto cambiará pronto, porque después de ver la peli, llegué a la conclusión de que es el futuro; de aquí a unos años, no sé cuántos, todas las películas se harán así, y el cine en 2 dimensiones (¿se dice así?, bueno, quiero decir el de ahora), será como mirar cuadros en un museo, con valor artístico, histórico y nostálgico, pero antiguo. La película ha sido el boom de finales de 2009 y principios de 2010. No es la primera que se ha hecho en 3D, por supuesto, pero sí es la primera que la gente ha acudido en masa a ver en 3D, incluida yo. La verdad es que es una pasada, te pones las gafas y entras en un mundo asombroso, parece que estás rodeado, en este caso de alienígenas y seres extraños. La peli pertenece totalmente al género de ciencia ficción y fantasía. La acción se sitúa en el año 2154. La Tierra, como era de esperar, tiene una crisis energética y la solución parece estar en un mineral que se encuentra en el planeta Pandora. Los gobiernos y las corporaciones llevan tiempo allí con destacamentos militares extrayendo el mineral, pero el planeta está lleno de animales peligrosos, y además la atmósfera es mortal, con lo cual los terrestres sólo pueden salir de sus recintos con mascarillas. Los científicos han creado el programa Avatar, que es una realidad virtual con la cual cada persona controla con la mente a un ser que está hecho a imagen y semejanza de los Na’vi, los habitantes de Pandora. Tienen aspecto de una especie de duendes azulados, de tamaño más grande que los humanos. Hasta allí viaja Jake Sully, el protagonista de la peli, un ex-marine que a causa de las guerras ha quedado en una silla de ruedas, y que ha sido reclutado para manejar el avatar que estaba destinado a su hermano gemelo, un científico que ha muerto. En su forma avatar, Jake puede andar. Su misión es infiltrarse entre los Na’vi para conseguir información que ayude a los de la Tierra a extraer el mineral, lo cual no es fácil porque los habitantes de Pandora no están dispuestos a que les saqueen su planeta, normal. Total, que Jake, cumpliendo su misión, se integra en una de las tribus Na’vi y empieza a vivir con ellos, lo cual le cuesta trabajo porque los nativos saben en todo momento que Jake no es uno de ellos y que viene de otro sitio. Y conoce a Neytiri, una Na’vi de la que se enamorará, claro. El argumento del film es muy ecologista, muy de denuncia contra la sociedad actual y futura, y muy típico, pero ya se sabe que el argumento no es lo más destacado aquí. Los efectos visuales y la estética son fascinantes, lo son aunque la película se vea en la versión de 2D, pero en 3D impresionan más todavía. El mundo de Pandora es una especie de selva tropical con unos colores y unos fondos que reflejan a la perfección tanto el peligro como la belleza que encierran. Toda la parte de animación por ordenador, que es la de los avatares y los Na’vi, está fantásticamente bien hecha. En cuanto a la parte de las personas, los actores también están bastante bien. Jake Sully es Sam Worthington, un actor que tiene mucho carisma. También están Sigourney Weaver, que se luce algo, Michelle Rodríguez, Giovanni Ribisi, y a los demás no los conozco muy bien. Neytiri es interpretada por Zoe Saldana, una actriz negra muy guapa, supongo que habrán tomado sus movimientos, porque Neytiri es un personaje hecho por ordenador. En fin, que merece la pena ver la película en 3D. Es una inmersión en un mundo fantástico.

La semilla del diablo: Terror psicológico

2010-01-13T17:05:00.005+01:00

El lunes 4 de enero vi en dvd La semilla del diablo (Rosemary's baby), una de las mejores películas de Roman Polanski (para mí es la mejor de las que he visto de él), y una de las obras más inquietantes y perturbadoras de terror diabólico y psicológico. Se trata de una película de 1968, cuya protagonista y heroína es Mia Farrow. Su personaje, la Rosemary del título, es una joven casada con Guy Woodhouse, un actor sin mucho éxito (interpretado por John Cassavetes, al que yo conocía más como director de cine independiente). El matrimonio se muda a un apartamento en Nueva York, en el llamado edificio Bramford, que tiene una especie de leyenda negra porque en él han vivido psicópatas y gente rara (en realidad era el edificio Dakota, a cuyas puertas sería asesinado John Lennon años después, en 1980). Allí hacen amistad con sus vecinos, un matrimonio de ancianos encantadores, excéntricos y charlatanes. La fortuna parece sonreírles cuando Rosemary queda embarazada y Guy, de la noche a la mañana, empieza a tener éxito en su carrera, pero... ¿son las cosas lo que parecen? Como ya he dicho, es una peli muy inquietante; el terror no es explícito, sino que se basa en la sutileza, en un ambiente que se va enrareciendo hasta convertirse en una atmósfera malsana y paranoica. Hay un par de escenas bastante surrealistas y acojonantes, muy al estilo Polanski. Mia Farrow, a la que le van los papeles de heroína dulce y desdichada, está espléndida con sus ojeras y su cara demacrada y pálida. Es una película que se te queda dentro y no se olvida fácilmente. Todo el mundo recuerda la imagen de Mia Farrow avanzando por el pasillo, con el pelo super corto y un cuchillo super grande, y sobre todo la siniestra nana que suena al principio y al final de la peli. Es una obra con una estética muy propia de su época, muy sesentera y setentera, pero sigue resultando moderna hoy en día.

Fama: Remake descafeinado

2010-01-04T22:15:00.015+01:00

El 30 de diciembre vi en el cine Fama (Fame), de Kevin Tancharoen, remake de la película de 1980 de Alan Parker, a partir de la cual se hizo también la famosa serie que todos recordamos (“tenéis muchos sueños, buscáis la fama”, decía la profesora Lydia). A mí la serie me encantaba, como a todos los adolescentes de la época; yo tenía 13 ó 14 años, así que era lo normal. Lo malo es que he vuelto a ver la primera temporada y me ha vuelto a enganchar, es que una nunca crece… La Fama de 2009 se inspira más, en los hechos y las situaciones que cuenta, en la película de Alan Parker, pero el estilo es mucho más parecido al de la serie. Tanto las películas como la serie cuentan las vivencias de un grupo de jóvenes que estudian en la Escuela Superior de Artes Escénicas de Nueva York, para poder triunfar en el mundo del espectáculo. Esta escuela existe de verdad, y por lo que cuenta el argumento, debe ser una especie de instituto donde se imparten las asignaturas académicas normales (matemáticas, lengua…), y además, música, baile, teatro… tanto clásico como moderno, ¿eh?, que son muy completitos. Total, que estos chicos deben ser unos superdotados para poder estudiar todo eso, y encima hacen de todo: cantan, bailan, actúan… aunque algunas cosas mejor que otras, la verdad. Además, es una escuela pública, así que nos encontramos estudiantes de todas las clases sociales, desde pijos ricos hasta chicos de la calle, y de todas las razas: blancos, hispanos, negros… Los personajes de la primera peli y de la serie, que se hizo pocos años después, son los mismos o muy parecidos, incluso algunos actores repetían, pero los personajes de la Fama actual son completamente distintos. La Fama original, la de Alan Parker, era una película bastante dura, en la que tenía mucha importancia la narración de los problemas personales de los protagonistas, con lo cual era más un drama psicológico social juvenil que un film juvenil musical. La he visto dos veces y me gusta bastante, pero pienso que se recrea demasiado en el morbo, llega a ser hasta truculenta. La serie es mucho más edulcorada, esa sí que era musical para adolescentes de la época. Y la Fama de 2009 es incluso más light, por eso opino que el estilo es muy parecido al de la serie, descafeinado y políticamente correcto, y en el extremo opuesto a la transgresora peli de 1980. El remake actual tiene algunos guiños y homenajes a la peli original, a lo mejor lo han hecho para darle un toque cinéfilo, pero por lo demás, las dos están a años luz. Eso no me parece bueno ni malo; en esta peli se da más importancia a la parte musical (el director, por lo visto, es coreógrafo, y se nota, algunos números son espectaculares), y la vida personal de los protagonistas se trata más de pasada. Los personajes no tienen ni mucho menos el carisma que tenían los de la película original y los de la serie; hay una parejita de guapitos insulsos, un rebelde que se supone que tiene mucha rabia interior, los típicos graciosillos, una chica negra que canta estupendamente, una rubia pija que baila de maravilla… Pero vamos, la verdad es que me daba un poco igual lo que les pasara a todos, no llegué a empatizar con ellos. En resumen, una Fama muy Disney Channel, con personajes bastante planos, pero con música y bailes fantásticos, que es lo que hace que merezca la pena verla. ¡Ay!, a mí lo que me gustaba era la serie, con Bruno, Coco, Danny, Leroy, que estaba buenísimo… Qué tiempos aquéllos…

Solomon Kane: Religión, espada y brujería

2010-01-03T23:20:00.005+01:00

El sábado 2 de enero vi mi primera película de 2010: Solomon Kane, de Michael J. Bassett. Se trata de una adaptación de un comic de Robert E. Howard, el creador de Conan. Tanto las aventuras de Conan como las de Solomon se enmarcan dentro del género de espada y brujería, aunque en épocas distintas. Conan pertenece al tiempo de los bárbaros, con las luchas a espada, los dioses antiguos, la magia y la hechicería, mientras que Solomon Kane está en el siglo XVI; aquí también hay luchas con espada, guerreros muy bestias, brujas y seres sobrenaturales, y todo matizado por la religiosidad. Este aspecto religioso refleja bien el período histórico y explica el carácter del protagonista, el típico héroe rebelde atormentado por sus crímenes del pasado. Estos crímenes, al parecer, han condenado su alma al infierno, porque en esta época todo se explica de un modo espiritual; el prota comienza un viaje para intentar redimirse y abandonar la violencia, lo de siempre, pero no lo consigue, claro, porque en su camino se encuentra a una familia, los buenos de la peli, de los que se hace amigo y a los que tiene que ayudar, y para eso tiene que luchar contra los malos malísimos, dirigidos por un monstruoso guerrero enmascarado. La película, por supuesto, no es histórica, sino de acción y fantasía, así que uno ve lo que se espera: brujas, demonios, el hechicero super malo, la doncella en apuros… Las luchas no son demasiado largas ni cruentas (nada de gore, lo cual yo agradezco, la verdad), y los efectos especiales están muy bien, como en cualquier producción hollywoodiense actual, pero tampoco creo que dominen la historia. Los actores son más o menos conocidos: el prota es James Purefoy, que yo no lo conozco mucho, pero por lo visto salía en la serie Roma; la doncella en apuros es la jovencita Rachel Hurd-Wood, protagonista de Maleficio, una peli de espíritus decimonónicos de 2006; también aparecen viejas glorias como Pete Postlewaithe, Alice Krige y Max Von Sydow, que da alegría ver que sigue en plena forma, porque ya en El exorcista era viejo, y de eso hace más de 30 años… A mí la peli me gustó, me resultó muy entretenida, visualmente bonita, y la acción no es apabullante. James Purefoy enseña sus músculos, sus tatuajes, y está muy bueno, aunque las melenas greñosas le tapan la cara, pero da igual (sí, recuerda mucho a Van Helsing). Es una cinta comercial para no pensar en absoluto, pero me llamaron la atención los aspectos descriptivos de la época: el tema de la religión y el puritanismo como cualidades positivas en los personajes, la brujería que hay que perseguir… Supongo que esto también aparecerá en el comic, es como si el autor se hubiera querido meter en la mentalidad de esa época, aunque a veces parecía más la Edad Media que el siglo XVI, con epidemias de peste y todo.

No me puedo resistir a hacer un poco de spoiler, lo siento: sale un demonio gigante tipo transformer muy divertido, eso sí que no pegaba mucho.

Terror en el espacio: Rareza espacial

2009-12-30T13:02:00.017+01:00

El 24 de diciembre, después de la cena de Nochebuena, vi Terror en el espacio (Terrore nello spazio, también llamada Planet of the vampires), una peli de estas raras. Rara porque es una producción italiana, de 1965, aunque coproducida con USA, y dirigida por un tal Mario Bava, así que no la conoce ni su padre, bueno, sólo la conocen los cinéfilos super mega guays como yo. En realidad yo me enteré que la peli existía por varios libros de cine, y mirando en internet vi que Mario Bava es un director que debió contribuir bastante en su filmografía al género del giallo, compuesto por películas italianas de los 60 y 70 de terror de serie b. Yo esto no lo sabía antes de mirarlo, tampoco me voy a tirar el pegote, pero sí que es un director conocido en los circuitos cinéfilos. Sus pelis deben ser bastante violentas, con títulos como: Un hacha para la luna de miel, Bahía de sangre o Seis mujeres para el asesino, pero Terror en el espacio es la excepción; es una encantadora mezcla de argumento ingenuo, pero imaginativo, efectos especiales super cutres y decorados de cartón piedra. Los protagonistas son astronautas de un planeta del que nunca se dice el nombre, que no es la Tierra, pero con forma totalmente humana, claro, para que pudieran hacer la película con actores de carne y hueso, si no sería una peli de animación. El caso es que son enviados en su “astronave”, como la llaman, a un planeta desconocido al que denominan Aura, porque han recibido unas señales de radio pidiendo ayuda. Cuando llegan allí, sólo encuentran otra astronave vacía y empiezan a ser poseídos por espíritus extraños… El argumento es infantil pero bastante novedoso para la época. Hay gente a la que le recuerda a Alien, como si fuera un precedente de esta peli, pero a mí me recuerda más a Fantasmas de Marte, de John Carpenter. Al principio me parecía un poco aburrida y falta de ritmo, pero después se va poniendo más interesante. Las escenas de acción no son nada espectaculares, más bien son “caseras”, y las actuaciones son bastante flojillas, por no decir risibles. Me recordaba a cuando éramos pequeños y jugábamos al espacio con los amiguitos y nos lo inventábamos todo sobre la marcha, era divertidísimo. La mejor me pareció la protagonista femenina principal (hay dos mujeres en el grupo, con look muy típico de los años 60), que debe ser una tal Norma Bengell. El actor principal se llama Barry Sullivan, un nombre que me suena bastante, aunque no lo acabo de ubicar. Llaman la atención los decorados, tan artesanales como fantasiosos. Total, que no es ninguna obra maestra, pero es otra joyita a rescatar, una delicia kitsch.

Bienvenidos a Zombieland: Comedia apocalíptica

2009-12-26T03:31:00.014+01:00

El 25 de diciembre, día de Navidad, vi en el cine Bienvenidos a Zombieland (Zombieland), de Ruben Fleischer, una película sobre los seres terroríficos más de moda últimamente (con permiso de los vampiros): los zombies. El género que comenzó con La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero, ha resucitado (nunca mejor dicho) al comenzar este nuevo siglo, realizándose infinidad de obras sobre el mismo. Esta vez, al igual que ocurría en Zombies party, de 2004, el tema se trata en clave de comedia, una comedia muy gamberra y delirante. El principio es el de siempre: el mundo está devastado por una plaga en la que casi todos se han convertido en muertos vivientes devoradores de humanos vivos. El prota principal es Columbus (los protagonistas se denominan a sí mismos con nombres de ciudades), un chico tímido y neurótico, el típico antihéroe asustadizo, interpretado por Jesse Eisenberg, un joven actor que borda este tipo de papeles. En su huida por todo el país, Columbus se encuentra a Tallahasse (Woody Harrelson), un macarra entrañable, y después conocen a Wichita (Emma Stone, que la verdad es que no sé quién es), y Little Rock (Abigail Breslin, la niña de Pequeña Miss Sunshine, ya un poco más mayorcita), dos hermanas a las que se unen en el recorrido por las carreteras desoladas, buscando un lugar sin zombies. La peli está llena de acción y humor, con algunos momentos sentimentales. Las escenas de acción, con las carreras y los disparos a los zombies, son brutales y divertidas. El humor, como es lógico, es salvaje y negrísimo, aunque a veces se suaviza algo. Woody Harrelson está simplemente genial, este hombre se ha encasillado últimamente en papeles de lunático cómico, pero lo hace de puta madre. También hay que destacar la surrealista aparición de Bill Murray interpretándose a sí mismo. Total, una peli para desconectar y reírse un rato, el que le guste este tipo de humor, claro. Aunque tiene unos cuantos momentos gore, tampoco creo que el humor fuera demasiado bestia, si no a mí no me habría gustado.

El maravilloso mundo de los hermanos Grimm: Regreso a la infancia

2009-12-23T10:53:00.004+01:00

Esta peli (que no tiene nada que ver con la, en mi opinión, aburrida El secreto de los hermanos Grimm, de Terry Gilliam) es una de esas pequeñas joyas que nadie recuerda. Hace unos 30 años que la vi en la tv, debió ser un sábado por la tarde, en el programa Primera sesión, donde echaban películas antiguas y de aventuras, qué tiempos aquéllos, y qué vieja soy. Ahora la he vuelto a ver y me ha vuelto a encantar. El maravilloso mundo de los hermanos Grimm (The wonderful world of the brothers Grimm) es un film de 1962, dirigido por George Pal, director y productor de películas clásicas de ciencia ficción como El tiempo en sus manos (La máquina del tiempo) y La guerra de los mundos, y Henry Levin, director, entre otras, de Viaje al centro de la Tierra. Es una especie de biopic de los hermanos Wilhem y Jacob Grimm, que se dedicaron a recopilar y escribir cuentos infantiles tradicionales en la Alemania del siglo XIX, aunque también publicaron obras más “serias” de gramática y lingüística alemana. Wilhem Grimm es interpretado por Laurence Harvey, uno de los protagonistas de El mensajero del miedo (la versión de 1962), y Jacob Grimm es Karl-Heinz Böhm, un guapo y rubio actor alemán que hizo de emperador Francisco José en las películas de Sissi. Los dos hermanos tienen caracteres opuestos (en la película, claro, en la realidad cualquiera sabe cómo serían). Wilhem, casado y con dos hijos, es alegre, inmaduro, y toda su obsesión es escribir los cuentos para que no se pierdan en el olvido; Jacob es muy serio y responsable, con problemas para comunicarse con su novia y su mayor afán es terminar a tiempo las obras que les encargan. La trama principal se mezcla con la narración de tres de los cuentos, añadiendo una parte de fantasía a la historia. La peli es una mezcla de melodrama, comedia familiar, aunque sin ser propiamente infantil, y musical, aunque no están todo el rato cantando. Tiene todo el encanto y la ingenuidad de las producciones hollywoodienses de los 50; de hecho, parece tener más elementos en común con el cine de esa década que con el de los 60. Recuerdo que de pequeña tenía un pequeño libro ilustrado que debía estar basado en la película, porque contaba exactamente la misma historia. Para verla una tarde de sábado y sentir añoranza de la época en que echaban Primera sesión.

Tygra, hielo y fuego: Fantasía animada ochentera

2009-12-20T14:02:00.005+01:00

El sábado 19 de diciembre vi Tygra, hielo y fuego (Fire and ice), de Ralph Bakshi, director de películas de animación no infantiles y poco corrientes, como Fritz, el gato caliente (una peli transgresora y medio erótica), una versión de El señor de los anillos, y la injustamente olvidada Cool World, una película que combina dibujos animados y acción real y que es una de esas que no le gustan a nadie y a mí me parecen obras maestras. Tygra, hielo y fuego es una cinta de animación de 1983, que pertenece al género que en mi época se llamaba de “espada y brujería”, es decir, como las pelis de Conan el bárbaro. Aquí tenemos un mundo ancestral y legendario, amenazado por la lucha entre los Pueblos del Hielo y del Fuego. Los buenos son los del Pueblo del Fuego, y los malos malísimos los del Pueblo del Hielo (podía haber sido al revés, pero ha sido así), cuyos reyes, Juliana y su hijo Nekron, están extendiendo el frío, representado por un enorme glaciar, por toda la Tierra. La malísima Juliana decide raptar a Tygra, la hermosa hija de Jarold, el rey del Pueblo del Fuego, para que Nekron la tome como esposa. Para ello envía a sus lacayos, los subhumanos, una especie de trogloditas repulsivos. El argumento de la peli es muy simple, pero visualmente es una maravilla; los efectos especiales son sorprendentes para la época, y la caracterización de los personajes es muy realista, se nota que rodaron las escenas primero con actores de carne y hueso. El personaje de Tygra es muy sensual, es una auténtica tía maciza en dibujo animado. La película no se puede decir que sea para niños, pero tampoco es de temática adulta. Se queda a medio camino entre la exuberancia y casi erotismo de los dibujos y la ingenuidad del argumento. En varias ocasiones parece que vas a ver una especie de manga porno, pero al final todo resulta la mar de inocente, parece como si hubieran censurado las escenas de sexo para la versión de todos los públicos (no creo, pero da esa impresión). Todos los personajes están muy bien caracterizados, tanto los malos como los buenos, incluyendo al héroe masculino, el guapo y rubio guerrero Jarn, y al misterioso guerrero enmascarado que le ayuda, Darkwolf. El autor de los dibujos es Frank Frazzetta, un importante pintor e ilustrador. Tiene varias escenas de magia y muchas de acción; en lo que falla la cinta es en el ritmo, hay partes monótonas y repetitivas, porque el argumento tampoco da para mucho metraje, aunque la peli es corta. De todas formas, creo que es una obra bastante interesante y una pequeña joya de los 80 que merece la pena rescatar.

La profecía: El niño Anticristo

2009-12-20T12:31:00.019+01:00

El sábado 12 de diciembre vi, por tercera vez en mi vida, La profecía (The omen), de Richard Donner, director de joyas setenteras y ochenteras como Superman, Lady Halcón o los Goonies, y también de la saga de Arma letal. Esta peli, de 1976, es una de las primeras en el género de niños diabólicos. La profecía es ya un clásico que perdura en la memoria de los espectadores (¿quién no recuerda la inquietante mirada del pequeño y diabólico Damien?), y que ha servido de inspiración a muchas producciones posteriores. A diferencia de otros niños malignos en el cine, que son simples demonios o pequeños psicópatas, en La profecía el problema es más grave, porque Damien es la encarnación del Anticristo, el mismísimo hijo de Satanás, que lleva grabado el 666, el número de la Bestia en el Antiguo Testamento, o algo así. La historia comienza un 6 de junio, supongo que de 1976, para que sea 6 del 6 del 6, en Roma, cuando la esposa del embajador de USA pierde a su hijo que acaba de nacer, y en el hospital católico en el que se encuentra, le proponen a su marido que se quede con otro bebé recién nacido sin padres, y sin que ella sepa nada, es decir, ella cree siempre que se trata de su propio hijo. Lo que ninguno de los dos conoce es la verdadera naturaleza del niño, que empezará a manifestarse cuando cumpla 6 años, en Londres, el nuevo lugar de residencia de la familia. Al parecer, su destino, cuando crezca, es instalar el reino del mal en el mundo (siempre me he preguntado cómo sería el mundo con ese reino del mal, estaría bien hacer una peli mostrando esto), y empieza a llevarse por delante, con el poder hipnótico de su mirada, y ayudado por unos cuantos servidores del Diablo, a todos los que puedan entorpecer su plan. La película conserva la misma fuerza que en su época, con su estética setentera y algunos momentos gore; no me parece demasiado terrorífica, pero sí que te deja una sensación inquietante, y tiene un par de escenas bastante escalofriantes. Los actores están fantásticos: los pobres padres de Damien (el embajador y su esposa) están interpretados por Gregory Peck y Lee Remick; también está una tal Billie Whitelaw, impresionante en el papel de la siniestra niñera, una auténtica hija de p…, acompañada siempre de un infernal rottweiler. Mención aparte merece el pequeño Damien, encarnado por Harvey Stephens, genial con sus miradas y sus rabietas de niño demonio. También es muy buena la música, un coro de voces luciferinas que suena en todos los momentos de peligro. La profecía cuenta con tres secuelas, La maldición de Damien, donde el pequeño Demonio tiene 13 años, El final de Damien, con un Anticristo adulto, interpretado por Sam Neill, y El renacer, que salió directamente en vídeo y donde el Mal está encarnado por la propia hija de Damien. También se hizo un remake que se estrenó en el cine el 6-6-2006, para darle más publicidad, y que es muy parecido al original, aunque el niño que interpreta a Damien no es tan inquietante, ni mucho menos.

Paranormal activity: Noches de miedo

2009-12-09T01:02:00.008+01:00

El domingo 29 de noviembre vi en el cine Paranormal activity, de Oren Peli, una película de la que se ha hablado mucho últimamente, tanto para bien como para mal. Unos opinan que ha supuesto una innovación y una especie de revolución en el género del terror, y otros dicen que no es más que una tomadura de pelo, al igual que ocurrió en 1999 con El proyecto de la bruja de Blair, aunque ésta fue un boom más evidente. Y como ésta, Paranormal activity pertenece al género del falso documental, lo que yo llamo “terror casero”, en el que la acción se recoge a través de las imágenes grabadas por una cámara que llevan los protagonistas. Aquí el terror es casero y minimalista, porque sólo hay cuatro actores en toda la película, la acción se desarrolla enteramente dentro de una casa, y no hay efectos especiales. El argumento también es muy sencillo: los protagonistas son una joven pareja que llevan tres años viviendo juntos, y de pronto empiezan a experimentar extraños fenómenos paranormales en su casa por la noche. Yo estoy en el bando de los que les ha gustado la peli, me ha parecido bastante acojonante. No es un terror visual ni efectista, en realidad no se ve nada del otro mundo, pero hay un miedo psicológico que se te queda dentro y después te hace pensar durante unos días, y hay un par de escenas escalofriantes. Muchos espectadores han salido decepcionados y la película no les ha impresionado lo más mínimo, pero yo es que soy de los tontos que a veces todavía les da miedo que un espíritu les asuste por la noche, qué infantil, ¿no?

Luna nueva: Romance vampírico adolescente II

2009-12-06T22:03:00.004+01:00

El sábado 28 de noviembre vi en el cine, por fin, Luna nueva (New moon), la segunda parte de la saga Crepúsculo (Twilight) y adaptación de las novelas super ventas de Stephenie Meyer. La primera película, Crepúsculo, estaba dirigida por la directora de films indie-adolescentes Catherine Hardwicke, pero el realizador de Luna nueva es más de cine fantástico: Chris Weitz, director, entre otras, de La brújula dorada. Como todo el mundo sabe a estas alturas, esta saga cuenta la historia de amor entre Bella, una joven de 17 años, y Edward, un vampiro aparentemente joven y guapísimo, como todos los vampiros. Tanto los libros como las películas están dirigidos fundamentalmente al público adolescente, pero también hay fans, como yo, que hace tiempo que pasamos la adolescencia, y en lugar de entretenernos con lecturas y cine propio de nuestra edad, nos da por estos subproductos juveniles, qué le vamos a hacer. Luna nueva es una adaptación muy fiel de la segunda novela, y a mí me ha encantado. Mantiene la estética oscura y elegante de la primera parte, siempre teniendo en cuenta que es cine juvenil, e incluso crece su carácter de drama romántico. Al principio de la película, Edward abandona a Bella porque se da cuenta de que es peligroso para ella estar a su lado, y se va de Forks, el pueblo donde viven, con su familia de vampiros. Bella cae en una gran depresión y desolación, que está muy, muy bien reflejada, igual que en el libro. Logra salir de ese estado gracias a su amigo Jacob, un joven indio que también está enamorado de ella y que resulta que es un hombre lobo, al igual que los demás jóvenes de su comunidad (ahora se les llama licántropos, y son enemigos de los vampiros desde Underworld). Se crea así un complicado triángulo amoroso aderezado con el elemento fantástico y los efectos especiales. Los lobos gigantes en los que se transforman los indios están muy bien hechos, y tienen tanta importancia en esta película como los vampiros. Edward sólo aparece al principio y al final de la cinta, cediendo mucho protagonismo a Jacob. Lo que no me gusta mucho es la caracterización de los protagonistas masculinos. Edward está demasiado maquillado, en la novela lo describen como un ser divinamente atractivo, y aquí lo han querido poner tan guapo, que se han pasado. Y Jacob está demasiado musculoso; son más atractivos sus compañeros licántropos, que no están tan exagerados. En la peli hay bastante exhibición de torsos masculinos, lo cual a mí me parece muy bien; llevamos toda la vida viendo exhibición de cuerpos femeninos en el cine y todo el mundo lo encuentra de lo más normal, ya era hora de que fuera al revés. La verdad es que la que sale más guapa y más natural es Bella. Es la típica heroína lánguida de la que todos se enamoran, pero la actriz, Kristen Stewart, lo hace perfectamente. También es espectacular y muy fiel al libro la aparición de los Vulturis, los vampiros guardianes y jefes supremos del orden, que viven en Italia y son bastante cabrones, la verdad. Sobre todo me parecen impresionantes Michael Sheen y la joven y magnífica Dakota Channing. Pues eso, que me ha encantado ver en la pantalla a los personajes de esta saga, que es un folletín romántico juvenil, pero a mí me fascina, y estoy deseando ver Eclipse. Y a los que critican a estos vampiros por no ajustarse al mito vampírico tradicional, les digo que se pongan al día, que esto es lo que se lleva ahora.

2012: Cataclismo universal

2009-11-25T17:15:00.006+01:00

El domingo 22 de noviembre vi en el cine 2012, de Roland Emmerich, director de bodrios espectaculares y comerciales como Stargate (lo único que me gusta de esa película es James Spader), El patriota (no la he visto, pero seguro que es un bodrio, mis disculpas a los que les guste) o 10000 B.C. (ésta me entretuvo, aunque sea muy mala), bodrios donde se destruye el mundo como Independence day o Godzilla, y películas entretenidas donde también se destruye el mundo como El día de mañana (ésta creo que es la más realista, por lo del cambio climático). 2012 es la más apocalíptica de todas; esta vez, el motivo de que se acabe el mundo es el cumplimiento de una profecía de los mayas, que a medida que se acerca la fecha, se difunde más y más, para que nos acojonemos un poco, ahora que ya no nos creemos las de Nostradamus. La peli tiene todos los desastres naturales que uno se pueda imaginar: terremotos, erupciones volcánicas, tsunamis… vamos, que casi toda la Tierra se va al carajo. Las escenas de destrucción son increíbles y los efectos especiales alucinantes. A mí me resultó muy entretenida, aunque dura dos horas y media. Aparte de eso, la película no tiene ninguna profundidad psicológica, ni diálogos interesantes, pero tampoco creo que nadie lo espere. Los personajes son bastante estereotipados. El protagonista principal es un escritor medio fracasado, interpretado por el maravilloso John Cusack. Es el típico hombre corriente convertido en héroe a la fuerza que lucha por salvar a su familia, compuesta por su ex mujer (Amanda Peet), sus dos hijos, niño y niña, y también se apunta al carro el nuevo marido de la ex mujer, así que hay hasta un triángulo amoroso y todo. También hay un geólogo, interpretado por el muy interesante Chiwetel Ejiofor, y también sale Thandie Newton haciendo de chica florero y de hija del presidente de USA. Éste último está interpretado por Danny Glover (el compañero de Mel Gibson en las pelis de Arma letal), siguiendo la reciente costumbre de poner un presidente americano negro en todos los films de catástrofes mundiales, y ahora más que nunca, para acojonar al público. Ah, también sale Woody Harrelson haciendo de loco visionario, en un pequeño papel y con una de las mejores escenas de la película. La historia tiene todos los topicazos hollywoodienses: exaltación de los valores familiares y patrióticos (Roland Emmerich es alemán, pero a estas alturas es más americano que si hubiera nacido en Washington), escenas sentimentaloides, escenas de acción imposibles, los buenos son ridículamente buenos y el presidente de USA es un santo... en fin, que a veces te da vergüenza ajena. Pero no importa, tú vas al cine a ver destruirse el mundo y es lo que ves, y de una forma espectacular.